这个片子主人公是虚构人物,但台词和故事高度贴合20s好莱坞时代背景,和《好莱坞往事》类似,属于了解那段八卦的人会越看越兴奋到处都能找到熟悉的名字,不了解的越看越懵感觉很冗长。
列一点想到的/查到的背景和梗,先不争论这种内部梗过多算不算导演自嗨,就当是梳理给对这部电影感兴趣的人,看个乐子。
1、女主原型:20年代女明星Clara Bow这个信息很多地方都有。
Bow是默片时代女星,纽约穷人出身,经过很短的培训后就开始从影,20年代红极一时,把(比较拉跨的)父亲带到好莱坞住,在默片时代过去后风光不再郁郁而终,这个和片中女主都是符合的。
Bow她比较出名的就是妆造很有特色,是后来的动漫形象Betty Boop的原型人物。
Bow的经典银幕形象是性感女孩,及时行乐,享受恋爱。
她这个人设也和当时一战后大繁荣的狂飙年代整体的社会氛围(起码在好莱坞是这样的)互相成就,很典型的flapper girl。
2、男主原型:20年代男明星John GilbertGilbert是米高梅大明星,帅哥大男主。
默片转有声电影之后同样风光不再,一说主要是因为嗓音比较柔和,和之前深入人心的银幕形象不符。
当时遇到这种情况的默片明星还挺多的,毕竟默片时代观众听不到嗓音,会脑补一个比较贴合人物的声音,结果有声片一出来,发现真人声音和想象的落差太大的话,肯定会失望。
还有一说是Gilbert声音没有问题,是因为他得罪了米高梅大老板Mayer(一个毁人不倦的大独裁老板),Mayer授意录音师把他的声音调得又高又尖,恶意毁掉他的事业。
他还有个事迹是和冰美人嘉宝谈恋爱,结果结婚现场女方反悔,给他造成很大打击(嘉宝真的是挺冷的)。
多种因素吧,他最后也意志消沉,38岁就酗酒过度,心脏病去世了。
3、宴会上意外去世的女孩电影比较靠前的大party戏中,一个胖演员和一个女孩在一起玩耍,后来女生离奇死去。
这个情节的原型应该是20年代好莱坞很著名的Roscoe Arbuckle谋杀案,简单说就是在著名的喜剧演员Arbuckle的宴会上,一个女演员离奇去世了。
当时关于女生的死因谣言满天飞,有说Arbuckle侵犯女生导致的(他本人体重比较大)。
但经过三次轰动全国的公审,调查出女生应该是堕胎导致的感染去世,Arbuckle被宣告无罪释放,不过他本人的演艺事业也就此画上句号了。
Arbuckle这个大案所导致的后果比较严重。
当时好莱坞还有其他几起类似情况的死亡案件,经过媒体夸张的宣传,就给大众留下一种“好莱坞穷奢极欲、道德粪坑”的印象。
电影行业为了自救,开始进行道德自治,就有了后来的海斯法典用以规范电影的内容,进行道德伦理审查。
也能在片子后半段看出来,大家明显都开始变得礼貌客气(好莱坞道德历来就是墙头草🙈)4、报业大亨Hearst和他的情人上一段里说到的大肆报道宣传好莱坞八卦的媒体,主要就是Hearst和他的报业帝国,他靠报道上面的 Arbuckle谋杀案卖了不少报纸,这个人物在片中也有出现。
他是《公民凯恩》的原型,也是前几年大卫芬奇的电影《曼克》里重点描写的人物。
他的情人是漂亮女演员Marion Davis,在电影里出现在女主发疯的那个高端人士聚会上,形象是个漂亮精致的金发女郎。
她被好莱坞同事们赏识主要是因为派对表现非常活泼,但一拍电影她就紧张,且说话结巴(片中也有提及)。
Hearst找各种办法给情人推资源,但是结果一般,最后她在Hearst去世几年后和别人低调结婚。
Marion本人
电影《曼克》里的Marion5、好莱坞的华人女星片中的华人女星很出彩,会写字幕卡会唱歌还能杀蛇。
这个角色应该是致敬当年好莱坞知名的华人女星黄柳霜(Anna May Wong)。
她本身是三代美国移民,出生在洛杉矶一个华人洗衣店家庭,会说中英法德四国语言,在30年代出演很多电影中出彩的华裔配角。
当然,由于当时好莱坞种族歧视严重,她的从影道路也遇到很多困难,也曾像片中的华人女星那样去欧洲闯荡。
这位姐姐长得美丽又神秘,多放几张照片~
6、米高梅大制片人Irving Thalberg 片中出现的制片人Irving,也就是男主糊掉之后给他打电话拜托他救急的那个。
他是把米高梅变成主流大制片厂的关键人物,一个天才+工作狂,37岁就去世了。
本人7、默片时代美艳diva:Gloria Swanson电影里的战争戏片场,男主打电话给Gloria Swanson让她帮忙联系演员。
这位老姐姐默片时代演美艳大女主成为巨星,有声时代沉寂了一段时间后又复出,还靠演《日落大道》女主提名奥斯卡(演的也正好是个过气默片明星),算是默片明星中结局比较好的。
她本人性格应该是不错,看过她五六十年代的电视喜剧作品,很洒脱放得开。
8、喜剧明星基顿及劳埃德
卓别林、基顿和劳埃德是默片时代三大喜剧明星,卓别林胜在作品的社会性强,在有声时代依然坚挺;基顿出身杂耍剧院,特效设计和动作戏非常惊艳,安利《福尔摩斯二世》和《将军号》;劳埃德以拍摄惊险场景出名(《安全至下》)。
基顿
劳埃德9、《爵士歌手》的上映:默片明星们的噩梦片中男二(年轻电影人Manny)去看了一场电影,现场观众反应很热烈,结束后他飞快跑到电话亭给男主打电话汇报这部电影的情况。
这部电影的消息之所以重要,是因为这是第一部使用有声对话的电影——1927年的《爵士歌手》,也就是第一部真正意义上的有声片。
当时的默片电影人翘首以盼这部片子上映之后的反响,以判断未来的电影行业方向(有台词水平不太好的女演员看完观众这么热烈的反应,出来直接哭了,觉得自己前途一片黑暗)。
这部电影是当年票房冠军,也宣告了有声时代的来临。
《爵士歌手》10、默片转有声电影的大变天像片中男女主这种一夜跌落神坛的情况,在当时真的太普遍了。
默片时代的大明星,在有声时代来临后的银幕幸存率低得可怕。
除了上面说到的嗓音问题,还有片中展现的收音、音效制作技术不成熟,导致大家都很难适应。
刚入行不久的年轻人转型还比较快(比如Joan Crawford),已经习惯默片制作方式的成熟演员就不行了。
同样,片中男女主的结局在当时也不少见。
那个年代来好莱坞闯荡的年轻人很多都原生家庭较差,没经过太多教育,又骤然经历一夜成名、暴富和穷奢极欲的生活,在默片时代过去、往日风光一去不复返之后,很多都很难承受打击,意志消沉、酗酒、精神出问题甚至意外去世的不少见。
11、反复出现的《雨中曲》元素片中男主被拉去拍夸张滑稽的《雨中曲》短片,他还挺不情愿。
这首主题歌最早在1929年第一次在电影中出现。
后来片尾男二故地重游,看了1952年上映的《雨中曲》。
这部电影讲的也恰好是默片男明星进入有声时代遇到职业障碍、年轻女演员帮他找到突破口重振信心的故事,里面男主的有声电影音效奇怪、上映后遭遇观众哄笑,这个电影画面也在本片中出现,让男二忆起往事,泪流满面。
不过《雨中曲》本身是个轻松愉快的经典音乐喜剧,没看过的可以补补~
《雨中曲》里这段和本片里拍的场景还挺像不过最后回头来看真的好奇,导演对1920s好莱坞故事这么如数家珍、这么沉醉于复现那个逝去的狂飙年代,但服装造型还原度上真的不算考究,不知道这点他是怎么考虑的🙈
作者:Richard Brody / The New Yorker(2022年12月22日)校对:覃天译文首发于《虹膜》我一直怀疑,达米恩·查泽雷的电影所招致的恶意与观众对其主题的热爱成正比——他在《爆裂鼓手》中对爵士乐的滥用,在《爱乐之城》中对表演和爵士乐的滥用,以及在《登月第一人》中对历史的滥用,使那些最关心这些话题的人感到不安。
与此同时,那些爱好者们也对他创造神话的方式感到欢欣鼓舞——他把人物及其斗争宏大地扩展为史诗般的旅程。
仿佛是通过《星球大战》对宏大神话的化用而感受到它的力量之后,查泽雷将其中的经验应用于自己的工作中,并将它们升华成一种幻想。
查泽雷在《巴比伦》中再次做到了这一点(尽管与他的前作不太相似),该片的背景主要是1926年至1932年的好莱坞。
它与查泽雷的其他电影的不同之处,或者说它与最近另一部由感性泛滥的导演拍摄的动人电影——斯蒂文·斯皮尔伯格的《造梦之家》——的共同点,在于其讲故事的活力。
我认为这两部电影的活力都来自同一个源头:知识。
正如斯皮尔伯格了解他自己的过去一样,查泽雷了解好莱坞的传说,而且无疑在筹备和研究过程中了解了更多的细节。
在《巴比伦》长达189分钟的大部分时间里,正是这部电影的精彩轶事,而不是任何戏剧性的情节转折,使其引人入胜。
它还将这些传说照单全收,附以传奇的光环,既突显了古典好莱坞的真实事件,也强调了它的荒诞奇闻;这些故事似乎生来就是要被查泽雷搬上大银幕的。
《巴比伦》和《造梦之家》,以及萨姆·门德斯的《光之帝国》,构成了一组「电影魔法」三部曲,笼罩着一种熠熠生辉的复古光芒——对好莱坞往昔辉煌的怀旧崇拜。
斯皮尔伯格的电影设定在50年代和60年代初,门德斯的电影设定在1980/81年,两人都将那些时代的电影视为救赎之作。
令人惊讶的是,查泽雷的电影是十分矛盾的;它对其所处的更遥远时代的好莱坞电影不置可否。
奇怪的是,他似乎对这些电影没有什么可说的,以及对于它们是什么样的,是什么让其中一些电影变得伟大、另一些则隐于影史也没什么观念。
这部电影所推崇的,以及查泽雷似乎喜欢的,是那些使好莱坞赖以成名(而又臭名昭著)的特质——具有远见的大胆和纷繁浮华的过度,轻佻无忧的粗俗和漫不经心的麻木,广阔机会和自我毁灭。
《巴比伦》是对《雨中曲》的悲剧式改编,同时带有讽刺喜剧的风格。
影片的第一场戏就奠定了讽刺的基调,一头大象的屁股里泻出了大量粪便,同时它被运往一场盛大的好莱坞派对。
就像斯坦利·多南和吉恩·凯利1952年拍摄的经典之作一样,《巴比伦》讲述了好莱坞从无声电影过渡到有声电影的故事,而且它或明或暗地对《雨中曲》有所致敬。
影片以三个人物为中心:有抱负的女演员妮莉·拉洛伊(玛格特·罗比饰)与《雨中曲》中专横、娇气、嗓音欠佳的默片女演员琳娜·拉蒙特(实际上,她在本片中充当了背景故事)相呼应;风度翩翩而又态度诚恳的男演员杰克·康拉德(布拉德·皮特饰),对应着吉恩·凯利在《雨中曲》中饰演的唐·洛克伍德,如果不能唱歌和跳舞就只能面对黑暗的命运;第三位主角实际上是前两者之间的中间人,制片人的小弟曼纽尔·托雷斯(迭戈·卡尔瓦饰),当他看到妮莉开车撞向一座雕像时,他立刻爱上了她。
他邀请她参加了他老板的疯狂派对,在那里她被注意到,并拿到了一个小角色,使得她开始崭露头角。
曼纽尔——或者说曼尼,她给他起的绰号——一直梦想着在片场找到一份工作;在派对上,曼尼遇到了杰克,后者对他很有好感,并为他争取到了想要的工作。
对查泽雷来说,这些电影的救赎之处不是观看它们的体验,而是参与制作它们的裨益。
这部影片里没有年轻的斯皮尔伯格,用一台小摄影机和身边的人一起创造好莱坞式的奇迹;相反,这里有的是曼纽尔对成为更「伟大」的人的渴望;妮莉对逃离地狱般的家庭生活的强烈愿望。
(当影片中的导演问扮演一个小角色的妮莉,她是如何轻而易举地做到立刻落泪的,妮莉回答说:「我只是想到了家。
」)这位有抱负的女演员不加掩饰地表达了她进入电影圈的原因:「你不会成为一个明星,你要么生而就是明星,要么不是。
我当然是明星。
」至于杰克,他知道自己在成为明星之前是个无名小卒,他致力于拍摄与「现实生活中的人」有深刻联系的电影;为了做到这一点,杰克希望电影更加创新、更加大胆、更加艺术。
他希望电影能够像十二音技法和包豪斯建筑一样成为最新和最前沿的事物,「以便某一天一个孤独的家伙能够大声说出,『尤里卡,我并不是孤身一人。
』」更有意思的是,他把声音在电影中的出现比作透视法在绘画领域的发现。
查泽雷呈现了无声电影拍摄时那种自由散漫的无政府状态:大喊大叫、嬉戏作乐、在镜头前说废话、激烈的即兴表演、最后一刻的惊险动作。
他认为,以这种方式拍摄的电影展示了人们的真实面貌,与有声电影早期摄影棚内有条有理的庄严和戏剧性的技巧形成鲜明对比。
妮莉在无声电影中无拘无束的大胆和杰克在无声戏剧中多愁善感的真诚也大相径庭,使得杰克与一个充满活力的合唱团表演《雨中曲》的笨拙姿态受到了嘲弄,也使得未经专业训练的妮莉在她拍摄第一部有声电影时难以记住走位和台词的僵硬肢体遭到了羞辱。
(后一场戏是查泽雷的典型套路之一,借用了《雨中曲》中刻画的有声电影拍摄的许多障碍元素——位置固定、隐藏在布景中的麦克风,影响着演员的走位和姿态,并且妨碍了他们的表演。
)鼻音浓重、带有新泽西口音的妮莉显然没有发展(甚至没有主动寻求)过渡到有声电影时代所需的戏剧技巧;她忙于沉溺于各种形式的自我毁灭。
曼尼从勇敢无畏的助手(破坏罢工,偷救护车)迅速晋升到了制片人的位置,但他对公司的奉献和忠诚让他渐渐迷失了自己,因为他背叛了原则和友谊,并在痴情的爱恋关系中陷入了悲剧性的结局。
这些精神处于疯狂边缘的主角只是众多人物中的一小部分:没有原则但眼光独到的八卦专栏作家伊莉诺·圣约翰(珍·斯马特饰);陷入不幸的恋爱中的制片人乔治·穆恩(卢卡斯·哈斯饰);有天赋且锋芒毕露的女导演露丝·阿德勒(奥莉维亚·汉密尔顿饰);插卡字幕作者、女同性恋艺术家茱菲女士(李丽君饰);黑人爵士音乐家席尼·帕马(约翰·艾德坡饰)——曼尼帮助他成为了明星;脾气暴躁的德国导演奥托·冯·斯特拉斯伯格(斯派克·琼斯饰);毒贩、有抱负的演员「伯爵」(罗里·斯卡沃饰);以及真实存在的「天才少年」制片人欧文·萨尔伯格(麦克斯·明格拉饰);还有一大群阿谀奉承者、信徒、代理人、梦想家和操纵者。
他们一起构筑了一个仙境、一个生产各种传奇故事的奇迹之国,无论多么矫揉造作或难以置信,都体现了现实中的激情、风险、破坏、肉体的欢愉、肮脏的财富,以及对它们的猛烈追求(不过至少还是有一丝——纵然经过稀释或掺杂——真诚的艺术野心)。
查泽雷对古典好莱坞的神话般的活力和内在悲剧的设想是以其内容为代价的。
影片中没有政治,也没有历史——1929年没有股票市场的崩溃(在现实生活中,这对好莱坞及身处其中的人造成了严重的打击),没有大萧条,没有选举活动。
也几乎看不到好莱坞的企业层面,或精明的董事会管理,以及电影公司的产业组织(这在金·维多1928年的好莱坞喜剧《戏子人生》中已经有所展示)。
这些缺失不仅仅是事实性的;它们为影片定下了基调,使悲剧变得肤浅,喜剧变得表面。
龙套演员被杀害,故事被封杀(除非他们决定放弃拍摄),但既没有相互对抗,也没有压制新闻背后的权力,更没有公司相关的法律事件,无论是威胁性的起诉还是迫在眉睫的审查——甚至没有《海斯法典》。
查泽雷将这个故事打造成了基于神话之上的奶油泡芙式的神话。
他为我们呈现了一部既不统一也不分散,而是极具同质化的电影,其现实和夸张的元素都被同化为散发着奶油色光茫的、充满遗憾的相似奇迹。
(科恩兄弟的《凯撒万岁》有两倍于它的内容,更多的幽默和同情心,而片长只有一半多一点。
)查泽雷还用一句话传达了对电影魔力的看法,这句话简直让我寒毛直竖、失魂落魄,当杰克面对一群充满敌意的新观众,问伊莉诺为什么他失去了吸引力时,她回答:「没有为什么。
」这大抵就像作家、化学家普里莫·莱维谈到自己被关在奥斯维辛集中营的经历的话语:他对一个做出了残忍行为的看守员问为什么,而那个看守员回答说:「在这里没有为什么。
」听到影片中的这句台词时,我几乎从座位上摔下来。
《雨中曲》提供了一种胜利主义的观点,声称战后好莱坞的新风格是对无声电影的矫揉造作和极端风格化以及早期有声电影的原始技术的进步。
它出现在好莱坞艺术和文化迅速变化的时期:《雨中曲》距离《公民凯恩》仅仅11年,距离法院判决帮助打破大制片厂的主导地位并为独立制片人打开大门不过4年,并且正处于将好莱坞推向经济危机的电视崛起期间。
雨中曲》的自鸣得意有一些美学上的理由,但它也有一条指向好莱坞自我宣传的主要线索。
在电影公司和影院面临经济灾难的另一个严峻时刻,《巴比伦》在某种程度上也是一部推销之作,为在大银幕上出现的独立电影提供了宣传。
像《雨中曲》一样,《巴比伦》从过去延伸到了电影的现在,用另一个基于事实的幻想——由潜意识的简短片段组成的疯狂蒙太奇,构建了电影史的弧线,从迈布里奇和卢米埃尔兄弟到60年代的现代主义者,再到最近的电影时代;它不可避免地朝着查泽雷靠近。
在艺术上,《巴比伦》为它所赞美的古典好莱坞增添了性和裸体、毒品和暴力、更多样化的演员,以及一系列厨房水槽电影式的混乱,鼓励人们买票、把目光投向屏幕、在黑暗中崇拜,而不是进行条理清晰的思考。
原文链接:https://www.newyorker.com/culture/the-front-row/babylon-reviewed-damien-chazelle-whips-up-a-golden-hollywood-cream-puff
午夜酒醉,美艳心动女郎狼狈人蛇大战,皮特泪眼看着好莱坞之夜,配上奇幻的钢琴声,让没经历这一幕的我有了强烈的爱情感,电影能给我这种感觉绝对是头一次,这已然成为了我生命中又一个极为珍贵的电影时刻。
这一段可以与昆汀的枪击德国玫瑰相媲美,真不愧是驾驭过奥斯卡最佳配乐的男人,我现在相信了,所有的电影都是音乐的“裙下之臣”。
本作总体可以称为拼凑电影,可看作对《雨中曲》的华丽翻拍,也可看作是查泽雷自己版本的《好莱坞往事》(连演员都没换..)追车戏可以找到《爆裂鼓手》的影子,一男一女追求自己的好莱坞之梦也可以找到《爱乐之城》的影子,后半段追杀模仿昆丁《低俗小说》很明显,最后的混剪模仿《天堂电影院》...不管怎么说我觉得做得还是特别好,很棒,没有东施效颦之感,所有电影人都应该都会有所感动。
结尾太拖沓,想表达的太多,但并没有起到升华主题的效果,失去了干脆利落的感觉。
查泽雷的风格越发清晰:爱情,音乐歌舞,奢华好莱坞梦,声色犬马灯红酒绿,创造力,想象力,凌乱的美艳的吸引眼球的画面,“奇观电影”,看好会成为独树一帜的大师,音乐歌舞昆汀。
电影就应该是把自己想象的奇观生活展现给观众的路子,这是我见过最正确的路。
确定了有钱后的富裕电影之路:奇观电影。
“给你车加油的人为什么会去看电影?
为什么因为电影让他不那么孤独。
”她起势了,与他拉开了距离,下一幕就该改头换面,他高起而她低谷了。
“那曾是世界上最神奇的地方,对吧?
每一个片场,每一篇评论,每一场恋情,每一次分手。
”奢华的,极度丰盈的场景,让人十分信服这电影是把钱可着劲花...
YO!
每位拍电影的导演,都会对电影本身有着自己的诠释和表达。
影史上能排在我心目中前十的佳作,其中就有《天堂电影院》,一位对电影和人生的遗憾的美好。
每隔几年,都会有导演都借着故事夹杂自己私人的情感,抒发对于电影的钟情和浪漫。
昆汀的《好莱坞往事》,詹姆斯·弗兰科的《灾难艺术家》,大卫芬奇的《曼克》,还有斯皮尔伯格的《造梦之家》等等。
其中达米恩·查泽雷继《爱乐之城》后,再次把导筒转向更为直接瞄准好莱坞电影戏里戏外的《巴比伦》,这位在《爆裂鼓手》一敲而红的达米恩,不仅痴迷于爵士乐,还乐忠于在作品中呈现角色为了追求梦想所倾注的所有。
《巴比伦》这次的故事时间背景,直接退回到了1920-30年代的“好莱坞黄金时代”!
接下来我们就趁着过年的热闹气氛,穿越回同样热闹非凡的二三十年代洛杉矶,看看那个特殊极尽奢华纸醉金迷的社会,是一种怎样的存在。
坦白讲,在《巴比伦》出预告时我还是很期待的,达米恩拿过奥斯卡最佳导演,还有那么十来分钟拿了最佳影片不过是个乌龙。
《巴比伦》2022在圣诞档北美上映,结果票房口碑都直接崩盘,让我对电影期待度下滑然后将至无感。
因为这种夹杂着自我表达作者向的电影,是真的很容易搞砸的。
不过等到电影在我这边上映时,我还是决定去一看究竟,顺便也帮大伙伴们验验货。
原本决定这长达3小时的电影,如果开头半小时不吸引我就直接走人了。
BUT,《巴比伦》不得不说3小时的电影时长,却在我这显得如此短暂,如同好莱坞黄金时代那些虚幻浮华的泡影转瞬即逝。
那么《巴比伦》讲的是一个什么故事呢?
《巴比伦》从1926年某个炙热的夏天聊起,那时也正是无声电影的统治时代,影片由一位名不见经传的小助理曼尼开始,他正在为一家电影公司举办的私下狂欢派对拉一头大象过去。
能有大象作为派对嘉宾,可想而知这样的派对比《了不起的盖茨比》那要更为限制级太多。
果然那里的派对画面基本都得打码,当时美国正在执行禁酒令,能在派对肆无忌惮的喝酒已经不是什么新鲜事,就连各色的D品能像面粉一样随便享用,才是最猖狂的。
曼尼显然对这样隔三差五的放荡不羁,真·娱乐至死的派对见怪不怪,出门透气时,遇到了自称天赋型演员却根本没拍过片的内莉,由小丑女玛格特·罗比饰演。
曼尼对内莉一见钟情,并帮助内莉混进派对,机缘巧合明天开拍的一名女演员在派对神志不清进医院,自信爆棚好玩成性的内莉在狂欢派对舞池C位癫狂舞蹈,正好被制片人一眼相中临时安排去顶替那女演员,就这样内莉的梦想成名之路被开启。
她在片场不仅一条过,要眼泪有眼泪,夺眶而出还是眼眶打转导演你说了算,眼泪落下一滴还是两滴都能控制,用内莉自己的话说,这不是演技,她天生就是演员。
在派对最瞩目的焦点明星,是布拉德·皮特饰演的杰克·康拉德,只要是他主演的电影,都会成为当时的热门大制作电影。
巧的是,另一部给好莱坞的情书《好莱坞往事》也有皮特和罗比。
另外还有李丽君饰演的歌唱家朱小姐。
以及珍·斯玛特饰演的尖锐影评家艾莉诺。
黑人爵士乐小号演奏家西德尼。
影片就是在这些角色在好莱坞拍片时兜兜转转戏里戏外的人生,由小助理曼尼串起所有的故事脉络,曼尼爱上了内莉,而内莉因为演技大爆发被导演和制片人看中,迅速跃升为影坛新秀红极一时,而曼尼在派对偶然的机会能送大腕杰克回家,做起了杰克的贴身助理,然后通过自己努力摸爬滚打在好莱坞,慢慢跃升为执行制片人,制片人,导演,行政总管等。
随着电影技术工业进程的推移,默片时代开始走向衰落,有声电影开始进入大众视野,正如现在流媒体时代一样,那时的部分电影人喊着“电影已死”,电影的黄金时代要结束了。
曾经那些默片时代的高片酬炙手可热的演员被打得措手不及,比如片中的杰克和内莉,对于表演时外加的收音,台词的功底等知识都基本为零。
更惨的是他们的自身的音色,被熟知他们的观众不认可,这是最无法改变的事实。
这就像我做了那么久的视频,突然有一天我在视频里露出相貌时,大家都无法接受这个声音怎么能配张这样的脸失望至极。
在一个时代的洪流中,那些被淘汰的不仅仅只是片中的主角,还有一整套系统,但从电影生命来看,电影也迎来了一个全新的迭代和转折。
有声电影时代,有人成为了新的杰克·康拉德和内莉,一些辉煌的往事,也跟随默片埋藏进无声的土壤里,不过浪漫的是,当某一天如果哪怕有一位观众回想起来,拿出那些尘封多年的默片,依然能看到银幕前有趣的灵魂鲜活的跳动。
《巴比伦》虽然角色和剧情都是虚构的,但其实《巴比伦》并非完全捏造了那段历史,而是有迹可循,首先《巴比伦》的灵感蓝本来自一本叫《好莱坞巴比伦》的猎奇书,这本书记录了好莱坞黄金时代的花边新闻。
很多人觉得为何叫1930年代为好莱坞黄金时代,因为那个时期确实是电影发展的鼎盛时期,成名的明星非富即贵,最重要的是受到的约束很小,虽然今天我们能看到大牌明星也有钱,但相比较于那个黄金时代,明星更可以为所欲为。
影片中描绘的浮华绚烂荒诞且限制级的派对,也在那个时候比比皆是,尤其是1920年移民大量涌进美国,所以对于暴力和生命,并没有今天那么得到重视,在影片中那些在派对和片场死去的人,都显得有些不值一提。
玛格特·罗比饰演的内莉,在现实中参照了克拉拉·鲍,她的母亲患有精神病,曾经差点杀了克拉拉,父亲则是一个酒鬼。
克拉拉成名后,不止一次说自己有表演天赋,但有声电影来临后,克拉拉也就凋谢了。
布拉德·皮特饰演的杰克·康拉德,原型是约翰·吉尔伯特,他曾经娶过四个女演员为妻,风流倜傥才华横溢,片中形象和现实中给的都很接近。
现实中约翰同样也被抛弃在了有声电影迭代的洪流中。
影片中那位朱小姐,在现实中对应的可能就是黄宗霑的堂妹黄柳霜,黄宗霑是伟大的摄影师之一,曾经拿过10次奥斯卡提名和2次奥斯卡最佳摄影。
而黄柳霜在好莱坞曾经参与过60多部电影作品,最著名的是那部《上海快车》。
其中有一次差点可以担任女主,出演赛珍珠的著作《大地》,但遗憾的是米高梅拒绝了由华人来担任主角。
这部1937年的《大地》,最后男女主角是由保罗·茂尼和露易丝·蕾娜两个西方人来演中国人,而这部电影还拿到了次年奥斯卡最佳女主和最佳摄影。
影片没有直接提到朱小姐被职业歧视对待,只是提及这是默片时代的结束,而现实中黄柳霜因为被歧视回祖籍中国,然后跟随梅兰芳学习京剧,在二战时还淡出影视圈,专注于支援中国的抗战,战后开始才渐渐恢复演艺事业。
这些好莱坞当年的各色人物的故事,交织成了达米恩导筒下的《巴比伦》,或许也正因为有了这些真实人物的对照,从而让影片和那个真实的历史有了不少对比,然后加深了一些观众觉得影片过度浪漫化的处理。
不过可以感受到,达米恩·查泽雷真的,真的好爱电影,能感受到他把对电影所有的爱都倾注在了《巴比伦》。
如果《巴比伦》能早15年问世,或许能收获更多赞誉,这是一部需要你愿意付出3小时“把心交给电影”的电影。
最后结尾那段对电影表白的剪辑,大爱。
我在怀疑达米恩是不是也是EVA的粉丝。
诚然我是真的挺喜欢这部电影,达米恩近期的电影带给我很多的浪漫情怀,不过这些较为作者向的情节,也让他在《巴比伦》彻底放飞,喜欢的人自然会爱到不行,而相信如果你看了半小时无法进入,那么这部电影对于你来说,可能会让你看到支离破碎。
《巴比伦》在北美票房口碑的不如意,最大的讨论点在于对那段历史还原的混乱,角色过多,剧情的线头过碎,导致整部电影毫无章法打哪说哪而且一说就是半天,要是你碰到一场不感兴趣的戏份,可能就得忍受相当长的时间让那场戏结束。
从商业片角度来看,《巴比伦》确实没有太想讨好观众的意思,如果真的有,那么就是影片的整体影调都是以喜剧风格来表达,张扬且喧闹。
影片剧情的走线并不清晰,需要你自行调整观影情境,但如果你把预期调整为我是要看导演表达那个好莱坞黄金时代的眼泪,那相信你会很享受。
从文艺片视角来看,《巴比伦》似乎又比《曼克》,甚至《八号半》这样的电影更通俗易懂,角色细腻塑造比《曼克》要弱,思想深度又上升不到《八号半》的维度。
不管怎样,影片为我们展现了那段曾经巴比伦般传奇的好莱坞往事,投射了荣光和辉煌,虚荣和沉浮,野心和梦想,爱情和荒诞,羞耻和不堪,令人忘返但又致人反胃,最终留下的,是大银幕上的流光溢彩。
一个时代的结束,不需要理由,也没有为什么。
好喜欢怀旧浪漫复古以及幽默精致的影迷,不要错过这部达米恩·查泽雷的《巴比伦》,影片应该能入围2023奥斯卡一些奖项,起码入围最佳电影原声是没问题的吧,影片作曲家依然是担任过《爆裂鼓手》《爱乐之城》《登月第一人》的贾斯汀·赫维兹。
那《巴比伦》今天就先聊到这里!
兔年春节到了!
在这里大聪祝大家兔年吉祥,前“兔”无量,大展宏“兔”!
这才应该叫《好莱坞往事》吧!
本来今天想先看《造梦之家》,但是由于下载的是杜比资源,播放不太顺利,于是先看了《巴比伦》。
杜比,在当年,在默片时代,在刚刚进入有声片时代,在彩色电影时代,他们有人知道“杜比”这个词吗?
在杜比时代,在4k时代,在imax时代,在这个前人根本想象不出来的时代,这一群人,给彼时的好莱坞,献上了一封绝美的情书。
好莱坞应该就是这样的吧?
疯狂,糜烂,混乱,激情,天才,艺术,登峰造极……想不出来足够的形容词,我只知道它对电影史太重要了,它推动科技,科技又推动着它。
科技又使一些昨天还呼风唤雨的人今天就无人问津,令人唏嘘。
人们从默片时代跨入有声电影时,第一批见证这个历史的人们,居然忍不住对演员表演的嘲笑。
优秀的默片女神,迈入有声时代却被自己的嗓音困扰,从而又催生了配音行业……啊,这该死的迷人的电影史。
我能想象出,你们坐在那里,思维碰撞着,你们笑着,你们哭着,你们愤怒着,你们创造着!
片尾一部部经典影片的经典画面,让人泪目,古早的画面,他们开启了电影的各个时代。
尤其当我看到了我的好莱坞启蒙《终结者2》时,我落泪了,像曼尼一样。
也许它对于影史是一个不太重要的里程碑,但是对于我,对于当时那个从未看过好莱坞电影的孩童来说,却是观影的开始,是我睁眼看世界的开始。
每一部优秀的电影结束后,我都会认真地看到片尾结束,看这一长串的不认识的名字滚动上去,我羡慕他们,我嫉妒他们。
就像曼尼说的,我想做有意义的事,想做能够一直流传下去的事。
我嫉妒每一个出现在电影结尾的名字,真的。
我爱电影,我爱好莱坞,感谢你们带给我们的一切,让我们能够厚颜无耻地,平白无故享受你们创造的一切,然后对你们挑三拣四。
很遗憾,关于电影我有很多很多的激情和想法,但是很无奈,我身处牢笼身带枷锁,只能看着你们为我造梦了。
感谢。
我无法给这个电影超过及格以上的分数,因为它几乎在每一个方面,都是在延续过去。
如果七八十岁的斯科塞斯、德尼罗在《爱尔兰人》里吃老本,“致敬自己”尚且可以被接受,同样的“症状”出现三十多的查泽雷身上,就是不能被原谅的。
从主题上说,本片的三个主角几乎就是过去查泽雷所有主角的某种变体。
从《爆裂鼓手》“为热爱痴狂”,到《爱乐之城》的“为痴狂放弃爱”,再到《登月第一人》的“痴到尽头是落寞”,这似乎已经完成查泽雷创作母题的论证闭环。
所以罗比、皮特和卡尔瓦的人物,就是把三部前作做混剪+排列组合。
而演员们的集体呈现呢,几乎更无亮点可言。
罗比离小丑女哈莉奎因只差一个大锤子和一点面部油彩,皮特则是他从《大空头》开始过去几年的“业界大佬”式表演之上,略加了一点《十二猴子》的疯癫;卡尔瓦的表演谈不上多出色,之所以看上去并无重复感,或许也只是因为我们之前没怎么看过他而已?
而托比马奎尔,多少有点希斯莱杰那个味儿。
另一方面,查泽雷从一开始就宣布:本片不是纪实型,一切都源自“大胆想象”,除影迷元素以外,其他都纯属虚构。
当然,这并无不可,只是查导这次开的脑洞并不怎么美妙。
没完没了的姑娘,没完没了的大爬梯,屎尿屁混合着酒色财气。
以我的审美看,一个好的脑洞,很多时候并不复杂。
如果你有能力构建一整个世界观呢,那你厉害你牛批,你就是诺兰、刘慈欣;如果没有,你只需要在平凡的生活中开一个虫洞而已。
英剧《黑镜》早期几季的正面例子挺多的。
而本片的奇观堆砌,如果不是离我们的时代过于久远,恐怕会让人联想到郭导《小时代》的做派。
最让我受不了的段落,一是老妇人影评人对着皮特的一大段嘴炮输出,好家伙,导演先生你要不然直接开个杂志专栏呗?
二是结尾的“经典影片混剪”,我们真的不是在看《第十放映室》的片头吗?
导演您就非得按着观众们的头,拿着大喇叭对着我们大喊“我爱电影!
”不可吗?
如果说《爆裂鼓手》的少年心气、是血气方刚、是流川枫的单车、樱木花道的球鞋和板寸,那么《巴比伦》就是中年男人的新保时捷跑车,看似华美高调,实则只在重复的爵士乐里掩饰荷尔蒙分泌不足的尴尬。
我认为本片代表着查泽雷遇到了创作瓶颈。
在名气越来越大、经费越来越充裕的时候,他却只想着大力出奇迹的“再来一次”。
我爱《爆裂鼓手》,但是我也不想看到第二个《爆裂鼓手》,更何况十年后的查泽雷不可能、更不应该去再拍一部《爆裂鼓手》。
很遗憾的事,他在似乎还没想好如何翻开新的篇章。
声色犬马的名利场永远都是这个样子,只是在里面疯癫的人在不停的更换。
因此总有人想要进去。
Nellie得益于这样的疯癫,她在当晚就获得了梦寐已久的机会,而她也靠自己抓住了这个机会。
但即便一夕成名,她也依然是她自己,她可以在癫狂的舞池里成为最引人注意的那个,却无法融入觥筹交错的上流社会。
不管你有多受追捧,你是风景,就无法成为看风景的人。
Nellie的悲剧在于她并不是不想,而是无法成为那样的人。
她的怒气比之来自于对这些衣冠楚楚却内心龌龊之人行为的鄙视,更像是来自她怨恨没有办法也变成这样的人,显然这需要比一秒掉泪更高的演技。
她最后选择默默离开,是因为她放弃了,她放弃了自己,因为她发现Manny的爱,只会让她更厌恶自己。
Manny同样渴望成功,但他显然和Nellie不一样,他成功的道路更为艰难,没有一步登天的捷径,但同样也不存在一步跌落的悬崖。
而显然一步一步来会更容易适应这个世界。
看他解雇Fay,看他递给Sidney软木炭,似乎从进了MGM,他的性格也随着发型一起改变了。
初见时在地下室一起畅想电影梦的心意相通,变成了看着Nellie无法融入上流社会后大放厥词的困惑。
因为Nellie一直都是个从乡下来的贱女孩,而Manny这个曾经的墨西哥小伙,被人问起时说自己来自西班牙马德里。
Manny全然抛掉了自己的过去,除了对Nellie的一见钟情。
不管你再改变,心里总会给那曾经的清澈留一个地方的。
Manny当然也会,但他的问题是忘了这个地方的作用仅仅是用于凭吊。
结尾他的眼泪究竟是什么,是对电影的情,是对恋人的爱,还是对自己人生的悔,其实只对他自己有意义。
与他们相比,Jack Conrad似乎不在一个层面。
即便他落寞之后,似乎也比他们强出许多。
但他却毫无征兆的结束了自己的生命。
一个有过光芒的生命是不允许自己暗淡下来的。
他早已经把自己的人生活成了一部电影,一部个人英雄的史诗。
英雄可以死去,但不能泯然于人。
有些人的目标是登上金字塔,有些人则一定要立于塔尖。
声色犬马的名利场永远都是这个样子,只是在里面疯癫的人在不停的更换。
因此总有人不得不出来。
随着社会的进步,科技的发展,电影技术水平也在不断提高。
从无声电影到有声电影,从现在3D时代到即将到来的3D裸眼时代,无不表现着电影工业的进步。
《阿凡达》的横空出世标志着3D时代的到来片头二十多分钟酒池肉林的欢聚戏就是对好莱坞的一个“面部特写”。
将一个世纪之前的好莱坞令人向往又让人“作呕”的癫狂模样描绘了出来,而当下的好莱坞又何尝不是呢。
话说回来,影片中,随着电影技术工业进程的推移,默片时代开始走向衰落,有声电影开始进入大众视野,有声电影时代,有人成为了新的杰克·康拉德,他们曾经的辉煌随着默片落幕而离去。
不过幸运的是,当今天的我们回想起来,观看那些尘封多年的默片,依然能看到银幕前有趣的演绎,依然可以与那个时代进行一场灵魂的互动。
这是一封写给电影最浪漫的情书。
今天早上看到一个朋友圈,说去西部支教,本来抱着改变当地教育的理想没想到被学生给改变了,有个男孩天天台球喝酒骑摩托,也考上了高中放假蹭车去拉萨,像武侠小说里的人一样边玩边结识朋友他们没有什么见世面的需求,在小县城的生活也一样生命力十足这几年经历这么多事,很多人对于所谓“做题家”改变命运早就嗤之以鼻一方面是客观上不太可能,“过上好日子”再也没有路径依赖另一方面对好日子的定义也越来越分裂,到底什么是幸福、满足、快乐大家都在寻找答案,再进一层,我问过朋友,快乐一定是要正面的嘛?
如果我没有伤害到任何人,我可以尽情放纵吗?
也许这是个伪命题,再往下讨论更没完没了回到巴比伦,比好莱坞往事更加浅薄张狂,电影艺术的理由让一切人物的疯狂有了支撑但我觉得和电影没太大关系,这拨红楼梦中所称的清气和浊气中的人, “置之于万万人中,其聪俊灵秀之气,则在万万人之上;其乖僻邪谬、不近人情之态,又在万万人之下。
” 套用一句最俗套的话,他们不疯魔不成活,他们要创造、要表演、要把自己的灵魂大开大合能量则来自疯癫、酒精、赌博和性他们是火,要把自己的命快快烧掉,这样过一生,也可以吧?
提示:本文口味略重,小伙伴们请酌情观看纸醉金迷的好莱坞有多肮脏?
酒池肉林,百人银趴,一眼望去,所见之处,都是赤裸扭动的身体和纵情肉欲的疯狂。
在这里,吗啡、鸦片、乙醚、海洛因、可卡因等禁品应有尽有,在这里,年轻女人和肥胖男人贴脸输出,然后离奇死亡……
不仅如此,现场还有爵士乐队吹奏助兴,有从外地运来的大象从乱入其中。
如此惊世骇俗的情节,出自一部新近R级大作,别说少儿不宜,成年人看了都会被惊到,今天我就和大家聊一聊它——《巴比伦》
影片由拍摄过《爆裂鼓手》《爱乐之城》的导演达米恩·查泽雷自编自导,主演是布拉德·皮特和小丑女玛格特·罗比,阵容可以说相当不错。
电影的故事非常简单,主要围绕着1920年代好莱坞,电影工业从默片发展到有声电影的过渡时期展开。
我开头提到的羞耻大趴,发生在1926年,是好莱坞内部的一个私人派对。
彼时是默片的黄金年代,不少人在影视圈一夜暴富,名利场上混得风生水起。
当时美国的禁酒令颁布没几年,但人家好莱坞这帮人有着特权,根本不怕这茬,该喝喝该玩玩,给人的感觉完全就是“道德粪坑”。
在电影公司打杂的曼尼听从老板的安排,负责搞一头大象到派对上。
在他运送大象的途中,还发生了非常令人不适的意外,大象现场表演了一出真·喷粪。
对于好莱坞人的无底线趴体,作为下人的曼尼早已见怪不怪。
趴体上唯一让他开心的,就是出来透气时认识了令他心仪的女孩内莉。
内莉没有演过电影,但自信心爆棚且天赋极高。
在曼尼的帮助下,她如愿进入趴体,还因为性感狂野的舞姿,成为众人瞩目的焦点。
好巧不巧,也就是在这个时候,有个女演员因为嗨过头被送去了医院,明天无法照常拍戏,制片人当场决定,由内莉顶上。
片场中,内莉的表现非常令人惊艳。
如何变换跳舞节奏,是哭是笑是调情还是挑逗,眼泪要多少,卡到几秒流下来,她都能够精准把控。
咱就说,就这业务能力,她不火谁火?
没过多久,内莉就成为了好莱坞炙手可热的新星,令其他有着同样梦想的女孩们羡慕不已。
然而,好景不长。
时间来到1927年10月,世界上第一部有声电影《爵士歌王》出现了。
一时之间,人们为之疯狂不已,一个崭新的时代即将到来,默片行将就木,无数的影视新星逐渐涌现,默片演员们开始遭遇职业危机。
他们或是无法适应有声电影的拍摄手法,或者台词功底不行,天生的音色也不怎么“悦耳动听”。
内莉就属于后者,她的声音有些粗犷,被业内人士形容为难听,像驴叫。
尽管她很努力地去调整状态,但仍然无法阻止星途走向暗淡。
此时,一直喜欢着她的曼尼,经过一路摸爬滚打,成为了一个制片人。
为了帮到内莉,他又是给内莉打造与默片时代截然相反的“淑女”人设,又是带着她去参加名利场上的聚会,讨好上流社会。
结果,内莉装了一会儿淑女就是在演不下去了。
她受不了这帮人的性骚扰,受不了他们背地里胡搞瞎搞,人前道貌岸然的样子。
最后,她不仅开麦狂怼,还表演了一出令人生理不适的当众狂喷:
此后,内莉就好像失踪了一样,几年都没出现。
当曼尼再次见到她时,她已经走投无路,在赌场里欠下了黑帮大佬巨额债务,因为清楚曼尼是唯一关心自己的人,所以这次上门来找他求助。
没有办法,谁叫内莉是自己的软肋呢。
哪怕再愤怒,看到内莉可怜的样子,曼尼还是决定要帮内莉解决困境,找朋友想办法筹钱。
没承想,朋友竟然带着拍电影用的道具钱,领他去见了黑帮大佬的中间人。
曼尼发现带的是假钱,本想赶紧离开。
可偏偏在这个时候,中间人非得拉着他去地堡找黑帮大佬,想让他见识见识那个全城最刺激的地方。
有多刺激?
提醒一下,胆子小的小伙伴请快速划过,接下来,你将看到腐朽恶心到极致的一幕。
这里养着鳄鱼,锁着性奴,表演着你死我活的困兽之斗,回荡着纵情欲海的鞭打呻吟声,有儿童声在唱下流的歌曲,还有畸形人在进行羞耻的人体运动。
最最可怕的是,还有一个强壮的面具男,抓活老鼠生吃,以此给看客们带去兽性的原始兴奋!
很快,因为假钱被发现,曼尼不得不带着内莉逃跑。
但此时的内莉心理清楚,自己已经穷途末路,于是便找机会偷偷离开,消失在了黑夜之中。
后来,报纸上一个角落里,出现了她死亡的新闻。
同内莉一样,因为有声电影的出现而走向悲剧的,还有布拉德·皮特饰演的中年男演员杰克。
默片时代,杰克是好莱坞最卖座的超级大咖,开头咱们提到的那场趴体,他也参加了。
后来,还是在他的引荐之下,曼尼一个打杂的,才有了到电影拍摄现场工作的机会,渐渐成为制片人。
有声电影出现后,杰克的事业也开始走下坡路。
明明他在银幕上深情款款地说着“我爱你”,可观众们看了之后,只觉得他的发音实在是过于滑稽可笑了。
几年后,一次次婚姻生活(结过好几次婚)的不顺,挚友的死去,事业的暗淡等等因素叠加在一起,令杰克已经没有任何留恋。
所以最终,他悲壮地选择了开枪自杀。
影片结尾,1952年,曼尼来到电影院。
迷迷糊糊中醒来的他,看到了《雨中曲》,看到了过去的很多电影,也看到了未来几十年中的种种影片,整个人泪流满面。
近些年来,或许是因为创作力匮乏,或许是单纯的情怀使然,不少大导都把视角对准了好莱坞本身,向电影递过去一封又一封的情书。
2017年,有詹姆斯·弗兰科的《灾难艺术家》;2019年,有昆汀《好莱坞往事》,2020年,有大卫·芬奇的《曼克》;2022年,有斯皮尔伯格的《造梦之家》。
这部《巴比伦》非常具有达米恩·查泽雷个人的特色。
躁动的气氛同《爆裂鼓手》如出一辙,舞蹈与运镜的设计,则很容易让人联想到《爱乐之城》。
影片的创作灵感,来自于记录了好莱坞种种丑闻的《好莱坞巴比伦》。
因此,对于好莱坞十级学者来说,本片最大的乐趣,就是发掘角色们背后的原型,看些八卦段子,找找片中都cue到了哪些演员和作品,以及包含着哪些迷影的彩蛋。
对于这一块,我就不做详细说明了,感兴趣的可以自己去查,我简单给大家举几个例子。
内莉这个角色的原型是曾经红极一时的性感偶像克拉拉·鲍,杰克的故事参照了默片时代的风流男演员约翰·吉尔伯特。
在现实中,约翰·吉尔伯特同葛丽泰·嘉宝等很多女星谈过恋爱,还娶过四个女演员为妻,这桥段在片中也有类似呈现。
影片开头的大趴上,肥胖男演员和年轻女人开车导致女人死亡的事件,其原型是当年好莱坞的著名谐星罗斯科·阿巴克尔,此人和卓别林合作过很多次。
1921年,一个小明星参加了他的狂欢酒会后死于膀胱破裂,罗斯科·阿巴克尔被指控与死因有关。
当时的媒体为了新闻效果,称因为他的肥胖和体重,导致小明星在和他鼓掌时膀胱破裂。
这个丑闻,真实情况无法考证,却断送了他的电影事业。
再比如,片尾曼尼看到的那些电影画面,有非常多的影史经典。
包括《火车进站》《月球旅行记》《党同伐异》《惊魂记》《假面》《2001太空漫游》《黑客帝国》《终结者》《阿凡达》等等。
喜欢深挖这一块的小伙伴,相信可以收获非常大的满足感。
从电影本身的层面来看,影片在很长的时间里,都呈现出的是一种近乎于疯魔的癫狂。
除了曼尼这个非常接近于观众视角的角色,更多人的行为举止,是用一种极度夸张抓马的方式来进行诠释的,仿佛就是上了发条、磕了猛药的躁动机器。
酒池肉林的银趴如此,腐败肮脏的地堡如此,人们在片场拍片时的状态也是如此。
这种处理,让影片的观影体验就如同被打了一剂肾上腺素一般。
看的时候,你会很嗨很兴奋,也会感觉到切实的难受和恶心。
整部影片中,猎奇荒淫的视觉奇观疯狂拉满,低俗下流的台词比比皆是,不少人物要么只剩下兽性,要么假模假式没有灵魂。
不知道,是不是因为片子长达188分钟,导演才故意设置一场又一场的惊人戏码,进而维持观众的注意力,使观众能够坚持到最后看到他的真正意图。
应该说,影片确实有着打造史诗的野心,展现了一代电影人的荣光、迷失与宿命,同时表达了对电影真诚的热爱。
这种热爱,往往是通过角色的台词直接呈现出来,单独拎出来看,表演十分动人。
与此同时,片中还穿插了不少对于电影人和时代的一些讨论,令我印象最深刻的,是少数族裔的处境和同性恋群体的遭遇。
有个华人歌唱家,在这个圈子里那就是暖场子的,平时在只能负责写字幕。
后来,她和内莉的关系过于亲密,为了内莉的事业,曼尼就干脆解雇了她。
她的原型黄柳霜曾在好莱坞备受歧视,明明最适合演关于中国农民的小说《大地》改编的电影,可出于种族主义,好莱坞最后还是找了白人来出演。
《大地》有个黑人爵士乐小号演奏家,肤色比其他黑人浅。
于是,为了打光后站在黑人堆里不像白人,满足白人老爷们和黑人不是一个档次的心理,就被逼着要往脸上涂软木炭。
如此种种,沉重又真切。
总的来说,如果你认为导演就是在兜售恶趣味,贩卖视觉奇观,那么我是不认同的,如果你单纯地不喜欢这种处理,那么我也能理解。
喜欢的人可能会觉得这些丑陋与花边,真真假假,癫狂过火,更能诠释好莱坞的一体两面,突出好莱坞戏里戏外的梦工厂属性。
而反感的人则可能会认为猎奇戏码喧宾夺主,情怀部分浮于表面,最后那么一个大混剪,多少有些突兀和刻意。
其实,没有一部电影能够让所有人满意。
千千万万个观众,有千千万万个喜好,做着千千万万个不同的梦,允许别人喜欢或者不喜欢,或许也是一个观众走向成熟的标志。
认同我说的,就点赞、关注支持一下吧。
今天就到这里!
拜了个拜!
本文图片来自网络编辑:沼泽
导演职业生涯滑铁卢之作,真的拍的太满了,什么都硬塞到你脑子里,没有一点让人自由想象的空间
去年的自我感动和致敬是不是太多了点 感觉导演拼命想把【我爱电影!我爱电影!我爱电影!】往我喉咙里塞 而我则快到了🤮边缘
“100年后,当你我不在人世,后人们放映我们的电影时,我们又都活了过来。”查泽雷是我极其喜欢的一个八零后导演,la la land曾经在大银幕看过三遍。但是几部成名作之后就开始放飞自我了(庆幸好莱坞还有伍迪艾伦、东木大爷这样的豆腐匠),如果少一些恶趣味和过度致敬的迷影梗,这片可以打五星。全片最触动我的是那个爵士小号手,你不必在星光艳丽、莺歌燕舞、声色犬马的聚光灯下出卖自己的才华,乡村里不起眼的一家咖啡馆也未尝不是一种选择。【NOGRP/12.9GB】
这显然不是另一部《好莱坞往事》。导演想纪念默片时代——主要通过四五个人的沉浮。布拉德.皮特这条线我最喜欢,皮特演得很出彩。曼尼和奈莉这条线,替曼尼不值,他爱上的这是个啥玩意大傻逼。印象最深的,居然是两场淫趴上的音乐,太有那种辉煌的浮云感了。
这个导演就是喜欢最后来概括中心思想…
拍“拍电影”的电影,古今中外逃不过票房扑街是有原因的,值得拍的拍电影的故事都拍不成好电影,因为讲好故事的人自己没故事,电影人尤其如此,因此要拍他们必须弄虚作假,于是感动的只有做梦的外行,夸是因为没买票,买票早开骂了。电影本身:1、自我抄袭不算犯罪,就像自杀无法量刑。电影是艺术,但导演不能像其他艺术家那样才华溢出。达米选了个长得像自己的男主再演一遍La La Land(连配乐都一样),镶几个大明星以为就能撑起大银幕大叙事,他醉了。2、剧作硬伤,男主上来就心怀二意:追电影,追女主,到底在追哪个?一箭双雕是违规操作,你《爆裂鼓手》《拉拉篮》可没犯这糊涂。剧本绿灯会一次次怎么过的?这是大厂醉了。结论:造梦你得醒着造,才能把人唬住,这是拍电影101,拿了奥斯卡就特容易忘的一件事。
Damien Chazelle的新戲遭遇票房插水,但不影響我對他的喜愛,「遺憾」似乎是Chazelle永恆的主題,那份「時不我予」對照電影的遭遇來說也是妥貼;這部戲乍看有幾分《La La Land》,實際又大異其趣,因為它瘋魔荒誕,甚至十足任性,雖然那些想諷刺上層的屎尿屁橋段令人有點無福消受(但他絕非賣弄,怎麼也比《悲情三角》要誠實和可觀),不依循常規和既往的成功模式,是Chazelle的可貴之處,也是創作上容易走極端的地方;若要追究這戲最致命的問題,也許是男女主角二人在塑造上的缺失,至少這二人的形象和感情,在後段並不容易讓人足夠共情。
超豪华阵容班底打造的怀旧cult重口猎奇片,三个小时全程疯疯癫癫的,布拉德皮特的角色让人唏嘘不已,这是本片中我唯一喜欢的地方
一部无意义的电影,毒品般的形式主义欢愉,毫无内核。
故事和表演都挺好的,就是如果不是把每个人都塑造成疯批以及没有开头那段略显猎奇的、意义不明的聚会,可能会更好。这样的题材和阵容,奥斯卡和 BAFTA 都仅仅提名了几个边缘奖项,足以证明导演用力过猛了。爆裂鼓手和爱乐之城之后,D导的两部片都缺少了最初的那种惊艳
又臭又长,是爱电影还是怀念站在风口上,猪都能起飞的年代?无病呻吟、被害妄想,充满对其他艺术形式的敌意,导演是不是跟Conrad一样中年危机了
冷饭炒久只剩糊。
查泽雷,一个同样怀揣着最执着纯粹的电影梦的人,一个同样在好莱坞的欲望泥沼中被戏耍了的人,《巴比伦》也许是一场试图强势回归的背水一战,但又或是一次看破一切后的自我了断,它的糟糕和疯狂,是歇斯底里的,是怅然若失的。
Mediocre
结尾拼接属实没必要……
The story doesn’t make fucking sense! The characters don’t make fucking sense! How Hollywood materializes people is done to death! The conversation scenes are edited bizarrely. There’s no lighting or shot design that contributes to meaning, just “look good”. Why was the protagonist evil in one scene? How did the characters establish relationships?
4.8 迪库洛式长镜+鲁本式幽默+18禁版爱乐之城所汇成的空无一物大杂烩。前半段还嫌吵,看到后面感觉还不如多拍点银趴,至少还知道在拍些什么;其实皮特一唱雨中曲就猜到怎么结尾了,没想到真这么烂俗啊查泽雷,其实你根本不在乎默片只是想找个理由party forever吧。
与《悲情三角》并称2022年度两大呕吐物与排泄物电影。
献给黄金坞的哀歌,“当你见到天上星星,可有想起我,当你见到星河灿烂,求你在心中记住我。”
1、人物塑造失败,故事依托答辩,属于无效缅怀,眼花缭乱到昏厥;2、结尾仿《天堂电影院》的混剪,男主泪流满面,观众一脸懵逼,没必要把“爱电影”这么直白又俗套的表达出来。