孤独摇滚(上)

我大概一辈子忘不了结束乐队了写在前面，总集篇看之前就知道没有新剧情了，主要是为了电影院的音响听歌来的。

但是还是要给五星，虽然已经看过一次了，剧情还是感动人心😭这才是真正的的少女乐队。

可惜没有彩蛋，多放几首歌吧，哦内该😭周围环境很好，都是同好也没有人吵吵闹闹。

就如同用取景器拍照片一样，黑暗的环境沉浸感巨好。

专门找的有特典的电影院来的，毛到了番外漫画，这不就新剧情吗（雾）可惜没有胶片和海边了，虹夏呜呜呜😭在预想的地方断开了，并没有断章的难受（或许是好事?）如果能再插入一个《花之塔》就更劲了，梦回2022了😭那就《孤独摇滚下》再见啦

后藤独是一个极度内向阴沉的女生，因向往乐团活动而开始练习吉他。

某天，后藤独在路上被鼓手伊地知虹夏邀请去自己组织的女高中生乐队补缺，于是初相识的后藤、伊地知和山田正式以“纽带乐队”之名开始活动。

其后，阳光女生喜多也加入团队，个性鲜明的四个女孩各司其职，乐队准备步入正轨。

被大家推举为乐队的原创作品作词的后藤独，渐渐发现难以调和词作中的“乐队风格”与个人风格，为此苦恼不已。

经过一番自我探索与朋友的鼓励，原创曲目终于创作完成，后藤独也在意外结识的广井菊里的帮助下再度实现突破，初出茅庐的“纽带乐队”终于迎来了第一次登台表演的机会。

没想到演出当日受到台风的影响，直到开场前也只有零散的几位观众到场。

在这样沉重的氛围下，纽带乐队开始了他们第一场演出。

得不到就毁掉，厌女犯罪低龄化，英剧还是那么先锋敢拍| 混沌少年时 拉片_哔哩哔哩_bilibili

开辟了漫威电影宇宙辉煌篇章。

托尼·斯塔克，天才、亿万富翁、花花公子，开场便是纸醉金迷却傲慢不羁的形象。

意外被囚山洞，生死绝境反而激发他的创造力，用简陋材料打造初代战甲，初次试飞燃爆荧幕，金属光泽与强大火力，科技感拉满。

战甲不断升级，背后是托尼自我救赎与成长。

他嘴炮不断，幽默化解危机，却在关键时刻勇挑重担。

小罗伯特·唐尼完美演绎，赋予角色鲜活魅力。

影片高潮，他携战甲直面反派，火光四溅中尽显无畏，这不仅是科技与武力碰撞，更是凡人蜕变英雄之旅，让观众坚信智慧与勇气能冲破一切枷锁。

开辟了漫威电影宇宙辉煌篇章。

托尼·斯塔克，天才、亿万富翁、花花公子，开场便是纸醉金迷却傲慢不羁的形象。

意外被囚山洞，生死绝境反而激发他的创造力，用简陋材料打造初代战甲，初次试飞燃爆荧幕，金属光泽与强大火力，科技感拉满。

战甲不断升级，背后是托尼自我救赎与成长。

他嘴炮不断，幽默化解危机，却在关键时刻勇挑重担。

小罗伯特·唐尼完美演绎，赋予角色鲜活魅力。

影片高潮，他携战甲直面反派，火光四溅中尽显无畏，这不仅是科技与武力碰撞，更是凡人蜕变英雄之旅，让观众坚信智慧与勇气能冲破一切枷锁。

去年看tv版没有写影评，这里一并写了吧。

首先孤独摇滚！

是一部我极喜欢的动画。

它是我看过的所有文艺作品中对青少年社恐描绘得最鲜活，最得体的一部。

它把小孤独的胆怯，寂寞，勇敢，得意，多思，孤芳自赏等等心理戏份演绎得极为精彩。

更可贵得是，在这种诙谐的演绎中，作者既没有把小孤独当做纯粹的笑料，也没有把她当做病人来同情，只是一个有点点奇怪的朋友，这很难得。

后藤孤独总体来说一个幸福的姑娘，她有爱她的亲人和朋友，有小康的家庭，有拿得出的特长爱好。

所以她不必沉重，作品也不能沉重，沉重就矫情了。

我不知道那些觉得作品既不孤独也不摇滚的观众，到底在期待一个怎样沉重的命运。

她们只是因为各种理由而聚在一起演奏唱歌的女高中生啊。

幸福是本篇的底色，她们遭遇的困难，是青春之路上值得怀念的精彩。

但是幸福就不能孤独，就不够摇滚了吗？

混账逻辑。

所谓加上一抹奇幻色彩，结束乐队四人的相遇就是这个奇幻色彩。

往后她们面对的经济压力，进路抉择等等，都有相应的描写，有一定写实元素，别再指责她不够硬核，这只是一部萌番啊。

说回剧场版。

明显是缺乏诚意的。

过快的节奏使得对人物内心的描绘不够细腻，这也是我觉得本作最大的看点。

缺少高质量的重绘画面。

感觉画面和tv版没差耶。

新加入的两首歌还不错？

但够不上加分项。

总体来说缺乏诚意，圈钱收割的样子有点赤裸裸了。

这个真的好看！！

不同的人为了梦想走到一起好看爱看多看可以去看番，番更好看的虽然第一次演出结果不太理想，可大家一直慢慢努力，最后获得成功，这种感觉真的很好！

好看呀好看呀好看呀大家都去补番！！

补番补番补番补番补番补番补番补番补番补番补番补番补番！！！

肯定是会有一些删减的，所以还是补番比较好吧

在后藤独身上看到了曾经完整的自己，却少了一份对梦想的热爱与坚持。

小学时候也是，虽然班里同学不少，但真正能交往的朋友却几乎没有，或许也是直到现在很多事情都喜欢一个人的原因之一，却又在孤独时刻渴望着和人交流…曾经也是那个面对陌生人说不出话的小孩，虽然现在也要进行一番心理斗争后才能说出口…害怕他人的目光、差评，到现在也依然会遇到，但正如后藤独在第一次街头表演所领悟的，那些并不是我的敌人，是自己虚构脑补出来的，那些胡思乱想的心里话，也不过是虚幻世界的一抹灰。

我们从来不缺少勇气，但也需要扎实的专业能力，我们从来不需要别人的看法来影响自己，所以坚定的自我信念比真金还宝贵。

或许一个个bad mood冒出来时，我们需要做的是和后藤独一样，找个地方开始躺倒哭泣胡思乱想，但没关系，台风天也阻挡不了自己的价值在台上闪耀，总有天晴的时候，而孤独，至少在我看来，只是一种自我保护的方法吧！

孤独摇滚(上) (2024)8.22024 / 日本 / 动画 音乐 / 斋藤圭一郎 / 青山吉能 铃代纱弓

以一种极慢的速度重读了一遍《被讨厌的勇气》，有种感觉是，虽然这本书是上一年春天看完的，但根本不知道当时怎么看的，只记得课题分离一个词而已。

因此下定决心不再关注于太多的看的作品的数量，一花一世界，一叶一菩提，时间有限，能够品鉴好一些作品足以。

看书过程中对我来说是一部爽文，课题分离，目的论，世界地图中心论，让我如获至宝，让我一度认为自己获得了真正的自由，开开心心去实践去 去取悦自己 去成为幸福的期待中的原子人。

但书的后半部分，却让我有点泄气，作者又将幸福的落脚点放到“共同体”上。

说实话我本来以为又是什么现代原子人的大招，“共同体”有让我幸福不能受控起来。

我尽量去理解受控的共同体感觉是什么样子，但是我确实因为这一点有些不理解和丧气。

电影中阴暗女主作为吉他英雄，只敢发不露脸的社媒，一心想要去组乐队。

但幸运的是她真的是吉他英雄，这里有个纽带乐队，比家庭还温暖。

你社恐没关系，还有我们；谈的不好不会配合没关系，大家都在成长；你打工不想露脸没关系，你来做饮料我去招待顾客。

但是我们要你最贵的东西，我们可以成为朋友吗，我们是家人吗，我们可以互相照顾吗，你可以认真的做自己，做自己想要的努力吗？

小i人，坚持做自己吧，总有一天有人会爱你，会找到一个“共同体”。

即使暂时没有也没事，把你自己做好，救赎之道就在其中。

tv版已经上映很久了，剧情已经有太多I人共鸣的回响在了，我倒是想夸夸别的。

深夜动画番剧的市场这二十年其实成长并不很多，至少是远远望不见隔壁游戏行业的尾灯的，于是成本成了动画制作的重要边界约束，手绘原画是首当其冲的降本增效领域，减少原画张数，在可动范围上投机取巧，造成了越来越多作画崩坏和上色错误的名场面，京阿尼在《全金校园篇》那手绘60帧如飘柔般丝滑的转身甩发画面似乎已成绝唱。

另一方面作为最有力竞争者的3D技术，在呈现效果上却日益精进。

从建模辅助、真人动捕到3渲2，各类技术手段蓬勃发展。

而乐队动画这个题材，恰恰是3D技术最适合的领域之一，毕竟3D在舞台场景上表现力远超2D手绘。

20年前凉宫的《GOD Knows》上真人动捕的惊鸿一瞥是这场浪潮的最佳开幕，LL和BandG两大企划都热衷于拥抱3D，京吹的3D乐器也被大家津津乐道。

直到最近几年GBC、mygo、“神人tv”已经彻底用完全的3d动画来制作少女乐队番，似乎这就是乐队动画的标准答案了。

然而，真的是这样么？

芳文社给了我们展现了另一条未曾设想的道路。

这家擅长拍各种题材下美少女贴贴的制作公司其实抛出了一个重要问题，少女乐队番最重要的东西是什么呢？

是Live么，当然没错是Live（不，是女同，划掉）。

毕竟Live实际上往往是番剧最终情感高潮的爆点。

但硬币的另一面是，几首让人能够循环的好歌只是乐队番能够立住的基础，而远非全部（想起了神人tv的我心在流血）。

充分铺垫的日常，人物性格形象的塑造和成长，才是少女乐队动画的真正灵魂。

那么当选择来到了用于表现夸张的人物形象、故事进展和情绪起伏，2D动画的表现力转而完胜3D。

《孤独摇滚》中，吃草的山田凉、不断幻化为各种生物的波奇酱、随着人物情绪变化百变的画风，时而夸张，时而写实，这些名场面无不是2D动画大显身手的舞台，监督和原画师用不受常识拘束的自由多变的想象力，为人物情绪的表达增添了无穷的张力，穿越画面直入人心。

当然芳文社也不是个拒绝新技术的古化石藏家，舞台动作特别是live的高潮段，比如波奇的华彩和飞猫式的穿越镜头，都有很明显的3d辅助或者3d渲染的痕迹。

但在情节推进的非舞台部分，真的是一场极其出色的2d动画大餐。

毫不夸张的说，在3d乐队动画占据上风的今天，芳文社和斋藤圭一郎带给我们的《孤独摇滚》，真的堪称一部标志性的动画作品，向我们展现了对于动画最重要的东西绝非仅仅是动作和光影，而更是真挚的情感传递和无尽的想象力。

P.S.:聊起这个就再说点跑题的，3d与2d哪个更好的争论其实再另一个领域——R本中更早就得到了更深入的讨论。

3d制作的低成本高质量稳定量产输出，加上现在又有了aigc这个辅助利器，已经在r本生产端中逐渐占据主流地位。

但2d的r本却并未随之式微，不管是实体消费端的销量，还是e站的平均评分，2d本反倒是更胜一筹。

我觉得这里面主要有两个因素，一是只有2d手绘更能轻松展现不可能的角度和夸张的人体。

二则更加重要，2d相对于3d在信息传递的角度来说实际上是一种非重要信息的剪枝，光影、物理引擎互动效果当然是3d擅长的，但并不是r本需要的。

恰恰相反的是，画师精选并突出的重要信息反而增加了画面的表现力。

如果给近五年来看过的乐队番排名，我大概会给出《孤独摇滚》＞gbc＞mygo＞＞＞颂乐人偶的排名，原因就在于孤独摇滚实在是优秀到难以置信。

把体量缩小确实节奏有所改变，不过对新观众特别友好，也让我这样的铁粉高呼过瘾。

缩在这么不到两个小时的时长，也让我有时间专注于剧情，能让我萌发更多的点子，这是好事。

孤独摇滚开分并没有我想象的高，大多数差评都是说既不“孤独”，也不“摇滚”——其实是相当不清不楚的评价，从来这二者就没有一个明晰的定义界限，就像摄影里面的“德味”，都是主观感受，你大可说孤独就是没朋友，也可以说就算有朋友，没有深刻直达心底的交流才叫孤独，你大可说摇滚是万青弦上的石家庄，当然你也可以说摇滚是小鬼两手捧着的空气吉他（当然这个我不认可，虽然他流派写的是什么朋克，实际上这逼比华晨宇都差远了），那咱大不了道不合不相为谋。

没有定义，完全是人自己想出来的，那我何必去跟你纠结你的评价，什么是孤独，什么是摇滚，何必呢？

你说它是废萌也好，说你它是精神病也罢，这何尝不是一种孤独呢。

坐在影院的座位上我想了很多，然后实际落笔没写几个字出来。

很多时候人就是这样，脑子里翻江倒海，实际写起来又不知道写点什么。

我刚开始想标题，就像在写高中议论文，似乎整个影评都是要点题着来写，但是无所谓呀。

正如山田凉点出来的那一句，不独特还不如死掉好了。

人就是这样呀。

我躺在座椅上想了很多，想到自己也想到别人，想到过去又想回现在，青春真好啊，青春容许你想你所想，做你所做，容许让你结识你意料之外的好友，容许你不随大流，不扯王八犊子，容许你写你想写的，做你想做的，容许你完成人生的转变，把身上的石头和尘土尽数搬开或者洗却，留下的是晨曦，是你想成为大家英雄的梦想，是你未来的前路。

文以载道，影视作品也是一样，它传达的就是这样一种力量，让你在万千个夜晚，让你在怀揣着和一里一样的孤独感的时候，能让你明白生活是有盼头的，尽管它并不时刻如你所愿，但是起码我们都在改变。

想了很久想了很多，落下来一没逻辑，二没有创造性的想法，那么就这样吧。

想的很多东西都搁浅了，这应该是蘑菇帝国的歌词，佐藤也给结束乐队写曲了，挺温柔。

在影院的天花板上，我看到东京的晨曦。

在《孤独摇滚(上)》的影像世界里，导演用充满颗粒感的画面和躁动的吉他riff构建了一个关于青春、迷失与自我救赎的寓言。

这部看似讲述地下摇滚乐队成长史的电影，实则是对当代年轻人存在困境的一次深刻叩问——当意义感在消费主义的狂欢中不断蒸发，当孤独成为数字化时代的集体症候，那些失落的灵魂该如何找到自己的生存节奏？

电影主角小森的形象令人难忘——一个在校园里格格不入的"透明人"，只有在拿起吉他时才能感受到自己的存在。

这种设定精准击中了现代青年的精神困境：在高度标准化的社会机器中，个体差异被不断抹平，年轻人被迫在升学、就业的单一轨道上竞速，而那些无法适应这套游戏规则的人，则被贴上"失败者"的标签。

小森选择摇滚，不是出于对音乐的热爱，而是因为这是唯一能让他确认"我还活着"的方式。

导演通过这个角色向我们展示：当主流价值体系无法为个体提供意义容器时，亚文化往往成为最后的避难所。

影片中乐队的排练场景具有强烈的隐喻色彩。

那个阴暗潮湿的地下室，既是物理空间，也是心理状态的投射。

四位成员各自带着伤痕聚集于此——家庭暴力的阴影、校园霸凌的创伤、性别认同的困惑、存在意义的虚无。

他们起初甚至无法合奏出一首完整的曲子，这种音乐上的不协调恰恰反映了当代年轻人沟通的困境：在社交媒体时代，我们拥有前所未有的连接手段，却失去了真正理解彼此的能力。

而当他们终于找到共同的节奏时，那种爆发力不仅震撼了观众的耳膜，更直击心灵——它证明了即使在最孤独的灵魂之间，也可能产生深刻的共鸣。

电影对音乐的处理极具匠心。

导演没有将摇滚神化为解决一切问题的万能药，而是如实展现了它的两面性——既是宣泄的出口，也可能成为自我毁灭的加速器。

小森在台上撕裂般的演唱，既是对痛苦的释放，也是对痛苦的沉溺。

这种矛盾性使影片避免了廉价的心灵鸡汤，而是呈现出青春残酷的真实质地。

当贝斯手美嘉说出"我们不是因为快乐才玩音乐，是因为不玩音乐会死"时，电影道出了艺术创作的本质：它源于生命内部的不可承受之重，是将痛苦转化为美的炼金术。

影片中反复出现的城市空镜头——霓虹灯下的天桥、凌晨的便利店、拥挤的电车——构成了现代生活的异化图景。

在这些场景中，人物总是显得渺小而孤独，被淹没在都市的喧嚣中。

这种视觉语言暗示了一个尖锐的社会批判：在后工业时代的齿轮中，个体越来越难以找到自己的位置和声音。

而摇滚在这里成为了一种抵抗姿态，是对同质化生活的拒绝，哪怕这种拒绝注定是悲壮的。

电影最打动人心的地方在于，它没有将成长浪漫化为一条直线向上的曲线。

乐队经历短暂的高光时刻后迅速分崩离析，成员们各自陷入更深的困境。

这种叙事选择体现了导演对青春本质的深刻理解——成长不是克服问题，而是学会与问题共存；成熟不是找到答案，而是接受没有终极答案的事实。

当片尾小森独自站在河边，将乐队合照撕碎撒入水中时，这个动作既是对过去的告别，也是对未来的不确定性的臣服。

在一个人人都在表演幸福的时代，《孤独摇滚(上)》敢于展示伤口的勇气本身就具有革命性。

它告诉我们：也许摇滚不能解决孤独，但至少能让孤独发出自己的声音；也许音乐不能带来救赎，但能在虚无中刻下存在的痕迹。

在这个意义上，这部电影本身就是一曲震撼人心的摇滚——不完美，但真实得令人心痛。

这不是一部关于成功的励志片，而是一曲献给所有在虚无中寻找意义的失败者的安魂曲。

当小林在台上将孤独转化为暴烈的音符时，我们突然明白：真正的摇滚精神不是反叛的姿态，而是将内心伤口公开展示的勇气。

那些被社会视为"问题"的孤独者，或许恰恰是唯一清醒的人。

而电影也留下一个悬而未决的问题：当孤独成为我们的武器，我们是否就真的找到了出路？