我想自己应当是《戏台》的标准受众了:因为娱乐手段匮乏,我从小守在电视台反复观看、收听《曲苑杂坛》《快乐驿站》等节目里的相声小品,一些经典段子至今倒背如流。
其中就包括陈佩斯的《主角与配角》。
这是一个堪称“学院派”的戏剧,它的内核在于身份错位所引发的一系列的冲突,是肌肉记忆在对自我认知造反。
我期待着“包子铺伙计”和“戏曲名角”可以复刻陈佩斯和朱时茂的演绎,但万没想到戏眼完全不在于此,“真假霸王”非但没有同台,甚至直接的交流都很少。
身份的倒转更多是放在了玩心大起的“大帅”和“不明真相”的伙计之间。
这样也可以。
伙计如果在台上认出了自己的棒槌老乡居然端坐台下,绝对能够遥望雎景臣《高祖返乡》里“只道刘三谁肯把你揪扯住,白甚么改了姓、更了名、唤做汉高祖”的唱段,对军阀的戏谑解构远超把大帅形象塑造成一个撒泼打滚的神经病。
但是这个冲突点居然也没有利用,伙计看见屁事不懂的棒槌变成端坐正中的大帅,是真一点反应也没有,让我再一次预期落空。
那么全片戏眼在哪里呢?
居然是“戏比天大”“祖宗之法不可变”。
也就是戏班子在面临着生命威胁的情况下,宁死不改戏,并引以为光荣。
到这里我几乎觉得陈佩斯那张无比熟悉的脸庞竟有些陌生了。
他本该是春晚上第一声“毫无意义的笑”啊,他早期的所有作品,无论形式还是内容,不都在挑逗着旧的规则吗,怎么到这里也成了近些年春晚的“上价值”了?
——当然,没包饺子,还是感谢的。
传统要坚守还是变通,这自然是一个值得讨论的问题。
但放置在民国的语境下,堪称吃饱了撑的。
我们可以回望一下真正经历过那个时代的侯宝林先生的相声——《八大改行》,讲的是咸丰驾崩各位名角被迫从事卖菜等行业,技痒难耐用,京剧唱腔叫卖黄瓜、西瓜;《关公战秦琼》,这个段子的哏从来不在于要不要改戏,而是怎么让关羽和秦琼打起来,叫你打来你就打,你若是不打——
这才是乱世之中,艺人,或者说人的真正生态。
枪口之下,没有资格议价,没有资格摆谱。
经济基础决定上层建筑,我敢暴论一句,所有关于戏曲传统格式一点不能动的讨论,都是吃饱了撑得的当下才出现的。
所以在浪费了如此多的戏剧冲突点后,整个戏被归置得杂乱又无聊,各种角色也其中不知所谓、闷头乱窜,从一个喜剧底子彻底成为闹剧。
举一个例子,金啸天这个角色到底是干嘛的?
他到底是深情还是滥情?
他到底是一个为了自己吸毒置他人死活于不顾的王八蛋,还是一个带领戏班坚守艺术追求甘愿赴死的大英雄?
诚然,人性是复杂的,他可以都是,但不能一会是一会不是,他并没有一个内在的核心去驱动,而是去一个皮影或者傀儡一般,被指挥着吸烟、睡粉、唱戏。
说起来,专业演员临上场出乱子,或者跑龙套的临时顶岗扰乱舞台,侯宝林也讲过,比如《空城计》。
这种轻盈和戏谑,本是《吃面条》等作品完美复现过的,现在也都没了。
至于女性角色的塑造,槽多无口。
好处来看,大可腆着脸说,“六姨太”是一个敢于摆脱封建婚姻追求自由恋爱的“新女性”。
但当真如此吗?
创作者显然是把“女人叫春”“睡错名角”当成了横跨古今的一种讽喻,她只有作用,不具备主体。
一方面,古的来说,嘲讽大帅女人被睡了自己还傻乐;今的来说,大概是嘲笑追星族吧。
那我不禁好奇,追星女孩,何德何能要与乱世军阀放在一起被拷问?
她们对这个世界造成的危害——话说真的有过危害吗——是一个量级的吗?
仅仅以一种不太理性的方式喜欢别人,真的值得如此多年来被反复嘲弄吗?
手段上,就非得下三路的手段不可了?
总而言之,老气横秋,死气沉沉。
太冲了,登味。
诸多妥协汇聚的作品,就像剧里的人不断靠信息差制造矛盾,总说不出嘴边的那句话一样,哪里都差一口气。
总有厨子戏子痞子和让子弹飞的既视感,但那两部电影的完整度会更高些。
电影节奏太不紧凑,聚焦演员夸张的表演浪费了太多时间,但0个人出彩。
黄渤真可惜,见过他十多年前的剧场(活着),演技收放自如,现在他的灵气和匪气都还给老天爷了,活像一个平平无奇的三寸丁。
美女献身老套且low,爱戏成痴或作为私生饭都说不过去且没必要。
大帅得不到美女的芳心,但可以在后台跟老乡打情骂俏甚至捧他当角儿,下一步是不是坐在老乡身上摇着唱落子。
不敢想陈佩斯在以前的后台到底经历了些什么。
喜剧不彻底彻底不喜剧,深刻不彻底彻底不深刻。
徐志胜滑一稽和凤老板跳河,只为不让结局看起来过于包饺子,陈佩斯你终究成为了自己讨厌的人。
前者说讽刺吧,但后者又是为哪般,并不觉这里旦的自矜有多高尚,20%程度(程蝶衣的程)来碰瓷不疯魔不成活。
两霸一姬终究不如两姬一霸来得经典。
从话剧到电影,再写《戏台》观后 20250725抽时间去看了电影《戏台》,虽然是点映阶段,由于市场对这部电影的解读,排片已经在比较好的时间段了,可能是工作日,我看的场次观众并不多,但在观影过程中,几乎所有的观者都随着电影镜头笑声连连。
可能是这部电影还是有一点门槛的,所以,看的时候初看确实是荒诞和喜剧的,但是,电影的后劲真大,看了已经几天了,我就像牛一样,还在反复咀嚼这部电影的一些细节。
一、首先说说电影给予我的不一样的冲击:1、电影中黄渤扮演的大嗓在和姜武扮演的洪大帅之间的对手戏,因为洪大帅穿着便服,在戏台后面与大嗓相遇,由于两人是老乡,且大嗓也不知洪大帅真实身份,看洪大帅对京剧啥也不懂,就在他面前卖弄并用自己的方式去解释,由此引发出,两人看似有了不浅的交情,且洪大帅对大嗓那种带着落子味的京剧很感兴趣又极其喜欢,因而两人在后台非常和谐融洽的相处。
电影中对戏剧性的冲突在这里表现的非常明显:一边是侯班主、方经理、徐处长,因为知道洪大帅刚刚轻易就开抢杀了刘八爷,让他们很畏惧,而他们也知道大嗓是个包子铺伙计;另一边,大嗓知道侯班主、方经理和徐处长都是地位或者专业性比他高的人,相较而言,他自己是极其卑微的,因而,他在他们仨的面前表现出来的是身份地位的差异和自卑;而在洪大帅面前,由于不知其身份地位,大嗓反倒好为人师的教训洪大帅,并表现出因为比对方懂京剧而在心理上比他更高一些,有些轻怠洪大帅;反观洪大帅,在大嗓面前像个小迷弟似的,言听计从,他对大嗓的率真、坦直、心无芥蒂,很是喜欢,一则是他本人就是个很简单的人,再则他也确实在北京城啥也不懂,大嗓对他没有阶级感毕恭毕敬的拘束,他也还原了一些作为一个农村汉子的耿直本性。
这一段在话剧舞台上,冲突表现的没有电影中强烈,在电影中那种:我知道你,你知道我,但是我不知道他,因而就对你和对他不一样的态度,被镜头充分放大。
在话剧舞台上,我没有这么明显的感觉。
2、电影中由于镜头语言和场景的开阔,对于洪大帅和六姨太的关系,电影中通过他们一起坐在汽车中进城,就一两个镜头就交代出来了,让我在观影时很直观的看出他们俩的关系,且电影也很直观的表现出了六姨太对洪大帅的嫌弃。
但在看话剧时没有这样的镜头语言交代,受限于舞台的狭小,我们看到六姨太一出场是她看冲进戏院后台,拿着金啸天的照片找自己的偶像,这时我并不知道她是洪大帅的六姨太,由于在看话剧前,我完全并不清楚这部剧的剧情,所以,开始我并没有把她和洪大帅联系在一起,她冲进戏院后台问金啸天时,首先让我感觉的她是个粉丝是戏迷。
由此,非常明显的感受到电影语言在对于人物交代上不用太多的旁白或其他方式,就能一眼看出这个角色是什么身份。
这是电影相较于话剧的便利。
3、电影中比话剧更有冲击力的还有:在大嗓要被指定要上台演西楚霸王,而大嗓自己可能都没有完整看过一回京剧《霸王别姬》,他可能也就是在送包子时多听了几耳朵而已,因而,他是唱不了全本的,且也不能胜任西楚霸王这个角色的气质的,但是侯班主和方经理反复劝他,说票友啥啥的和大师同台演出啥啥的,这一段,比话剧生动,在这一段情节中,可以说陈佩斯老师和方经理的扮演者杨皓宇确实演的太好了,我认为这一段中侯班主所有劝说的话,说的那么流畅、那么有理有据,那么中肯和心安理得,如此精妙,这是一个对戏剧有极其忠诚度和专业欣赏角度的班主随口就说出来的,但是,这种说,这种大段的说辞,让人看出侯班主的精明、被迫和随机应变的能力,说实话,这段剧情,我在看的时候很有些不适,觉得侯班主是虚伪的、在说假话,但是,作为一个班主,他又必须要这么说,而且这些话,由他说出来又是那么的合情合理,试想,作为一个知名戏班的班主,情商不高或者头脑不灵活,他能转的动这么多角儿吗?
能处理好各方面的关系吗?
而这一段在话剧中表现的不够深刻。
这一段电影剧本完善的极其好,让侯班主这个角色更立体更丰满了。
4、最后还有一段是剧中的彩蛋部分,非常重要也非常悲情:在电影正片放完,唱片尾曲时,第一段唱完,出现了凤小桐跑出城外,跳河的镜头(在电影播放字幕时)。
他跳的决绝,一点都不留恋,因为这个荒诞的世界,因为这些强权的人,让他无法真正展现他热爱的戏剧,他的干净是被这个世界难容的,同时在剧尾大嗓的台词中已经说了:蓝大帅喜欢男旦。
凤小桐作为一个这样优秀的男旦,他自知很难逃出魔掌,对他来说,那就是“质本洁来还洁去”,死是他对这个荒诞世界最好的回应。
这一部分在话剧中是没有的。
二、下面再说说话剧比电影更有冲击力或者更充分反映人性的细节:1、话剧中在刘八爷被洪大帅打死后,死者在舞台上停留了较长的时间,而且死者的血迹也迟迟不被擦去,在徐处长检查时,看到血迹,他们那些人也只是用一件戏服将血迹盖住,而他们依旧在执行着自己的公务,为洪大帅做安全检查等等。
这个情节让观剧的我们非常难受也非常震撼,这个用戏服盖住血迹的情节非常有深意,但是电影中被删掉了,不知道是为何?
其实这一段是徐处长在做安保和训话,也是洪大帅的人在查找六姨太的踪迹,话剧中还有一个特别搞笑的设计是有一个人鼻子非常灵,到处嗅,通过香水味来找六姨太,这一段也在电影中被删除了,这个设计讽刺意味太浓了,但是作为剧情设计确实能很好的反映出六姨太和洪大帅相处问题,以及下面的那些走狗通过鼻子来识人的“本事”。
而在盖着刘八爷血迹的戏服上徐处长说着永远不错的官话,等等,且他对侯班主他们的颐指气使、对草菅人命的漠视,对权贵的阿臾,都是极其强烈的反讽。
这一段从电影中删掉有点可惜。
2、还有一段我认为话剧中比电影更能体现侯班主妥协、抗争,后无奈妥协的情节,那就是话剧中被迫改戏时,侯班主去拜了戏剧老祖的排位。
我认为这个情节设计的极其好,也丰富侯班主的心路写照。
作为一个班主他有不得已,同时也有他自己的坚持,在坚持与妥协之间,他无法招架强权的时候,为了让他自己的心里好受一点,他拜戏剧老祖,恳请谅解,似乎拜了之后、祈求了之后,老祖同意了他改戏,他也能稍微心安理得一点,这个情节设计的非常好。
但是不知为何,电影里面也是被删掉了。
4、第三个话剧中很细致的的情节是:决定让大嗓上台演霸王,但是大嗓能唱出啥样,得先教一教,也得先让演奏的乐师们和大嗓对一对节奏,同时还要教大嗓怎么唱。
这些在话剧中都充分挖掘了细节并表现出来了,当时我在剧场看的时候,真的急啊!
看着大嗓那样的门外汉,真为他上台捏一把汗,为何?
因为这里通过乐师和班主他们的教导等细节,充分告诉了我们观众大嗓是个门外汉,他无法撑起戏,他不是真正的票友。
正因为通过这些细节,让我们能理解这里面存在的巨大差距,所以,我们在看话剧时跟着节奏会着急、会揪心,但是电影里中这里就一带而过了,没有充分的用情节进行铺展,所以,会给人造成一种错觉,以为大嗓是可以唱的,尽管有跑调,不小心就被唱到落子上去,但也不是全都不懂的。
其实话剧中的交代更细节,也就把紧张感拉的更满。
不知道为何电影中不多表现一点,这里的节奏还是略微快了一点。
以上,是我简单捋的一些话剧和电影之间的差别,不是很全面,可能还有更多细节不同的地方,我没有发现或者思考的不够全面。
但是总体来说,这部话剧和电影确实都是极其优秀的作品。
写到这里,还是想再多说一点我看这部电影的感受:其实,这部电影或者说这部话剧我在看之前和看的过程中,都没有附加任何陈佩斯老师的经历或他的什么干净做人等意向。
我认为就是一部话剧作品或电影作品,当然作为一部优秀的文艺作品,不可能没有主旨表达,不可能没有一些立意更高的东西。
说这是文艺作品的使命也好,是让文艺作品打动人引起共鸣也好,总之,都是极其必要的。
对此,我不太想把作品跟陈佩斯老师个人的经历联系在一起,就是作为一部优秀的作品来欣赏来感悟。
分析体会这部电影,先还是要从大嗓这个角色说起:大嗓就是个包子铺的伙计,是社会底层的小人物,但他虽然在社会底层,他有自己喜欢的,有自己追求的,尽管他没有机会去剧院完整的看一场精彩的京剧演出,但因为喜欢,偶尔在送包子时听了几耳朵,他就反复的自哼自唱,这是他底层生活中的一点亮色。
我们每个人无论多么卑微无论多么艰苦,只要有一点点机会和条件,对于美好的东西的向往和追求肯定都不会泯灭的,这是大嗓这个角色很重要的第一面。
第二是当大嗓被赶鸭子上架演西楚霸王时,他的第一反应是直观的直觉的,他演不了,他知道自己几斤几两,但是在侯班主和方经理的反复说服后,他渐渐动摇,他心底有个声音在说:“试试,试试,说不定也能成呢。
”这也反映出一个小人物在面对机遇时的那种先是畏惧退缩,而后想冒险尝试,搏一把的心态。
其次要说说凤小桐,这个角色经过电影的完善,非常有力度。
这个男旦有极高的专业素养,有清高的性情,同时又有极高的情商,他其实是知道自己什么时间该说什么话、什么时间该做什么事的,不是一个完全意义上的戏痴,他很生活很灵动。
在面对侯班主和金啸天时他的率真和真性情有小女儿态的矫情,又有深明大义的凛然,在面对徐处长和洪大帅时,他有委屈也有不齿,他打心眼里看不上这些人,但是他又没办法抗争。
虽然在剧中他的戏份不多,但是足够铮铮铁骨,同时也足够深明大义。
他最后跳河是他必然的选择,就像我们看安娜卡列尼娜最后只能死是一样的。
这样干净有坚持的人,在污浊的世界无法活,所以,我认为他是“质本洁来还洁去,强于污淖陷沟渠”。
另外还要说说洪大帅,我认为这个人物塑造的非常好,很立体,很多面。
作为一个乱世中的军阀,他农民出生,带着兄弟们造反,最后也是只剩下6个人东山再起,后成了洪大帅打进北京城,成了生杀予夺的土皇帝。
但是他骨子里也是个重情义的汉子,他念家乡,重乡情,他缅怀他那些跟他出生入死的弟兄,他又完全不讲道理的暴戾杀人,他喜欢六姨太,但他不了解六姨太。
他的原则就是:喜欢的就得用强权、用枪得到。
在他的潜意识里只有枪才能让他说话理直气壮,所以,他动不动就举着枪威胁别人。
但是他内心底层又有一个质朴的农民影子偶尔出来影响他,让他憨直的一面显露出来。
这个人物塑造很立体。
我们看到一个被强权和吹捧举着的没有文化,但是良心没有完全泯灭的军阀。
尤其是最后剧中他看到西楚霸王在乌江自刎,他受不了了,那是他的偶像,他完全不尊重历史,他也不懂历史,他为了他自己的偶像,或者说为了他自己内心的妄念,他要让西楚霸王东山再起,不能死,这是他洪大帅最深的悲哀。
他以为的强权、他以为的枪的胁迫可以改变一些什么,但是极赋讽刺意味的是,在改的剧还没演完,新的蓝大帅就攻进了北京城,他自己也失去了这些他一时拥有的权力。
剧中没有说洪大帅最后怎样了,只是说蓝大帅打进来了,但是可以推想一下,为何后来凤小桐要跳河?
为何包子铺讨论的是现在蓝大帅进了城。
那基本可以肯定洪大帅不是战死了,就是逃走了。
归根结底,洪大帅只是一个被命运操弄的小人物,纵然他一时得到了强权高位,但是他配不上他所拥有的,同时他也逃不脱被历史遗弃的命运。
最后还是要说说侯班主侯喜亭,这个角色被陈佩斯塑造活了,非常精彩,也非常接地气。
前前后后的几次激烈冲突,侯班主充分表现出其八面玲珑和无奈妥协。
在平平稳稳的阶段,他是喝着茶游刃有余的知名戏班班主;在遇棘手事件时(金啸天吸食鸦片过量不省人事),他能坚决果断的让人灌胃洗肠催吐扎针,用尽一切办法唤醒金啸天,还得指着他上台;在面对不懂戏的外行瞎指挥时,他首先是想要遵守老祖宗的规矩,要保留戏剧最根本的原汁原味,这也是他立身之本,他极力保护;但在保护不了时,他只能妥协,但妥协时他又心有不甘,所以,他会祈祷拜祖;在死与活的选择时,虽然他说他的师傅也是在他这个年龄死的,言下之意他也做好了死的准备,但是终究还是想活,不仅是为了戏班,也为了戏班里那一群人,这么多条命啊,他怎么着也得活啊,就像他请凤小桐上场和大嗓演对手戏,凤小桐拒绝时,他说的:给你跪下了,这么多人要活命啊!
是的,这是侯班主侯喜亭身上最沉重的地方,他所有的一切行为都是为了活,为了戏班里这么多条人命。
有时候,我们说一个人不是为自己而活,而是为了他人为了众多的人而活,就是这样。
越是高位者、越是拥有众多追随者的人,越是为了别人而活,活着活着,他们就会失去自己,就会慢慢的在为别人活的意念中改变,可能是变好,也可能是变得不那么好。
当然,这里面衡量标准是价值观,是最最重要的公正与正义。
就侯班主而言,改一场戏,他内心不愿意,但是即使他抗争了,他死了,是不是洪大帅就不会让他们改戏呢?
不会的,还是会改戏,正如凤小桐一样,他死了,他的“虞姬”也随着他的死去不会再现了,圆满了凤小桐,但是留着观众们的滋味是无尽的遗憾,却是肯定的。
所以,我们无法说妥协与坚持,哪个更高尚,哪个更值得推崇,但是有一点可以肯定,每个人做出某一种选择,有他自身的原因,也有他所处的环境和地位的原因。
侯班主妥协,是因为身后有几十条人命,他不能由着自己。
凤小桐选择抗争跳河,也没有错,他改变不了世界,他只能保持自己的气节。
电影看完,写了这么许多,其实,对于整个话剧或者电影的感受还没写。
这部剧,我在开头时就说了,是有些门槛的,因为这部剧虽说是喜剧,但是喜剧的非常高级,回想一下在如今快节奏的生活中,我们看到的大多数喜剧都是要在很短的时间里把包袱抛出来,要不观众就不笑、就认为不好看,因为短视频和快节奏让我们很难有耐心细细体会一部剧的精髓,例如有些喜剧小品啥的,就是不断的重复某一个行为或者某一个情节,在其中做一点变化,让你感觉那是个梗,你就笑了;或者还有些是通过夸张的形体或者一种很明显的形式隐喻,让人感受到里面的讽刺,加上急智的语言,从而感受其中的意味,观众就笑了。
但是陈佩斯的《戏台》不是这样,他是设置了一个又一个嵌套着的情节,通过情节和人物的错位,激发出矛盾,隐含着风险和紧张,让人在不知不觉中带入,在不断推进的嵌套着的情节中一点一点的点燃笑点,让人捧腹。
我记得我在看话剧《戏台》时,现场观众笑声不断,我自己也是很久违的笑的超级放松又开心,但在笑过之后,在走出剧场后,我回家写的感悟中,却深切感受到其悲剧性。
这就是好的喜剧。
好喜剧是看的过程中,你先是隔岸观火,渐渐的被牵系,再被带入,为剧情感同身受;看完之后,忽然发现,原来这不是一部喜剧啊,原来这剧还有这么多的深意啊!
我以为这才是好的喜剧。
我也是看着陈佩斯的电影和小品长大的人,他作为电影演员时拍的电影我看过几部,那时不懂欣赏,就是觉得好笑;后来渐渐长大,再看到他的小品,也都是角色错位和形体语言丰富,渐渐看明白了,也笑的畅快;再后来看不到他的作品了,前几年,他的话剧《惊梦》在合肥演出,我没有看成。
再后来,看到要在合肥大剧院演出《戏台》话剧,就早早的买了票。
看完话剧后,又得知还会拍成电影,接着就开始期待电影的上映,如愿看了,反复追着,其实我不能算是陈佩斯多么深的粉丝,只是好剧太少,好喜剧更少。
记得我很年轻时好像在哪本书上看过有专家说,中国的喜剧太少了,似乎中国人骨子里悲情的东西多一点,喜剧的东西少一点,所以,很难看到优质的喜剧。
我不知道这个专家说的对不对,但是,这么多年,好的喜剧倒是真的不多。
陈佩斯,是一个专心做一件事的人,我觉得能在一个领域用心做上几十年,那应该是非常热爱的,凡是能够热爱的,加上时间的打磨,我觉得那一定是不会差的。
致敬热爱!
感谢陈佩斯为我们奉献出这么好的剧!
感谢并大赞!!!
《戏台》里余少群扮演的男旦凤小桐这个角色很好地诠释了「把男人放在女人的位置上他就会变成一个女人」的道理。
或者再简单点说,女性是一种处境。
在片中凤小桐几次三番被洪大帅用言语性骚扰,说他身段儿骚,说他声音叫得像猫叫春,看着他的脸就色眯眯地叫他小娘们儿……
总之,凤小桐什么都不做,洪大帅都觉得他在勾引自己。
但洪大帅在片中的设定是异性恋,他之所以对凤小桐做出种种发春的言行,是因为凤小桐扮成了虞姬。
即便已经有人几次三番提醒洪大帅这是男旦,但也丝毫不妨碍洪大帅对着他扮出来的女性特征流口水,就像巴甫洛夫的狗一样。
这是一种什么心态呢?
其实很好理解,在很多人的心目中,性别不仅仅是基于生理上的差异,更是基于性别符号的差异。
比如长发、红唇、黑丝、超短裙、高跟鞋这些符号就和女性挂钩了,一旦一个人身上有这些符号出现,那么即便ta不是生理女性,也会被认为具备女性气质。
而有相当一部分的男性的性癖是被这些性别符号触发的。
南京红“先生”的利用的就是这样的条件反射,只要他装扮出几项女性符号,即便技术拙劣,也会触发相当多的异性恋扣动扳机。
与之相对应的,如果生理女性具备个头在175 以上,有发达的肱二头肌,有相对扁平的胸部,剪短发,不化妆,穿中性款式的衣服等去性化的特征,就会被人认为不够女性化,是假小子,不具备吸引男性的魅力。
生理男性如果举止温柔、爱干净、喜欢穿粉色的服饰、不喜欢参与凸显雄性力量的体育运动,则也会被嘲笑娘们儿唧唧的。
这就是所谓刻板的性别印象,它既在规训女性,也在伤害男性。
同样是凤小桐,他做男装打扮的时候,洪大帅是不会骚扰他的:
当他拥有了长发、红唇、裙子等女性符号的时候,就不得不体会到女性的处境。
有一个可以互动的梗是,在片中扮演“霸王”金啸天的尹正,在发福前是扮演过男旦的,《鬓边不是海棠红》是耽美小说改编的,他当时扮演的男旦商细蕊,就被民国霸总晓明深深爱上了。
如果他是以上面这样的形象出现在《戏台》的世界里,那他也会被洪大帅一起骚扰。
但如果他是以金啸天的形象出现在《鬓边》,那男男之间的绝美爱情就不存在了,因为很多耽美小说的创作逻辑,都是在将受方往女性化进行塑造。
凤小桐这个角色我认为是片中最饱满也是最具有现实意义的,因为他以男旦的身份遭遇的一切,是很多女性不得不面对的日常。
明明自己什么都没做,但就被某些男性认为自己是在蓄意勾引,他们骚扰她、调戏她、侮辱她,最后还要怪是她太骚了,才让男人把持不住。
只有「她」变成了「他」,很多被性别蒙蔽了认知的人才会发现这种「受害者有罪论」有多么无稽。
可能只有让更多男性体会到女性的处境,他们才能更好地理解女性生活在一个什么样的世界。
微博网友@止痛胶囊成吨吃说之前抖上一个专业骑机车的男博主和粉丝约定粉丝量达到一定数目时,他就穿女装骑行,六月底终于到数了,他也兑现了诺言。
但发现穿女装骑行的感受和他平时骑行完全不同:不到10公里的路程就有三辆不同的车恶意别他车三次,总有车故意在他车后面使劲按喇叭。
他说他骑车这么多年从来没遭遇过这么多次别车,他之前一直不理解女摩友说的骑车难,这下他感受到了。
△性别符号>生理性别的典型例子。
包括之前有个留过肩发的男生在夜晚回家被人袭胸,听到他的声音是男的后立刻跑了。
他最后感慨:幸好我是男的。
如果他真的是女性,那就是另一个故事了。
诚然,陈佩斯在《戏台》里设计凤小桐这个人物的时候,更多地是在他的身上展现一种文艺工作者的纯粹,他虽然是女儿身的扮相,却表现得比其他站着撒尿的爷们儿更爷们儿,宁为玉碎不为瓦全。
面对强者(权力)对弱者意志和身体的强奸,他绝不逆来顺受。
本来戏子的命运在封建社会就已经十分低贱,更别提是被人以性化的眼光去亵玩的男旦了,一个想要干干净净唱戏的凤小桐,根本不可能在那个时代活下去。
但这并不妨碍我以女性的视角与这个人物共情,因为不止是洪大帅,就连戏班版主侯喜亭也是把他当做一个懂事的女孩去威逼利诱,用全戏班的性命道德绑架凤小桐配合洪大帅改戏,却把抽大烟,为了女人要死要活的金啸天当好大儿宠得没了边儿。
即便他被后来的蓝大帅侮辱了,他尊敬的六叔也只会对他说:「不至于啊小桐,不至于」。
至不至于的,只有当事人说了才算,其他的人根本没资格来轻飘飘地说这句话。
没有体会过女性处境的人,没有资格教导女性该如何做事。
B-6.9写在前面:本想是在大影院的一次迷影之旅,邂逅一代戏台大师陈佩斯,激动不已。
但看下来相对比较失望,虽然有一定的完成度,但没有真正的可圈可点的之处。
简评:开场的质感比较鲜活,加之民国背景,颇有《让子弹飞》的架势。
但始终节奏过快,操之过急且有浮华之气,没有留白和沉淀的地方。
因此反倒平淡,欠缺点睛之笔、震撼之处。
单从娱乐方面来看,或许是一场爽片和好戏,图个爽快固然不错-如果还能有点思考更好。
但作为一部电影的确存在不少问题。
由于是戏剧改编、陈佩斯导演,无论场面调度还是表演基本还是戏剧性、剧场性的,作为电影来说不仅缺少空间的深度也缺乏人物形象的纵深。
不仅和现实脱节也脱离了电影银幕的媒介特质,因而显得造作虚假。
虽说是群星荟萃,但角色完全脸谱化、非常空洞,而且对军阀领袖未免有丑化和低俗化。
陈佩斯没变,戏剧没变,变的是媒介。
原本在戏台上的优势在摄像机镜头下暴露为了问题,夸张的动作和表演、不自然的戏腔、平面化的布景……以及口音和服装道具等,都处在古和今之间的尴尬境地,某些桥段既有戏腔又掺杂着电视剧味,影像质感严重割裂、不均。
关于内容:情节相对简单,一系列冲突由两对张力结构-真假霸王和真假别姬引燃,最终在剧场达到高潮。
其中关于权力的压迫和反叛、迷影精神都有《无耻混蛋》的影子,但最后剧场的结局却是截然相反,艺术无法改变历史、艺术为现实殉葬。
主题虽较为单一,但也值得呈现。
这由戏班和政治力量联袂演出的一场荒诞闹剧,揭示出艺术和权力不可弥合的矛盾和二元对峙。
(对于这个观点暂且不深入讨论,如何政治性地拍电影、艺术能否又如何介入政治也是一个庞大的话题)艺术的异常是政治的常规,政治的无常又是百姓的平常。
此外,影片的辅线为两条:戏迷文化与政治背景。
1戏迷文化:如果把票友换成影迷,戏院换成电影院/资料馆就显得十分生动切近了。
片中对艺术圈的讽刺和肯定也不局限于某个时代:明星和粉丝行苟且,政治对艺术指手画脚,群众(无论什么时代)都是墙头草。
片中唯二的英雄/正面人物除了和陈蝶衣一样守住节操的“别姬”,便是为艺术辩护而死在枪下的票友。
引用安托万·德巴克的一段话,“这些影迷唯一关心的“政治”,则是义无反顾地去捍卫那些被他们看上的导演。
在那几个年头里,这份狂热一直都是迷影圈在写作和政治表态上的精神支柱:影迷并不会或很少会为了阿尔及利亚战争而移驾或动员,却会为了“拥护电影资料馆”而群起上街,大动干戈。
”对于戏迷和影迷来说,真理只和审美挂钩。
2政治背景:如果说《活着》和《椒麻堂会》甚至《霸王别姬》是皆由戏剧映射时代和社会变迁,那么本片的侧重点则相反地聚焦于特定时期的戏剧。
此外,中国近代的背景设定也别有意味,怎么不是一个明智的影射呢?
我们可以自然地联系到陈佩斯早年被央视和春晚驱逐的经历,冲着这份气节就要支持。
当然放眼全球这样的例子数不胜数,艺术没有支撑只能被资本噤声、被权力踩在脚下,这是无奈且残酷的现实。
权力指挥、政治挂帅,艺术失去自主、沦为傀儡,必须应和。
因此本片讽刺的对象当然也指向独裁作风:上面随口一句话,底下则是万人卖力。
权力到达一定程度后便可以执掌、定夺审美标准,这完全不是异想天开。
且不说古代的焚书坑儒,近代最有名的例子则是赫鲁晓夫。
1962年12月,赫鲁晓夫去中央展览馆参观画家和雕塑家的作品展,看到二楼抽象艺术厅的一些作品时,他忍不住大放厥词:“这是淫秽作品,不是艺术。
”当受到恩斯特的指责时,他这样讲到“当我是一个矿工的时候,我不懂;当我在提升的各级阶梯上的时候,我也会不懂。
但是,今天我是部长会议主席,我是党的领袖,难道我还不懂吗?
”而要求艺术作品严格服从于统治者意志-这在今天看来无比荒诞的情节-也有历史依据,1937年-十月革命胜利20周年之际,斯大林为了给“大清洗”有个交代,也为了树立自己的“伟光正”形象,指示拍摄一部反映十月革命的电影,并向全国征集优秀电影剧本。
《起义》1937年5月入选,却要求在11月7日十月革命纪念日上映。
5个月拍成一部电影几乎是不可能完成的任务,但在斯大林面前,谁也不敢说半个“不”字。
随后,一个名叫罗姆的年轻导演,抱着掉脑袋的风险接下了这个几乎不可能完成的任务,在短短两个半月的时间之内,拍摄出一部历史巨片,以及完成“过审”。
根据上头的指示和意见反复修改,最终改名为《列宁在十月》。
然而还没结束,下面的故事也和影片如出一辙:11月6日,斯大林看完《列宁在十月》后对罗姆说:“还不错”。
第二天,斯大林举行红场阅兵之后,钦差传来最新消息:“斯大林又看了一遍电影,要求修改。
”斯大林的真实意图是,电影最好能够把他塑造成一个可与列宁比肩的“高大全”人物,以便稳固自己“传承人”的身份和“正统”地位。
写在最后:可是无论怎么说,陈佩斯还是或多或少向商业低头了-向群众妥协并不可耻,但艺术性的降格却是难以容忍的。
这并不是一部在艺术上成功的电影,但却是有着启发性的作品。
维度★(1-10)个人感受(观看价值)6.9思想/社会/历史/时代价值7.6叙事水平(文学/文本价值)7.4技术完成度/美学创新(视听效果)6.7选角/表演/场景6.625.8.1礼堂,来晚了五分钟,现场异常嘈杂。
出门后便见列队训练,这层互文比电影本身更精彩。
我的影评合集:Aleph-我的影评
一开始不打算看这部电影,因为印象中的陈佩斯喜剧,都是小品,动作夸张,技法粗糙,在八十年代也不是精品。
但看了之后,发现还是超出期待的。
虽然话剧感十足,但起码,不像小品。
整个故事的完成度不错,服装道具化妆因为京剧舞台而生辉。
几位影帝的表演都很正常。
陈佩斯发挥也不错,儿子确实差了一点,但好歹不是主角。
故事的立意过于简单。
把京剧艺术看成高于一切这种态度,大体上和乐队高喊摇滚不死是一个操行。
戏子们也真是和今天的摇滚乐手差不多,法克fans。
金小天如果是真乐手,那票友就是摇滚爱好者,都很装。
摇滚乐当然不高于一切,京剧也不是。
看戏的那帮人,大部分都是些八旗子弟,逗狗遛鸟之徒,当然还有被大帅打死的地痞流氓。
京剧为老佛爷服务,为这些人服务,没什么高人一等的。
这不是说京剧就可以随便改,可以迁就庸俗。
艺术发展有其规律,艺术家也可以🈶自己的脾气。
但观众有自己的脾气,不喜欢你,不代表就一定是低级。
军阀都是粗人,大帅本不爱这玩意,一开始要看戏,实则是为了女人,后来则是因为老乡。
大帅的好,在于完全的自我,现代人更多的都是大帅。
因为在市场条件下,顾客都被称为上帝,地位比大帅高多了。
豆瓣里全是大帅。
喜欢就高分,不喜欢狂踩。
指挥编剧导演的,占比99%。
所以看来看去,看得都是自己。
大帅跑了,京戏还在,确实没改,但真也没人看了。
看的出近些年陈佩斯全心钻研话剧,对电影甚至电视都生疏了。
一眼挂名导演的改编,特效毫无意义,服化道灯光只能说有称不上好话剧表演中常需要不停说话与夸张的表情推动剧情抓住观众,而电影有特写有分镜,需要适当停顿。
表演风格不谈,陈佩斯与恭叔但凡出场即大喊大叫大哭大闹,情绪单一,反观姜武黄渤两位电影常客即知道迟寸,尤其打闹一段非常自然,有爆发有缓和。
尹正从角色到表演都透着一股不和谐,即使抛去角色的单薄,他的扮相和角儿之间也是差着许多,跟余少群的气质天壤之别祖宗之法不可变这种论调谁沾谁烂,且不谈一种艺术形式不接受创新改编多么愚蠢,就谈枪顶脑门这事,相声中有段《关公战秦琼》也有类似的意味。
面对生命与营生受到威胁,唱了不丢人,你可以在戏中讽刺,也可以背后编段子,但带着整个团队赴死是什么意思。
金啸天明知众人有生命危险依旧不改唱词,勉强算明白配错霸王后的破罐子破摔,那班主长舒一口气又是什么意思?
梅兰芳蓄须明志用的是自己的命,一个抽大烟没有职业道德的角儿最后冒着别人的生命危险就算对得起祖师爷了?
糟改军阀糟改姨太太,糟改戏子又要戏子有大义,改样板戏的时候怎么没见这么骨气仗照打,戏照看,可以理解为百姓的苦中作乐,也可以理解为一种忍辱偷生,换了谁的天,老百姓都要过活,只有看透了百姓对生的渴望,才能写出好的角色。
《茶馆》看到了,《戏台》没看到
原文要问陈佩斯的《戏台》究竟算不算好?
我想得先问另一个问题:当前我们的中国商业电影到底需要怎样的电影?
这个话题需要先隔离所有已放映和同期放映的各类抗日和爱国主义题材电影,这些电影肩负着特殊任务和历史使命,所以暂且不放在今天需要讨论的关于“中国商业电影到底需要怎样的电影”的话题范畴。
但这个话题依然很大,我又非影视行业从业者,作为影迷只能从一些极小的切入点和各位管中窥豹一下中国商业电影目前我所观察到的一些情况。
最后我会说一下自己对陈佩斯《戏台》的看法。
「三一律」正统喜剧的式微戏剧创作方式中,三一律是绕不开的一种叙述形式,其结构就是要求故事在一天(一昼夜)之内、地点在一个场景、情节服从于一个主题。
小时候大家读过看过的《雷雨》是经典的三一律剧本。
邵氏早期的部分武侠电影、王晶的赌神电影,英叔的僵尸电影,成龙的动作电影,周星驰的大部分无厘头喜剧,冯小刚的大部分电影,宁浩的疯狂系列电影,肖央的误杀系列电影…这些商业电影的最大特点是时间轴和情节紧凑,人物关系动机简单或复杂,矛盾冲突集中。
2个多小时的观影时间,暂时麻痹,忘乎所以,嬉笑怒骂,这是电影娱乐行业提供给每一个观众的初心。
这个时候我们应该理直气壮地忘记伯格曼,费里尼,卓别林,库布里克、塔可夫斯基、基斯洛夫斯基、诺兰、王家卫、侯孝贤、李安、娄烨、贾樟柯这些让你开始动脑子思考的导演大师,他们拍得本就不是为了追求视听感官的商业片或博君欢喜的戏剧片(虽然里面每个导演都拍出了视觉盛宴和经典镜头)。
自喜剧承接贺岁档任务之后,「三一律」正统喜剧的意图开始变了味道:资方希望每年能有一部逗乐全国14亿观众的系列奶头乐电影,营收可观,大差不差;导演和剧作组希望自己有了一招鲜吃几十年的就业岗位,电影连续剧化,套上“系列/宇宙”题材无穷无尽。
不能说这种意图是错误的,毕竟在现代影视工业中指望“大师们”的创作速度是一种奢侈,我们依然渴望能有奈飞等国外影视生产线快速高效同时兼具品质的规模性生产,以填补实际生活中的无聊和内容空缺。
但问题也出在这里。
模板化范式化流水线化生产,求快求新求量,但又没有达到现代化工业级流程管理,要么导演挂名远程指导,要么粗制滥造纯粹赌一把或捞一笔,要么制作团队众包分包进行“粗鄙”的大电影式制作,导致剧本充满俗套掉凳的庸俗反转剧情,台词充斥高密度网络梗。
这几种情况之外,还有大部分导演和编剧都没有达到基本的行业水平,拿着习作填补荧幕空档,顺便露个脸方便寻找下一轮资方。
工业级的管理和流程没有学会,工程上的那些套路是样样精通。
因为带着票房KPI的任务,电影作品也和春节晚会一样需要寻找到14亿市场的最大公约数,必然需要“妥协”许多东西,让自己陷入审美困境。
拍片立意需要妥协,为了服务所有广大群众;剧情矛盾需要妥协,为了阖家欢乐童叟无欺;人物选角需要妥协,因为没有流量角色票房损失惨重。
正统「三一律」喜剧没法做出这么多妥协,本子要求太高,细工慢活无法快速变现;角色要求太高,流量小生撑不起人物性格矛盾;导演要求太高,老导演不削炒冷饭,新导演没功力掌控故事细节、深度和规整感…「三一律」正统喜剧如此不讨喜,自然式微在所难免。
有人冠冕堂皇觉得这种体裁太小,算不上大制作;有人则堂而皇之称这种形式太过老旧,年轻人不愿意看。
然后大家都去天马行空、上天入地地拍其他可以想入非非但不用深究本子逻辑和台词功底,又能卖座快速回本的快餐电影。
我差点忘了,导致「三一律」正统喜剧的式微,徐峥的囧途系列,陈思诚的唐探系列也是功不可没,这两部颠覆「三一律」喜剧系列,让广大影视工作者避而远之,并尝试拍摄另一类电影,但又被此题材束缚更深。
「宏大叙事」的史诗执念中国人5000年历史文化,编剧从中取之不尽,导演从中用之不竭。
既然是拍电影,为何不拍一个大的?
立意要大,制作要大,阵容要大,影响要大,票房更要大,不然怎么变成大导演,怎么捧成大演员?
优绩主义社会下,能一件事情一劳永逸,就别再磨磨唧唧多花几步完成。
因为题材足够大,想象空间足够宽广,拍完牛皮吹得足够响亮。
这个习惯一方面是被漫威宇宙这种电影宇宙的制作方式教育和吸引,本来想拍摄系列电影,结果拍成了2小时的宣传片;一方面是时代在召唤,有无数的非虚构故事和虚构故事可以在这种「宏大叙事」的史诗里被轻易被创造出来。
但成熟编剧数量有限,大部分本子缺胳膊少腿,肆意篡改原著,或是胡乱捏造。
这1-2年中国商业片看得到小部分人的坚持和努力,但霸榜屏幕的几部电影依然没在为拍好一个故事而努力,从不知所云的爆米花电影《749局》到魔改原著的《封神2部》,从前卫又土气的《流浪地球2》到不励志也不幽默的《热辣滚烫》。
你不能说制作不恢弘,不能说特效没砸钱,不能说题材不新颖,不能说演员不努力。
但是你总觉得缺了一些什么,说不上来,反正关注点基本上没有在电影要拍的故事本身,敲黑板的重点全在戏台外面。
你觉得电影行业有长足进步吧,又觉得技能点好像点错了。
觉得中国叙事开始要走向国际了吧,又觉得整体水平参差不齐,抄袭和模仿仍然占据着最大比重,并且一股子浓浓的「登味」。
导致现在我们认为能在国内外拿得出手的,仍然是第五代导演的年代文学作品改编的故事片,《让子弹飞》时期的姜文,《疯狂的石头/赛车》时期的宁浩,《三体》全球爆火时的郭帆。
有很多瞬间,都忘了看电影到底是为了给影视行业捧个场?
还是为了纯杀个几小时的无聊时间。
电影到底是什么?
以及陈佩斯的「灯」这几年中国荧幕上座率并不高,上映的电影作品整体水平是一个关键因素。
电影作为艺术和娱乐方式,观看的习惯和动机也在发生性质上的变化。
除了电影节期间,许多少男少女会去影院抢部分艺术和经典影片,享受和众人同观一影的体验。
除了春节假期,作为家庭娱乐消遣的主要媒介场所存在。
大部分带着问题和思考的影片,影迷们基本上都能够在自己的终端上反复观赏。
如果把电影作为第七大艺术来看待,她的审美是非常私人化的。
在影片里获得的答案和体验也是非常私人化的。
电影作为一个综合的艺术方式,提供了强大的叙事媒介、情感引擎、造梦空间、社会学的镜子和锤子、集体仪式的共享体验、以及高度统一的商业娱乐和明星体系。
但是观众从电影作品里面最希望看到的是他们自己。
他们渴望在电影里面看到自己情感的投射、经历的相似、梦境的再现、想法的碰撞、价值的共鸣。
最终能够找到部分的答案。
这部分的体验,和阅读一篇文章希望获得认可的观点、亲自创作一条原创而获得点赞和关注、与他人同事共谋一番事业的目的是一致的。
她需要你花费当前所有综合的知识和经验,需要你不断地否定和超越某个自己,遍历艰时与顺时而达到前所未有的全新认知高度。
她要求你不能简单出个行活,敷衍了事,观众乖乖掏钱买单。
然后是下一部行活的诞生。
我们想要到影院观看的电影,即便可以想象到没有那么高朋满座,但是看完之后有一部分的我们不是死了(比如时间),而是更加鲜活透亮了起来。
看完陈佩斯的《戏台》给我的就是这种感觉,自我的一部分在观影之后鲜活了一些,透亮了一些。
陈佩斯从1984年到1998年,11次登上春晚。
影视作品无数。
不能说老爷子的73年是憋屈的73年。
但相比较老搭档朱时茂有一部载入中国电影史册的《牧马人》,陈佩斯在中国舞台上的最高成就仍然停留在《吃面条》、《主角与配角》、《警察与小偷》这些春晚小品上,以陈佩斯的表演才华和家族人脉,自然让人唏嘘和惋惜。
与春晚的版权官司让陈佩斯离开屏幕整整27年,2003年开始专注话剧舞台,期间创作的《阳台》,《戏台》和《惊梦》可能会成为陈佩斯回归荧幕的舞台喜剧改变三部曲。
《戏台》很多人说他本子老套,说他用女性描边,说他也是登味十足。
我想吧,这些评论全部都能接受。
因为陈佩斯还是那个27年前的陈佩斯,但主力观众已经不是那批守着电视看他春晚小品的观众了。
《戏台》是他给27年那次离开后第一次在荧幕上展开的帷幕,他并不承诺为了这个时代的任何“新”而承担什么宏伟叙述,承担什么暑期档票房担当。
当然佰亿快餐电影的那几位也没有承诺过什么,他们更加朴素地说自己只想逗大家一乐。
现在票房超5亿不是陈佩斯应该和必须要达成的,他只需要赚到房子抵押的钱、投资人的钱+回报利息、几位零片酬演员的出场费即可。
《戏台》今年暑假的逆势翻盘,是陈佩斯这盏长明了几十年的「灯」在试图点亮和点醒这个行业以及市场观众心中那一盏盏想要看一部完整的、没有套路、纯粹戏剧、三一律的、尽心打磨、没有行货的灯。
况且参加这部《戏台》的各位零片酬演员的表演精准且始终在线,没有压力和包袱,连日益圆润的黄渤都些许回到了他《疯狂的石头/赛车》、《杀生》时的那种唯有黄渤他自己才能演出来的市井小人物感。
这5亿票房是陈佩斯27年“干干净净”的奖励和鼓励,下一部陈佩斯的电影,我们可就得抛开委屈、抛开情怀,认认真真地评价了。
「灯」和「登」,一念之差,就是27年。
不希望再看到有人用27年憋屈地守一盏灯,也不希望中国商业片永远「登味十足」;希望每一个人都能用27年时间创造一盏盏灯,做数不尽的好戏。
期待七旬“古稀”陈佩斯的下一部影视作品。
戏台 (2025)8.02025 / 中国大陆 中国香港 / 剧情 喜剧 / 陈佩斯 / 陈佩斯 黄渤
1. 六姨太是剧情的推动力,没有她想看戏,大帅对戏根本不感兴趣。
2. 六姨太是对极端粉丝的讽刺,剧情说她背景从小集曲集,原本觉得她懂戏。
但是却认不出霸王扮相的大嗓儿,由此可见,霸王的唱功如何不重要,霸王的帅不帅也不重要,重要的是霸王的扮相。
3. 大嗓儿是带资进组的脸谱角色,票友的水准,却赢得了大帅的赏识,大帅不知道也不关心他的水准,只要“投缘、老乡”就可以了。
4. 大帅不只是资本,也是干扰艺术创作的种种因素,因为在河前死过很多兄弟,所以霸王不允许死,甚至写霸王死的编剧也要死。
5. 侯班主和吴经理虽然价值观不同,却是穿一条裤子的,他们共同的追求就是来一帮不闹事的观众,好好交钱看戏。
6. 凤小桐象征着艺术追求,有点致敬电影霸王别姬的味道。
但是人物的处理有点莫名其妙,一开始似乎在和金抢风头,看到金和六姨太在一起,又会生气,最后看到上台的是金又欢喜万分。
7. 大帅以为戏班子在压腿和开嗓的时候,是一种对外行指导内行的精神复仇,阿q式的胜利。
8. 当有观众表示对软色情,思悦的声线扮相不满时,和大帅河边死过的兄弟的出发点没什么不同。
陈佩斯老家是太原,陈强在这里长大,进入话剧界,直到成名。
做为太原人,对他还是有感情的。
陈佩斯德艺双馨,我也非常尊重他。
但是,电影人物塑造,故事构思,节奏,叙事方式,都老套而陈旧。
放到八十年代,还算是可以的片子。
放到90年代就很一般了。
更何况现在是21世纪20年代中期。
当年陈佩斯坚持拍电影,把几个投资人包括他自己赔得倾家荡产也证明了他在电影出品和制作方面的水平是不行的。
现在看了《戏台》,发现他仍然没有变,还是不行。
但这个不行的电影票房却一定是行的。
为什么?
因为现在有流量了。
谁的流量大,谁的电影就会被更多人知道。
谁被夸得多,谁的电影就会有人买票看。
仔细找找现在各种自媒体平台,各种营销号把《戏台》吹了一遍又一遍,大量的豆瓣9.6分的报道(显然是故意张冠李戴,李代桃僵,把话剧的评分说成是电影的),我们欠陈老师一张票等等言论必定会骗进去一大批人贡献票房。
当然也不能完全说骗,有的人就抱着再烂的电影我也要让票房冲上去,因为陈佩斯的人设太好了的心态。
所以,即使《戏台》的电影再烂,也挡不住《戏台》的上映期变成一场怀旧和致敬的狂欢,人们看得不再是电影的质量,而是狂欢节的气氛。
—————————————— 下面有没看过电影却非要为电影抱打不平的人,要我再具体的说说哪儿不好看。
好,满足你们!
浮夸的传统“伺候傻军阀”戏,你肯定熟悉,再来一遍,里面一点儿新意都不加,有何意义?
各种讽刺,却都没人会生气会打击会报复会产生矛盾,感情您是自娱自乐呢?
这不是电影,这还是话剧,就是那种话剧用摄影机录了一遍,让大家花钱看的话剧录像,人物和台词实在处处都是太用力了,段落、腔儿也像半点儿不改啊,表演用的那劲啊,力气大得在影院里能把观众压得透不过气来,有时几个演员平行放一个镜头里更是演都不演了,应付!
没有流畅的电影叙事,一个事件自然段在一个场景甚至一个镜头里说清了能往下走了,但还反复嚼反复嚼,自我欣赏的不得了,完全不管观众,就像是为了不浪费一场布景,给待场人员拖准备时间一样。
而且叫春这种剧场小荤段儿留着还有必要嚼这么细?
观众没见过世面没看过,第一次开洋荤嘛?
最后,这种概括为“低等级人遇到高等级人”模式的小品戏,越拍越多,还越拍越细范儿了,现在再看为什么感觉这根本不是讽刺,而是坦然的炫耀与无耻的示范了呢?
剧情有点老套,六姨太这个角色啥意义?
道理我都懂,但作为电影这得不及格吧。更可怕的是来看的都是坚持看春晚的那种“啊呀打死了”。欠下的戏票还以为可以用电影票来还,怪我咯!
大烟抽尽了也比某些人身板正
许久没在影院看到遵守“三一律”传统的作品了,正如片中五庆班坚持不改传统戏曲《霸王别姬》的内容,“老祖宗留下的东西,真地道呀”。过去只知道陈佩斯是好演员,如今才明白他也是位好编剧——不疾不徐地铺排每一条线索,将如此精彩而荒诞的好戏呈现出来,牵引着观众对“桌下炸弹”爆发的期待;同时也是一位好导演,对演员和场景的调度都极为娴熟。高潮部分金老板和凤老板的舞台依旧,让我瞬间想起了泰坦尼克号上的那几位小提琴家。艺术不朽!
电影之烂烂过臭鸡蛋,台词用力过猛,有些瞬间我都怕姜武在电影里累死。故事情节过渡和冲突是很生硬的,还没有从话剧里分离出来。其次,不喜欢用女人身体来搞笑,可那是电影里唯一的包袱。最后,我觉得尹正和余少群演的好,余少群很有戏味,尹正亦正亦邪,还挺有表现力的。总结,很老登的一部电影。
7.14点映。怎么说呢,舞台剧和电影形式确实不一样吧,但电影版整体是及格线以上的,荒诞与悲凉要比喜剧部分更强。尹正虽然肿了,但是演净角花脸还是太幽默了。
如果姜文是爹味儿,那陈佩斯就是爷奶味儿了。全片充斥着对外地人、底层人和女性的歧视。用八十年代的技法抒发九十年代的情绪。点映时期的那波差评真客观。
《戏台》终于拍成电影了,和话剧相比,电影提供了更丰富的视听语言,打破了话剧的局限,把这个在剧院里演了十年的故事又丰容了。如果你没看过话剧,很久没见过陈佩斯,想知道当年那个陈佩斯这几年都在忙什么,这部电影里会有答案,他没变过,也不会变。35 年前,陈佩斯在小品《主角与配角》中喊出那句「你管得了我,你还能管得了观众爱看谁吗?」当电影里洪大帅在台下拿着刀逼迫观众鼓掌,篡改戏文时,这部戏似乎想要传达的也是这句话的延伸。舞台上,霸王项羽宁死不屈,坚守至最后一刻;舞台下,五庆班在漫天炮火中,守住了戏曲的魂魄;屏幕之外,陈佩斯早早淡出主流视野,执着于自己的艺术表达,人生如戏,人总会消失,而作品的生命是无限的。
1话剧,2热,闹,但缺乏人物、心理,主题更胡乱拔扯,属于上个世纪的电影和审美
怎么还拍成样板戏了?
玩颜色笑点一律三分以下
大嗓儿和洪大帅很适合组个相声组合出道,两人在后台的一唱一和笑鼠我了,简直绝配
电影感太差了,收场收得挺利落(确实如朱时茂说的不需要彩蛋
有笑点,有些段落的演技可圈点。总体而言无新意,很多陈凯歌《霸王别姬》影子。严重厌女。
包袱太老了
已然无法吸引年轻观众了,应该早影视化两年的,或者说让话剧就是话剧、电影就是电影吧。
布景和画面很好,但其他的已经不能用平庸来形容了,许多情节毫无必要的冗长,根本不必拉扯到两个小时,喜剧部分过于低俗,升华转折十分割裂,前一秒硬挠痒痒下一秒就想给你上眼药水,价值观硬生生直给,但来来去去毫无新意,只演出胡闹的大帅演不出压迫感,结尾的炮火也毫无感染力,什么乱世什么强权什么坚守就成了空话,极其尴尬,别提什么隐喻讽刺,就那点肤浅的东西有什么可隐喻的,看见女人就是只能想起大白腿,有意思吗?您和您看不上的那些人又有什么区别?老祖宗的东西不能丢,但只勾个脸就连班主和师弟都分不清角儿和一个送包子的,这东西又怎么会不丢呢?连话剧腔都够不上,最多是个超长小品,陈佩斯是一辈子也没走出自己那几年的阴影。
老登味儿十足就是有看点有深度吗。你们戏比天大,别嚯嚯女性角色。没有必要可以不写,不用硬上价值
精彩有趣,真诚动人!非常喜欢这个剧本,围绕一场梨园戏台背后的群像,展现乱世背景下小人物的喜怒哀乐。陈佩斯不愧是一流的喜剧大师,对表演、台词和场面调度的掌控细致入微,原剧本在舞台打磨多年,故事构建与起承转合非常完整,电影版又做了扩写,丰富人物支线的同时平衡群像塑造。前半段是是嬉笑怒骂的荒诞喜剧,由一连串意外制造的窘境,各路角色粉墨登场,三教九流的市井味和烟火气刻画得很鲜活,身份错位制造出极强戏剧张力,叙事一波三折,后半段是笑中带泪的时代悲剧,不仅是老艺人的辛酸悲歌,更是艺术创作者的夫子自道,原本圆滑顺从的小人物也有对艺术的固执坚守,外行干涉内行的讽刺拉满,荒诞戏谑中透着现实隐喻,黄红蓝三位大帅轮番上台仿佛历史轮回,京剧戏文《霸王别姬》与戏中角色命运形成互文,剧本值得咂摸细品的地方很多,值得二刷
比较讨厌用女性角色做花头 也比较讨厌一些恶臭直男梗 整体笑点一般 戏剧冲突比较强全片只有四个人在戏里