我不在那儿

ironic, but too intentionaleven thoughI can't stop falling into youwhatever the way you want to beif it's the way you want to besince i'm not there, neither

大师是人类精神的灯塔，是历史河床上沉淀的珍珠。

大师用智慧与才能改变世界，改变人类。

然而，这却是一个缺少大师的时代，零星的大师像夜空中闪亮的星辰，照耀我们前行。

今天，通过一部匪夷所思的传记片，认识一位“匪夷所思”的大师。

2011年4月6日晚，北京工人体育馆盛况空前，中国乐坛一大半牛人齐聚于此。

他们当中既包括崔健、何勇、张楚、郑钧、汪峰、痛仰乐队等摇滚圈名人，也包括高晓松、宋柯等民谣届大腕。

他们齐聚于此，都是为了瞻仰一个人的风采——他的名字叫鲍勃·迪伦。

【鲍勃·迪伦北京演唱会】彼时，鲍勃·迪伦年已七旬，白发苍苍，面对众星捧场，他神情冷峻，没说一句废话，直奔主题，而众星则如小学生般正襟危坐，不敢丝毫怠慢。

那一夜，鲍勃·迪伦的名字在国内不胫而走。

时隔五年，诺贝尔文学奖正式公布，呼声很高的日本作家村上春树惜败鲍勃·迪伦，再一次于国内掀起轩然大波。

评委会的评价是：“（鲍勃·迪伦）在伟大的美国诗歌的传统中创造了新的诗歌表达。

”而因歌词写得好获得诺奖，鲍勃·迪伦是蝎子拉屎——毒（独）一份儿。

【鲍勃·迪伦获诺贝尔文学奖】非但如此，苹果创始人乔布斯在《乔布斯传》中也透露自己最崇拜的一个人便是鲍勃·迪伦，他的iPod中收藏了12张鲍勃·迪伦的专辑。

鲍勃·迪伦究竟是谁，他凭什么能折服众星，击败村上春树，迷倒高傲的乔布斯？

今天，我们用一部“匪夷所思”的电影，了解他匪夷所思的人生——《我不在那儿》。

这部电影是由美国独立电影界最另类导演托德·海因斯执导，鲍勃·迪伦本尊高度认可的一部电影。

【电影《我不在那儿》剧照】为什么说它匪夷所思？

因为这部电影不走常规路：用六个演员扮演鲍勃·迪伦，而且打破传统叙事结构，以破碎的片段拼接，充满隐喻与玄机，以至于很多观众看不太懂。

【影片由六名演员扮演鲍勃·迪伦】尽管如此，这部影片仍凭借本身的新颖性以及鲍勃·迪伦强大的影响力获得第64届威尼斯电影评委会大奖。

在我国，这部影片也获得了高达7.9的豆瓣评分。

导演海因斯表示：观众可以把这部电影当做一场梦，一次心灵之旅。

【《我不在那儿》豆瓣评分7.9】这部电影究竟有着什么玄机？

下面就联系鲍勃·迪伦的生平解读一下：一、多才多艺的文艺青年1941年5月24日，鲍勃·迪伦出生在美国一个富有的中产阶级犹太家庭。

受热爱艺术的母亲影响，鲍勃·迪伦打小便是个不折不扣的文艺青年。

他不仅有很高的音乐天赋，经常在亲朋好友聚会时表演唱歌，而且还喜欢写诗、画画、看电影。

其中，写诗是鲍勃·迪伦的最爱，经常在上课时不认真听讲，偷偷在下面写诗。

【文艺青年鲍勃·迪伦】值得一提的是，鲍勃·迪伦本名叫罗伯特·艾伦·齐默曼，但因为他非常崇拜诗人迪伦·托马斯，所以，才取了“鲍勃·迪伦”这个艺名。

事实证明，孩子会一门特长有多重要。

多年之后，鲍勃·迪伦将诗歌融于歌词，使歌词文采斐然，充满隐喻、意蕴深远，还因此获得了诺贝尔文学奖，并令同行披头士十分羡慕。

高中毕业后，鲍勃·迪伦考入明尼苏达大学。

和很多音乐人一样，他不好好学习，通宵达旦搞音乐，结果，大一的时候就被开除退学。

那时，鲍勃·迪伦最喜欢的歌手是左翼民谣之父五迪·格斯瑞。

五迪·格斯瑞的音乐什么风格？

诺贝尔文学奖得主约翰•史坦贝克曾给出过一个评价：“在他的音乐中，可以看见人民容忍和对抗压迫的意志。

”所以，鲍勃·迪伦歌曲中的现实主义风格多半是受到了五迪·格斯瑞的影响。

退学后，鲍勃·迪伦背起吉他、提着皮箱，从白雪皑皑的明尼苏达州一路漂泊来到了纽约的格林威治村，开始了自己的民谣歌手生涯。

这一路上，难免有人问他从何方而来，这时，热爱幻想的鲍勃·迪伦喜欢谎称自己是来自美国南方、靠演马戏为生的一个孤儿。

【文艺青年鲍勃·迪伦】影片开场的第一幕戏，实际上就是隐喻鲍勃·迪伦的这段遭遇。

其中，有三个细节值得玩味：第一个细节是：首位扮演鲍勃·迪伦的演员马库·斯卡尔·富兰克林是一名黑人，而鲍勃·迪伦却是个白人；

【扮演鲍勃·迪伦的是一名黑人演员】第二个细节是：第一幕戏中的角色名字叫做五迪·格瑟；第三个细节是：五迪·格瑟拿着的那把吉他上写着“This machine kills Fascists.”（打倒法西斯）

【充满隐喻的符号】这些都充满隐喻：由黑人扮演鲍勃·迪伦，是因为鲍勃·迪伦的音乐启蒙受到乡村音乐与黑人音乐的影响；角色的名字叫五迪是因鲍勃·迪伦受到左翼民谣之父五迪·格斯瑞的影响；吉他上写着“打倒法西斯主义者”则代表着鲍勃·迪伦一生的抱负——用音乐来打倒一切压迫。

二、充满反抗意识的民谣先驱来到纽约格林威治村后，鲍勃·迪伦遇到了自己的初恋女友，美国人心中的“民谣缪斯”——苏西·罗托洛。

【民谣缪斯苏西】苏西出生在一个红色家庭，父母都是西方共产党员，同时，父亲还是工会领袖，因此，苏西对西方腐朽的政治以及种族歧视都深恶痛绝，这也深深影响了鲍勃·迪伦。

当时，鲍勃·迪伦居无定所，靠唱歌为生。

苏西的母亲和姐姐都觉得这小子不靠谱，劝苏西别同他来往。

但苏西却爱上了鲍勃·迪伦的才华，央求姐姐收留穷困落魄、但志向远大的鲍勃·迪伦。

【鲍勃·迪伦与苏西】时值上世纪六十年代，美国社会动荡，黑人民权运动、反越战运动、妇女解放运动几乎同时爆发。

【黑人民权运动领袖马丁·路德·金】正如前文所说，受左翼民谣之父五迪·格斯瑞的影响，鲍勃·迪伦心里早就埋下抗议的火种。

在苏西的鼓励下，1962年到1963年之间，鲍勃·迪伦利用短短20个月的时间创作了《大雨将至》、《战争的主人》以及美国民谣史上最经典的歌曲《答案在风中飘扬》。

这些歌曲表达了对核武器军备赛的担忧，涉及有关贫困、种族歧视、监狱、沙文主义、战争、反思原教旨主义等内容，对剖析美国社会状况，鼓舞民权运动产生了积极而深远的影响。

鲍勃·迪伦因此一炮而红，成为美国民谣先驱，精神领袖。

【鲍勃·迪伦演唱经典民谣《答案在风中飘扬》】但正应了那句话“职场得意，情场失意”，这期间由于鲍勃·迪伦与另一位民谣歌手琼·贝兹关系暧昧，以及老是喜欢撒谎，让苏西感到十分没有安全感。

再加上，苏西是个独立意识很强的女性，随着鲍勃·迪伦的光环越来越耀眼，人们在谈论苏西时，总将她当作是迪伦的附庸品，这让她十分不满。

于是，19岁的苏西搬出了和鲍勃·迪伦同居的住所，并打掉了腹中胎儿。

【鲍勃·迪伦与民谣歌手琼·贝兹关系暧昧】鲍勃·迪伦为此十分沮丧。

此后，他的感情生活也不顺利，一生结了两次婚，但都以离婚告终。

电影中，导演对此进行了艺术改编，通过电影演员罗比•克拉克与法国女画家火热的恋情，以及两人婚后生活的不愉快，来展现鲍勃·迪伦坎坷的婚恋经历。

【希斯莱杰扮演的鲍勃·迪伦】细心的观众可以看出扮演法国女画家的演员与苏西长相酷似。

三、迷幻而分裂的摇滚歌手由于鲍勃·迪伦写出无数脍炙人口的民谣抗议歌曲，使人们将他认作是政治抗议的代言人，殊不知热爱艺术的鲍勃·迪伦对政治十分不屑——他仅仅是渴望用艺术引领人民获得和平与幸福，而没有任何政治目的。

1963年12月，鲍勃·迪伦站在人权奖的领奖台上，出乎意料地说：“我看低那些统治我的人，他们为我制定规则，却都顶上无毛，这令我愤怒。

对我而言，再没黑白人种、左右党派之分，只有上和下，向下非常接近大地，我只想奋力向上，全然忘记政治这样的琐事。

”

【叛逆的鲍勃·迪伦】为了摆脱政治代言人的形象，1964年，鲍勃·迪伦制作并发行的新专辑《鲍勃·迪伦的另一面》，里面不再有抗议歌曲的影子。

1965年，新港民谣音乐节上，当观众都想听鲍勃·迪伦演唱民谣歌曲时，他却使用电吉他玩起了摇滚乐，搞得台下观众嘘声一片，骂他是民谣界的叛徒。

【鲍勃·迪伦在新港民谣音乐节插电演出】但“我行我素”的鲍勃·迪伦从不愿被别人的想法所左右，他讨厌自己被贴上“标签”。

其后，鲍勃·迪伦进入了摇滚歌曲的高产期，不仅谱写了世界最经典摇滚歌曲之一《像一块滚石》，同时，打造了《重返61号公路》和《美女如云》两张“史上最佳摇滚专辑”。

在此期间，他还与摇滚巨星披头士产生交集，成为世界摇滚界的一段佳话。

据说，那天，阳光明媚，鲍勃·迪伦与披头士在公园偶遇，一见面几个人便打成一片，临别时，鲍勃·迪伦还特意告诫披头士把歌词写得更有意义一些。

影片中，导演特邀女星——奥斯卡影后凯特·布兰切特扮演1960年代由民谣向摇滚乐转型期间，最具争议性的鲍勃·迪伦。

【影后凯特布兰切特反串扮演的鲍勃·迪伦】影后雌雄同体，宛如妖孽的表演完美体现出了鲍勃·迪伦的迷幻色彩，荣获第28届奥斯卡金像奖最佳女配角提名。

四、隐居的福音歌手1966年，鲍勃·迪伦骑摩托车出了车祸，之后，神奇地消失在人们的视野中。

当粉丝们心心念念寻找偶像下落时。

鲍勃·迪伦却隐姓埋名在伍德斯托克小镇过上了安逸的隐居生活。

这种生活断断续续一直持续到六十年代末。

在此期间，鲍勃·迪伦不仅娶妻生子，还做了三件事：第一件事是写诗；第二件事是进行音乐实验，他用口琴和木琴创作了没有抗议性质的民谣《John Wesley Harding》，制作了风格甜腻的乡村专辑《Nashville Skyline》等；第三件事是成为一个获得新生的基督徒并发行福音专辑。

影片中，导演用传奇罪犯比利·基尔躲避警方追捕逃到乡村隐居的桥段来隐喻鲍勃·迪伦的失踪。

【查理基尔扮演的罪犯隐喻隐居时期的鲍勃迪伦】

【克里斯蒂安·贝尔饰演的福音歌手鲍勃·迪伦】同时，由演员克里斯蒂安·贝尔饰演隐居时期的鲍勃·迪伦，塑造了一位重获新生，传递福音的歌手形象。

五、永远不老的创作者如今，鲍勃·迪伦已经七十八岁了，但他依然保持旺盛的创作力，每天写诗、写歌、画画。

2018年，77岁鲍勃·迪伦在香港开唱，宝刀不老，引发万人空巷，见证了他对音乐孜孜以求的一生。

为了反映鲍勃·迪伦的创作精神，在影片结尾处，导演利用男主怀抱吉他坐着火车驶向远方的场景，象征着鲍勃·迪伦对音乐永无止境的探索精神。

【男主怀抱吉他坐火车驶向远方】此外，很多观众不理解为何影片的各个桥段中间穿插由本·威士肖扮演的以诗人兰波为原型的审判戏。

【本威士肖扮演的以诗人兰波为原型的审判戏】这是因为鲍勃·迪伦曾受诗人兰波的影响写了大量具有现实意义的歌词，所以，以此进行隐喻。

六、启迪意义值得一提的是，为了增强影片的音乐传记气质，导演特邀30位音乐人进行OST创作，他们怀着对鲍勃·迪伦的崇敬之心，用歌曲串联了每个桥段，这点受到鲍勃·迪伦的盛赞。

整部影片看似复杂，但却从头到尾强烈突出一个主题，那就是：鲍勃·迪伦始终没有放弃对音乐的追求与热爱。

【鲍勃·迪伦始终坚持对音乐的热爱】虽然，属于鲍勃·迪伦的时代已渐渐远去，但他深入现实的创作精神以及对梦想的赤诚追求，放到任何时代都有着深刻的启迪意义。

下面结合我国乐坛现状，谈谈我的看法：一方面，我国很多音乐人无法保持恒久的创作能力。

最主要的表现就是有的歌手一辈子只有一两个代表作，此后，再也没什么新歌。

而鲍勃·迪伦一生佳作，数不胜数，这得益于他对音乐的孜孜以求。

另一方面，我国当代音乐人炮制的歌曲多半内容空洞，口水歌泛滥，鲜有反映社会现象的佳作诞生。

综观我国当代乐坛，至今没有创作出脍炙人口、广为流传的佳作。

而且歌曲题材单一，普遍都是反映小情小爱——当然，爱情歌曲是不可或缺的，但好的音乐生态应该是内容丰富、题材多元，这需要我国音乐人继续努力。

再看鲍勃·迪伦的作品，题材广泛，涉及爱情、战争、各种社会现象等方方面面，这点非常值得我国音乐人学习。

这是一个大师越老越少的年代，但大师不死，只会凋零。

他们的光辉像夜空中的繁星，照耀着人类前行的脚步。

并不熟悉Bob Dylan的历程，但Blowin' In The Wind和Forever Young却是最喜欢的民谣，所以大致看了Im not There的介绍就进了影院，却一度在影片中被那画面、音乐所迷失，我分不清那是真的Dylan还是Woody、Arthur、Jack、Jude、Robbie或者Billy但得承认，这种迷失却是享受注定要再看的电影

（芷宁写于2008年1月3日）人还健在，就给拍了别具一格的传记片，而且还深怕解读的不够，找了6位演员分别诠释此人的不同人生阶段以展现其丰富的人生历程、独特的内心世界和灵魂气质，恐怕这种特殊待遇非鲍勃·迪伦莫属了。

早在2003年，曾自不量力地打算为鲍勃大叔做个生平足迹专题，却被来自香港的大老板以“如今的年轻人谁还关心鲍勃·迪伦”为由给否了，然而给迪伦这位拥有随心所欲哲学观、神秘艺术气质以及最具时代先锋精神的老人家做个Cover，一直是本人未了的心愿，故而在看影片《我不在那儿》（I’m Not There）时，心情有一点点不平静。

不似其他传记片，不了解其生平的人也能通过传记影片了解一二，《我不在那儿》仿佛是拍给鲍勃迷或至少是知道鲍勃生平的人看的，同时鉴于这部影片拍摄手法新颖，特别就影像技术和影片的艺术性而言，加之6人分试一角又形态各异，更有性别年龄的差异，片长还不短，不太了解鲍叔的观众很容易给看晕了，不仅有可能兴味索然，还有可能越看越迷糊，所以建议时间紧且对迪伦没什么兴趣的人可以不看，这也是这部在结构立意、拍摄手法上创意频出的影片注定要付出的观影代价。

影片采用了一种近似人物事件摘要的手法将鲍叔一生按时间顺序串联起来，编剧兼导演托德·海因斯向来善于“独辟蹊径”（以其所拍卡朋特传记短片《超级明星》为例），此次在这部其导演的第七部作品中，他将这位堪称教父级摇滚大师的人生拆分打散而后又有机衔接，以6种演绎方式来解读剖析鲍勃的心路历程和精神内核，有主观成分，也有猜测成分，更有合理化的推论，而该片原名《我不在那儿，一部关于迪伦诸多猜想的电影》似乎更能说明缘何采用了这种独特的创作手法。

海因斯曾表示：“多年来，鲍勃·迪伦从来都拒绝自己以往扮演的角色。

他不断地前进又不断地否定自己。

我的想法就是用不同的演员扮演同一个人，用差异来诠释这个永远在路上的人。

”而海因斯在接受《娱乐周刊》采访时所说的话似乎更能解释其创作理念——“电影从他的生活中汲取素材，6位鲍勃·迪伦会站在一起告诉我们，鲍勃·迪伦到底是谁。

”而现实中的鲍勃究竟是怎样的？

他可能是所有人，也可能谁也不是！

一开始，鲍勃·迪伦被设定为生活在上世纪50年代的小黑孩伍迪（马考斯·卡尔·富兰克林饰演），这是6个人中唯一的黑人和未成年人，代表着鲍勃的童年时期，且伍迪这个名字取得很有意味，大有向鲍勃·迪伦敬重的美国民谣鼻祖伍迪·格斯致敬之意，也有迪伦是格斯精神的传承者之意。

片中的小伍迪很有个性和理想，虽是个小孩，却满嘴的国家和时代，一心想当另一个伍迪·格斯，背着和自己身高相差无几的吉他四处流浪，口中哼唱着30年代的民谣。

而迪伦的音乐的确深受黑人节奏布鲁斯的影响，并视伍迪·格斯为偶像（具体细节可查阅朋友袁越（此人也叫土摩托、廖福美）所著《来自民间的叛逆——美国民歌传奇》一书），启用黑人小演员出演，并以伍迪命名这个角色，其用意昭然若揭——代表鲍勃·迪伦音乐的两种起源。

片中小伍迪吉他上的“This Machine Kills Fascists”字样便出自伍迪·格斯那把著名的吉他。

不久，鲍勃又成了迷恋19世纪法国诗人兰波的叛逆青年亚瑟（本·韦肖饰演），此段影片以法庭审判的形式呈现，借用了兰波曾经出逃去巴黎，被当作流窜少年关起来的经历，以暗示兰波对鲍勃诗性这方面的激发作用。

不可否认，鲍叔创作的歌词很有文学性，很像诗歌，而诗歌对他的影响非常大——他给自己起的姓氏即来自于诗人迪伦·托马斯的名字，曾有过气诗人问鲍叔：“有没有诗人曾激发你的灵感？

”鲍叔回答：“只有两个人，艾米莉·狄金森和兰波。

” 接着，著名民谣歌手杰克（克里斯蒂安·贝尔饰演）登场了，并以一曲《The Times They A-Changin》掀起了前卫音乐的风潮。

而由朱莉安·摩尔扮演的女歌手爱丽丝乍一露面就令人猜到她扮演的原型是琼·贝茨（贝茨和迪伦相识于1961年，是音乐上的知音，所持观点却大不同，终各走各路）。

此段影片采用了人物回访加演出画面重放的形式，讲述了曾经的热血青年杰克是如何随着时光的流逝和打磨从一位民权运动音乐人转变成了谦和而平静的宗教皈依者的，暗指了鲍叔后来对基督教和福音音乐的心系。

不论激情青少年还是温和中老年，不论愤怒前卫还是宁静安详，这种经历世事变迁而归于平静的必然，令人感慨怅然。

然后是迷失自我、喜怒无常的演员罗宾（希斯·莱杰饰演），在好莱坞拍一部名为《一粒沙子》的电影。

他与女画家克莱尔（夏洛特·甘斯布特饰演，原型即鲍勃的第一任妻子Sara）迅速堕入爱河，婚后生有两个孩子。

这是一段比较私密的鲍勃往事，这种状态的鲍勃不太为人知，属于家庭却面临着瓦解，受大众欢迎却并不快乐，不仅家庭即将分崩离析，朋友也渐行渐远。

接下来，最具震撼版的鲍勃·迪伦上场了，许是在鲍叔男人的皮囊下还隐藏着一些别的什么——在新英格兰爵士与民谣节上，裘德（凯特·布兰切特饰演）勇敢地迈出了向电声转变的第一步。

台上的他激情肆意，台下的他细腻而敏感，阴郁而孤独，神情飘忽而闪烁，举止神秘而离奇，或许正因为此时的裘德是一位处在音乐转型期的名人，他的力图改变引发了争议，他必须接受一些采访、参加一些活动和时尚派对，回答一些不着四六的问题，这种压抑无趣的气氛令他踌躇困惑不安，脾气行为也越发古怪，或许他自己也不明确想要的发展方向。

很显然，这虽是女扮男装的表演，但行头、举止却很像鲍叔本人，而那大大的墨镜、卷曲的乱发、深陷的双颊正是鲍叔在《告别过去》时期的经典造型，导演的这种安排似乎颇具意味。

最后这段仿佛寓意着迪伦对公众关注的逃逸，看似应照了迪伦遭遇致命摩托事故后，消失于公众视线的一段经历。

导演将鲍叔变身为隐居在小镇的通缉犯比利（里察·基尔饰演，在历史上确有比利其人，属亦正亦邪类劫匪，很多西部片都以他为主角），隐居山林的比利躲避着追捕，却无法就此隐没自己的个性，在弱小遭受欺凌时，他依旧挺身而出，从而再次入狱，又从牢里逃出，重复逃亡之路，当他跳上火车时，发现了一把写有“This Machine Kills Fascists”字样的吉他，暗示着不论怎样，鲍勃·迪伦都无法放弃他音乐的烙印。

可以说，《我不在那儿》已非传统意义上的传记片，在结构节奏和演员使用等方面都突破了惯例俗套，每段故事都表现了迪伦那善变多样性格中的一面或几面，并以出人意料的解读方式将其人性的多面与身份、角色充分搭配，且分别与不同的主题相契合，配以各个时期鲍勃的音乐作为其内心或行为的注解，十分讨巧。

同时，导演还在影像画面上做了创新，场景调度大且丰富，色彩也随所表现主题而做着相应改变，仿佛在迪伦的精神世界和现实生活之间做着不同层面的探求。

如在亚瑟和裘德这两段故事里，采用了黑白画面，小伍迪、罗宾和比利这三段则采用彩色画面，杰克这段在表现回忆时为黑白，呈现现实时又用彩色。

当然过于丰富的影像变换不见得各个都用的有效果，如裘德段落演唱会的表演又穿插着非现实的快速剪辑的光影元素，该片原本就繁复冗长，又在这段黑白纪实的影像风格中加入了眩目的MV感，显得不搭调，从而消弱了这段在精神层面的那种沉思凝神感。

另外，这部影片充满了太多的时代信息，战争泥沼、总统遇刺、黑人解放、著名演讲、女权运动、音乐革命等等，不少观众在看时会觉得有点累，其中，很多彼时美国名人相继出现在纪实画面里，也令人分神。

有时候，一部影片给予的太多，不一定都好，观众既要琢磨6人分饰的同一角色在不同时间不同地点的内心层面，又要欣赏影像场景、光影技法的独特新鲜，还要辨析上世纪60年代画面的颗粒感，偶尔在色彩上还须甄别其是在寻觅精神轨迹还是在呈现世俗风貌，2小时的观看时间，全身心都很忙，虽然这对导演海因斯的粉丝和迪伦拥趸们来说不算什么，但并不利于影片在大范围内的进一步推广。

就各演员的表演而言，小孩马考斯·卡尔·富兰克林的伍迪十分讨巧，孩子的身躯大人的思想却还能做到令人观看舒服，实属难得。

克里斯蒂安·贝尔最为神似的，也最为真实自然，鲍勃那“乡下人的口音”、那似被烟熏火燎过的歌喉、那吹口琴时的微微低头、回答问题时的古怪神情，几乎令人以为那就是年轻时的鲍勃。

而影后凯特·布兰切特的迪伦则最为形似的，将身处争议时期的迪伦拿捏的颇到位，表演很有层次感，神秘而苍白，疲惫又桀骜，放浪且尖刻，有思想却矛盾，那吸烟的样子、那摸着下巴鼻子的模样、那走路的姿势，宛如鲍叔入镜。

也正因为她的反串表演，令观众感觉到这不是主创们在单纯的还原或模仿的鲍勃·迪伦，而是探索、寻求、试问鲍勃·迪伦。

其他3个迪伦表现一般，理查·基尔不出彩也不掉价，本·韦肖貌似有点过、有点拿劲，希斯·莱杰表演平淡，可在表现鲍勃发脾气时又有点出头，如鲍叔对待无聊记者的态度顶多是不搭理冷冷地走开，而非希斯·莱杰表演的那样像冯导似的骂着“去战斗”。

其他配角如夏洛特·甘布斯和朱利安·摩尔的演技则一如既往的出色。

片名源于鲍勃·迪伦的一首并不算出名的情歌，出自《地下室磁带》，这是一张极具试验性的私自出版专辑，发行于上世纪60年代末，歌词大意是男主人公打算离开他爱的姑娘独自上路。

歌中这样写道：“我总是在诱惑面前犹豫不决，现在诱惑不再跟随我，但我已不在那里，我已远去。

”或许，鲍勃也并不在这部影片中，谁知道呢，或许答案在风中……（http://nicolew.blog.hexun.com/16159911_d.html）

爱死Cate Blanchett在这个电影里面的身影了 消瘦脆弱 感觉随时会破碎在风中 但却是异常的坚定沉着就是喜欢这种感觉 即便看不到你长什么样子不知道你是什么样的人 这般身影就会令我爱上你

要把八部半看了。。。

Different sections of the film were inspired by different cinematic sources. The "Jude" section was inspired by 8½ (1963), the "Billy" section was inspired by the so-called "hippie westerns" of the late 60s and early 70s (such as Sam Peckinpah's films) and the "Robbie" section was inspired by the films of Jean-Luc Godard, especially Masculin féminin: 15 faits précis (1966).

发现其实理解这部电影并不难，我们可以通过色调的不同，将电影分成四个时间段。

✨第一个时间段是小时候。

导演用的是生机的绿色调，给人一种强大的生命力，就像主角小时候一样，背上吉他，追赶火车，明明小小年纪却有着远超过同龄人的眼界与人生故事，无论面对谁，都可以从容的应对。

✨第二个时间段用的是黑白色调，这个部分在我看来是整个影片的灵魂所在。

通过这个部分，才把鲍勃迪伦这个人物最核心，最迷人的部分表达了出来。

导演选用此色调真的是神来之笔。

思来想去，确实只有黑白色调才能表现出当时社会时局的动荡与人物内心的混乱。

历史总是相似的，如果一个人的思想远超那个时代，那他就会成为那个时代的人眼里的“小丑”，只有时间才能以最公平的视角来为他们正名。

他真的是一位纯粹的理想主义者。

无论他把自己包裹的再混蛋，他还是那个对音乐纯粹，想通过音乐唤醒人们意识的一位艺术领袖。

为什么不再唱民谣，或许就是因为他比别人更早的意识到，时代变了，如今，那些年轻人，那些可以改变世界的有生力量，需要通过摇滚才能唤醒。

这何尝不是一种自我牺牲精神呢，即使无人理解，但还是义无反顾的为了心中的那个理想主义冲锋陷阵。

他绝对是infj（笑）。

多说一句，cate的演技真的好绝，几个动作就把人物在大环境下的疲惫与人物本身灵动演了出来。

✨第三个色调是冷的蓝绿色调，讲述了主角的恋爱故事。

从两人相遇便持续了此色调，或许这就是导演就从这时便暗示了两人的结局。

此颜色也是主角内心的外化，不管他对外表现的多么张扬与夸夸其谈，其实内心一直都是冷漠的，就像他自己说的，爱或许是他一生都无法理解的事情。

✨ 第四个色调是暖黄色，此色调用做了两个时间段，这两个时间段第一个是通过伪纪录片的形式来讲述他的中年时段，第二个一切回归平静的老年时期。

暖黄的色调就好像经历了这一切之后的心境，平静，但却有着生命的重量。

影片最后最后主角又一次跳上了火车，或许他从来就没有变过，经历了复杂又精彩的一生之后，他还是之前那个在火车上弹着吉他，说走就走的流浪少年。

✨导演的功力真的好高，几个时间段的故事讲述的都非常不错，有始有终。

几段故事的穿插也非常的丝滑。

音乐的加入也恰到好处，因为有故事情节的支撑，即使放了很多首音乐也没有让电影沦为一部大型mv现场。

七个简单的原则，对隐藏的生活来说。

第一，永远不要相信穿雨衣的警察。

第二，对爱情充满热情。

第三，问一下是否对世界的问题关心，在那些询问人的口气中探寻一下第四，永远不要说出你的真名第五，当有人看着你，永远不要看第六，永远不要说，或者做任何事对你来说无法理解的事第七，永远不要创造任何东西，它会背叛你，跟着你，一直跟到你余下的生活

——简评《I’m Not There》 　　　　文/老丁 　　　　 　　　　有说迪伦是被拍传记片最多的音乐人，当然这种说法没有人去确切考证，况且也并非不是，因为迪伦自己人还健在，还远不到盖棺定论的时候。

但可以确定的是，之前的迪伦传记片普遍没有什么影响力，之前马丁·斯科塞斯拍的《No Direction Home》只能算是人物纪录片，但为什么之前那么多人的拍摄甚至编排成舞台剧都只能以失败告终，也许是迪伦不像猫王或者迈克尔·杰克逊一样拥有庞大的大众票房号召力或者商业价值，还有大家肯定都有一个心照不宣的共识——迪伦实在是太难拍了。

　　　　迪伦在流行音乐上的革命意义已经彪炳史册，有关他的歌词的文艺意义也几乎成为一门“显学”，几多次被诺贝尔文学奖提名，并且就在几个月前还被授予普利策奖，但美国的传媒界却几乎众口一词——不是迪论需要普利策奖，而是普利策奖需要迪论，他早已经成为一个标签化的人，一座丰碑式的期待形象，一个凌驾于大众之上的精神偶像。

而他个人后期与外界的相对隔离，他成名之后对记者的若即若离，以及他自己卓越的个人保护意识以及能力，都让“迪伦”这个符号被严重界定，但迪伦这个人又是一个非常不想自我界定或者被外界界定的人，这种虚虚实实的在场和不在场让迪伦成为影象的最佳素材，也是最难触碰并且最难表现的鲜活样本。

　　　　好在世界上不只有迪伦一个聪明人，在音乐上，在文学上，在政治态度和生活理想，不同的领域有各自的卓绝人士在维系着生命伦理。

领域之间有共融和互通，比如一切文学都是人学，所以迪伦也就并非不可表现，一种合理合适的影象，体现一个音乐人的生命历程在越发显得珠联壁合。

有鬼才导演之称的托德·海因斯就是一个聪明人，这个在《Velvet Goldmine》（丝绒金矿）已经可见一斑，还有一层意义，据说之前好莱坞过去10多年已经准备了大把的银子等着迪伦点头授权，但迪伦最终只认证了《I’m Not There》的版本，并向托德·海因斯的剧组送上祝福，在某种程度上也可看作是迪伦和托德·海因斯两人的通融。

　　　　一直被看作是噱头的多人分饰一角其实并非没有先例，早前就有一个音乐剧在表现同样伟大的约翰·列侬，不同肤色不同性别不同国家用了9个演员来体现列侬一贯主张的“世界大同”。

和托德·海因斯自己也承认，从《I’m Not There》还在酝酿的时候，他就早准备好了跳出《Ray》和《Walk the Line》的套路，用一种气象万千的张力来呼应迪伦，所以克里斯汀·贝尔、希斯·莱杰、理查·基尔、本·威士肖等人的面孔才浮出水面，而在茱丽安·摩尔等一干女演员试镜之后，在确定由影后凯特·布兰切特中标，熟悉电影的人会会心一笑，因为单纯从选角这一项，就可看出托德·海因斯慧眼独具之外绝对有谱。

　　　　望眼欲穿之后，影片先在威尼斯收获一个评委会大奖和凯特·布兰切特的最佳女主角，这几乎是意料之中的事，金狮输给的是张艺谋做主席的《色，戒》，但大家都已经不太在意。

略为在意的是凯特·布兰切特在奥斯卡最佳女配角中败北，大家也都知道，是届奥斯卡，凯特·布兰切特是最为风光的女明星，这些都是题外话。

而真正影片开始的时候，迪伦首先是一个叫伍迪的黑人小孩，抱着把写着“法西斯”的吉他到处游荡，好感立即又来了，因为大家还都知道，是谁真正影响了迪伦，而伍迪·格斯里才是“迪伦”这个符号真正意义上的父亲。

随后克里斯汀·贝尔扮演的民谣歌手杰克，以及那个叫约翰的“再生基督徒”，在一定程度上暗示了迪伦后期对基督和福音音乐的热衷；新生代传奇的希斯·莱杰扮演的拥有和迪伦一样的婚姻生活的罗比，一个因为私人生活面临分崩离析而被受纠缠的丈夫和父亲；理查·基尔在错乱的时空中高深莫测的老牛仔，隐喻因为摩托事故而从公众视线中遁离的时段；本·威士肖版本的阿瑟因为一直迷恋19世纪的法国诗人兰波而一直在阐述自己的主张和怀疑人生；更为惊艳的当然是凯特·布兰切特，黑白影象，现实和超现实交织，亦真亦幻，阴郁并且细腻，表情飘忽闪烁不定，脾气古怪不着四六，分明就是在英国巡演和《Don’t Look Back》时代的迪伦，在汽车里和艾伦·金斯博格隔窗对话的场景惟妙惟肖，坐卧的姿势和弹吉他的背影都让人叫绝…… 　　　　更让人叫绝的，是托德·海因斯称自己从来没有见过生活中的真实迪伦，更没有为了电影去采访或者请教他，只是通过迪伦的唱片和影象资料来接近，一种保持着距离的接近，一种艺术上的逻辑接近，一种断裂的破碎接近，托德·海因斯自己说：“电影从他的生活中汲取素材，6位迪伦会站在一起告诉我们，这个拒绝自己以往扮演的任何角色，不断前进而又不断否定自己的人到底是谁。

”虽然启用了不少好莱坞明星，但影片《I’m Not There》还真是拍给迪伦自己看的，拍给迪伦的研究专家和崇尚文艺的知识分子们，因为其中有关迪伦自己的生长背景，有关迪伦生长过程中经历的垮掉一代、越战、黑人解放、女权运动等时代背景，包涵了太多的“在场”信息。

对于同时代的人或者研究迪伦的人来说，这些信息的存在是绝对必要的，而对于一般的迪伦粉丝，或者普通的观众来说，就显得晦涩并且了无生趣，所以托德·海因斯剑走偏锋，丝毫没有讨好大众的意思；更难能可贵的是，就是对于那些标榜研究迪伦的专业人士也不啻为一种折磨，庞大繁杂的资讯在很短的时间内不断切换跳跃，在一种措手不及中完成着场景和画片的转接，故弄玄虚并且出其不意，不知道下一步衔接的将是一个什么样的存在，这种方式的确相当“迪伦”。

　　　　曾经在美国研究过迪伦的国内乐评人袁越（著有《来自民间的叛逆》，其中有大量篇幅讲解迪伦），看过《I’m Not There》影片后曾放言，“我相信国内能够真正全部看懂这部电影的人不超过10个”，他的意思应该自己是看懂的10个人中间的一个，这种说法还是一种可爱的执拗。

其实电影的名字已经是“我不在场”或者“我不在那儿”，懂和不懂又有什么的界限。

因为单纯从电影看，这是一部文艺片而非商业片，这是一种以迪伦的方式拍迪伦的影片，这也是之前拍过的林林总总迪伦传记电影甚至音乐人传记电影中非常出色的一部。

而迪伦自己之所以选择离开公众视野，也许正是有那么多的人想“弄懂他”，弄懂他为什么一直在变，弄懂他为什么可以“给时代代言”，弄懂他的音乐和他的歌词之间到底是在讲什么，甚至弄懂他和琼·贝茨之间到底有没有爱情而又为什么分手。

那么多人想把迪伦这个人神化，神化之后又有那么多人想把迪伦这个神还原成为人，于是人神之间来回折腾，直到迪伦自己都厌倦了，于是选择“不在场”，谁知道“不在场”竟然也是一种“在场”，哲学意义宗教意义上的诠释纷至沓来。

所以不管迪伦自己是不是被拍传记片最多的音乐人，但肯定是养活评论家最多的音乐人，猫王和列侬没有活他这么时间长，杰克逊又没有像他这样会写歌词。

于是就他这样的差劲嗓子，一个一般意义上绝对的糟糕歌手，让流行音乐不在只是音乐，从这个意义上说，托德·海因斯拍出来的《I’m Not There》真是善莫大焉。

　　　　“我不是什么代言人，我只是月光下裸体的舞者”，成名后的真实迪伦究竟是一个什么样子实在是有趣，有趣到无趣，因为已经被过多的阐释，被过多的神化，从某种意义上说，这种阐释甚至还不如一定要爬到迪伦家房顶上窥探他私生活的行为更为可爱，但是没有办法，他自己有这个能耐成为一个能够“预测风向的人”，即使到了后期躲进小楼，还是有各类的奖项等着颁誉。

作为一个公众人物他无法脱离公众，就如同作为一个现代人无法脱离现代，一个“在场”的人必须在场一样。

“I’m Not There”出自迪伦一张没有正式发行的专辑《The Basement Tapes》，据说歌词中有这样的句子，“我总是在诱惑面前犹豫不决/现在诱惑不再跟随我/但我已不在那里/我已远去。

”年近七旬的迪伦回首前尘往事也许会万般寂寞，但其实，从电影《I’m Not There》中，从一干为电影做配乐的Pavement、Yeah Yeah Yeahs、My Morning Jacket、Pearl Jam、Television以及Wilco乐队主唱全数在列，还有Sufjan Stevens和Cat Power，Sonic Youth和Yo La Tengo，老一辈的Willie Nelson以及迪伦多年的好友Ramblin' Jack Elliott……其实大可不必寂寞，聪明人还是大大的有，迪伦自己应该还是可以欣慰的。

1.never trust a cop in a raincoat.2.beware of enthusiasm and of love.each is temporary and quick to sway.3.when asked if you care about the world's problems,look deep into the eyes of he who asks.he will not ask you again.4.never give your real name.5.if ever told to look at yourself,never look.6.never say or do anything the person standing in front of you cannot understand.7.never create anything.it will be misinterpreted.it will chain you and follow you for the rest of your life.and it will never change.