妈咪

其实电影还是有些粗糙的，不论是数次出现的音乐MV般的慢镜头还是无处不在的背景音乐或者是歇斯底里的要将生命都吼出来的法国人都听不懂的法语。

（电影不是我专业，但是就看下来的主观感受来说Mommy其实还可以做得更加完美。

其实这部电影本身的完成度已经很高了，更何况导演才二十五，完全可以继续摸索。

）不可否认的是电影中的那些粗糙都是杯子里的石头，将流水般的情绪挤出了电影这个容器。

就个人喜好来说我很爱这种情绪满溢的电影。

情绪满溢不一定是过多地强调情绪，告诉天地我不开心我很痛苦我要希望。

我心中的情绪满溢的电影是那种即使说着简单的故事也能将故事中人物的喜怒哀乐没过观众五感的。

我觉得拿着小本本对着打钩，评价这部电影是否做到这个又是否遗漏了那点是无趣的。

我希望能够追着情绪走，而不是冷静地坐在一边看着一个导演自己都不知道自己对其感情的故事。

对于我来说，只要电影把emotion表达出来了，就是一部好的电影了。

至于要抛开叙事成就艺术什么的，那是另外一码事了。

文/［法］菲利普·鲁耶 杨·多潘译/ 赛珞璐您在五年内拍摄了五部长片。

您是怎么做到的？

您会同时进行多个项目吗？

是的。

比如在拍《汤姆的农场旅行》时，我还有其他两个已经完备的剧本，但《汤姆的农场旅行》最适合我当时的条件，它是一部能够在短时间内拍完的影片（仅仅用了17天），用手持摄影机和有限的资金，就像对我的第一部长片《我杀了我妈妈》的回顾。

那么《妈咪》也是在那时候写的吗？

不是。

我是在完成《汤姆的农场旅行》之后开始创作《妈咪》的，因为在《汤姆的农场旅行》参加威尼斯电影节之前我有一点时间。

我们没有为戛纳做准备是因为我想要推迟后期制作，以便在一部魁北克电影，丹尼尔·格（Daniel Grou) 的《奇迹》（Miraculum）中饰演一个角色。

我在其中扮演一位耶和华见证人（Jéhovah）教徒，他非常固执和虔诚，宁愿死去也不愿接受能治愈他癌症的输血疗法。

他不是主角，但这个人物让我很感兴趣。

我从四岁开始就做了演员，我也从未真正停下来过。

在电影中，演员的工作是我最热衷的。

我喜欢扮演我自己，我也喜欢引导演员，帮助他们去诠释自己的角色，让他们的表演有所进步。

指导演员这项工作会在拍摄之前完成吗？

当然，对于《妈咪》我们经过了反复排练，大家聚在桌前读了三次剧本，然后在有布景的情况下，对个别较为复杂的场景进行排练，但没有重复很多遍。

况且苏珊娜·克莱蒙（Suzanne Clément）不是一位能让我们和她一起重复排练多次的女演员，但是我们可以讨论。

剧本上的对话允许重新编写。

在片场，我们没有太多即兴发挥，最多也就是在某处加一点个人色彩，尽管我的演员们都非常有创造力。

另一方面，必须完全适应我的这两位女演员，苏珊娜·克莱蒙饰演的邻居凯拉是富有直觉且盲目的，而安妮·杜尔瓦勒（Anne Dorval）饰演的妈妈则是有理由的且能被理解的。

对于苏珊娜，您让她饰演困难重重的结巴……这个人物我在剧本中写得很少，是在片场的时候，我们俩才找到了真正的凯拉。

相比之下，安妮和安托万仅仅是在“念”他们的对话。

为了使凯拉这个人物的结构清晰，您有试着按故事的顺序进行拍摄吗？

从来没有过。

我们必须得适应季节，拍摄场景以及各方面的实际情况。

刚开始，我对次要人物的设置过于或者不够重要感到困扰，最后我们找到了平衡，当我们不再认为凯拉是一个次要人物时，她成为和其他两位演员同样重要的人物。

演员在出场时的站位都很精确，您做了分镜头稿本吗？

我没有做分镜头稿本，但有些场景我画了机位和布光的草图。

我从开始写剧本的时候就思考着这些，因为我在写的时候已经考虑到了剪辑。

之后，我们去看了拍摄场景，发现构思好的一切完全没有可操作性，因此必须得随机应变。

演员们带来了一个我们愿意采纳的提议，我们的剧组在早晨一起排练，这让我们发现过于勉强的创意是不可行的，我们必须再改动。

在拍摄了Indochine乐队的mv《学院男孩》（College Boy）还有《汤姆的农场旅行》后，这已经是您和摄影师安德烈·杜邦（André Turpin）的第三次合作了，您是怎么找到他的呢？

我以前很想跟他一起工作，我觉得他是一个很优秀的人，我欣赏他的才华，我觉得他简单、随和。

那是一次至关重要的相遇。

跟他一起工作您感觉怎么样？

我们一起取舍。

在美国，除了那些大制作的影片，主摄影师也是会负责取景的，而安德烈却很谦虚地把这个位置让给了一位斯坦尼康操作员，由他完成了整部电影的取景。

在片场，我和安德鲁说个不停，我俩都会把拍摄中的问题重新提出来和对方讨论。

他真是了不起。

我喜欢被这样的一群人包围，通过分享我的想法使他们的思维得到拓展。

关于灯光，哪些部分来源于您的想法呢？

我想要一部明亮的、阳光的电影，尤其不要那种阴沉的、抑郁的风格，我们总是把这种调子和这样的人物联系在一起。

我觉得这不仅是品味的问题，更是对这种人物的不尊重，就如同一位在底层人民的生活中“探索”的电影创作者。

这两年我看过太多深思熟虑的电影，自以为这样做对弱势群体是公正的。

对我来说，我想要摄影机平拍这些人物，我们可以和他们对视。

这样的话，您就完全和《汤姆的农场旅行》的那种视觉风格告别了……《汤姆的农场旅行》是关于无的审美,没有解释什么。

在格外令人厌恶的背景当中，我们利用景深来避免它显得过于黏稠。

接近结尾的部分，我们本来拍了一个主角破碎眼镜的很棒的镜头，这副眼镜是他用来观察被那位母亲放在他床下鞋盒里的东西的，我们都对这个镜头感到很满意，但在样片中看到这个镜头时，我们觉得不能保留它了，它已经让人联想到佩金帕（Peckinpah）那部《稻草狗》（StrawDogs）的海报了，而且它太不自然了，完全不能留在电影中。

为了获得《妈咪》中这种阳光的影像，布景师哥伦布·瑞比（Colombe Raby）的工作应该是很重要的吧，她是您从《双面劳伦斯》开始的合作者……当然，把布景从它本来的状态重新布置成我们想要的样子是一项很重要的工作。

我想要一个很昏暗，但又有很多光的客厅，因此我们就用了彩色墙纸，它是以前住户留下的痕迹，就像两位主人公回到了其他人的世界。

母亲在开头就明确指出：她接管了一位老妇人的公寓，她还没有重新装修它，在我们看来，这正是一种不用把彩色墙纸弄得太具有美感的方法。

同样，对于服装必须考虑得周到，我为斯蒂夫选择了一些反时尚（normcore）的服装，这是一种反文化的服装风格，它是对嬉皮士的颠覆。

比如说，我们没有选择Lacoste或者Ralph Lauren品牌的polo衫，我们选择了一个更便宜和不怎么知名的品牌，我会让这些服装看起来像2000年初时那样，这对人物来说更加真实。

母亲戴安的衣服显然都不贵，但更加精心修饰过……她穿得像一个十六岁的青春期少女，有一套自己固定的讲究，即使显得品味很奇怪。

她想要显得性感但还是停留在了穿着舒适的阶段，因为她有很多工作要做。

因此我让她穿那种九十年代末至两千年初的牛仔裤，我们得重做这样的裤子，因为现在已经找不到那样的牛仔裤了，但我还是坚持要做。

对她来说，这个阶段正是她的黄金年龄，她的妆容并不过时。

可能之后她也没有再买衣服。

在片头字幕中，您作为服装师被提到，您为演员们选了服装吗？

服装的选择常常是跟演员联系在一起的，但是我挑选了他们的全部服装，然后他们来试，接受或拒绝这件或那件衣服。

对我来说，给他们挑选服装这项工作和跟他们对台词是差不多的。

这是一种大家一起确定人物的方法。

是的，这时候演员会跟我说他对于角色的想法，他总会为人物构思出其过往经历，我们一起讨论，这比一件服装对他演技的影响更重要。

我记得有一个晚上，我们必须完成一个镜头以结束当天漫长的拍摄日程，这个镜头是要苏珊娜脱掉那双已经把她的脚磨出水泡的鞋。

但她跟我说她更想要穿着它们，因为她饰演的人物凯拉穿着过于小的鞋子感到如此不适，以致于脱掉它们会有影响她演技的风险。

同时，必须注意不能总想要去调整一切不利于视觉协调的东西。

在现实生活中，人们不会在回到餐桌前打电话咨询自己该选哪件衣服的问题，但在我的电影中会这样。

我必须听取演员对于角色服装的所有想法，考虑如何为其他角色设计服装。

对于整体的美学，对您指导摄影起到参考作用的是电影，绘画还是摄影呢？

不是电影！

人们认为我参考大量电影，但没有想想我还很年轻，在我的迷影文化当中还有很大的空白。

我最强烈的灵感是那些没有被人觉察到的事物，就像谣言，它从那边的终点开始，传到这儿的时候它就变成了其他的东西。

对我来说，这就是影响和灵感的不同，影响是种致敬。

我们已经在您的前两部电影中发现了这些影响。

是的，那些和《花样年华》中使用相同音乐的慢镜头……其实，对于《幻想之爱》，人们没有提到伍迪·艾伦《贤伉俪》中那些有说服力的人物，正是这些人物给我片中那些面对摄影机的采访提供了参考。

人们引用了很多阿莫多瓦，因为他拍高跟鞋，而且他是gay，像我一样，但相似之处也仅此而已。

但在电影之外，您会从摄影和绘画当中获得一些灵感吗？

当然。

最简单就是给您看我的look book。

（采访中断，因为他去宾馆房间拿他的look book）这是一份能让我回忆起所有圈内大师和演员的档案，我将它装订好然后选择纸张，此外，我非常喜欢制作这些东西。

我按主题制作了词条，比如，所有关系到人物死亡的图片。

这是朱丽娅·罗伯茨在《永不妥协》中发型的照片，这不是我们决定采用的发型，但这也许能带给我们些灵感。

还有这些纹身，我们已经模仿了这头狮子的纹身。

可能还有星座符号，指甲或者鞋子……这些照片是哪儿来的？

您从网上找到它们吗？

不是，我买了好几吨的摄影画册还有一些杂志。

我把我感兴趣的人物，布景，和所有电影相关领域的部份都剪下来，尤其是那些背景。

比如说？

这张南·高登(Nan Goldin)的照片《剃须的托马斯》(Thomas Shaving)正是凯拉教史蒂夫自己刮胡子那个场景的灵感源泉。

看那个，我模仿它做了浴帘。

这儿，一张格斯·范·桑特《心灵捕手》中的照片，镜头中他在黑暗中给他的妈妈打电话。

还有那儿，我们在室内重新发现的橙色的光，还有最后一组镜头中带点蓝色的光。

我们有印象，您在那些最痛苦的瞬间保留了这些带点蓝色的光，比如唱卡拉ok还有最后在停车场……是这样，但我不知道是不是有意识的。

停车场那场戏是在白天，天一直阴着。

我们在那儿拍摄了两天，第一天，天气晴朗还有朵朵白云，但我们知道第二天要下一整天雨。

当史蒂夫坐在汽车里看到雨快来的时候，我开始在汽车上方制造雨滴，我们衔接了这一瞬间，然后就真的开始下雨了。

可以确定的是，对于这个场景，我想要一种光的断裂。

必须是一种中断，我们在别处。

我们觉得您在每个镜头的场面调度中都有不同的构思……对我来说，《妈咪》在美学上是具有统一性的，即使每个镜头都各有特点。

比如说，在拍第一次晚餐时我用了正反打镜头作为画面的开端，在开始介绍这些人物之前先使他们相互孤立，这样做是为了加强私密的感觉。

我们在他们背后拍的时候，他们会更专注地听别人在说什么。

这都是一些常用的经典拍摄方式，但很有效。

当我们一直在装饰相同的室内时，构图的多变也是一种防止观众疲劳厌倦的考虑吗？

当然，必须得避免无聊和重复，尤其是构图，它必须为叙事服务。

一种构图区别于其他构图的意义正是它的美，我可以欣赏其他的但我不想让它们出现在我的电影里。

就好比黑白片。

在我仅有的一次经验，拍了Indochine的MV《学院男孩》后，我很想再做黑白画面，但我必须得找到剧作上使它成立的理由。

在拍《汤姆的农场旅行》时，我养成了对每一个镜头发问的习惯。

我用这样的构图和色彩讲了什么故事？

它会对观众产生什么效果？

这一刻他会有怎样的感受？

在《汤姆的农场旅行》中我们充分感受到了这种严密。

这部电影不意味着您电影作品中的一个转折点吗？

从情节的角度来看《汤姆的农场旅行》已经离我很远了，但是这部电影让我明白了很多电影之外的事情，它们存在于我们生活当中的方方面面。

因此，是的，这部电影对我来说是一个转折点，它让我有所提高。

在其中出演某个角色对您来说重要吗？

在观察了一年《双面劳伦斯》中的演员后，我在其中出演就是为了丰富它。

在《妈咪》中，我本来想要扮演安托万-奥利弗·波尼安的角色，这个人物就是我。

这点也可以在我对他表演风格的指导中看出来。

您是怎么指导他的呢？

安托万是一位非常出色的演员，他无拘无束，理解力强，早熟。

因为我自己也是演员，所以我有时候会把他的戏先自己演出来，而且我也很乐意和安妮还有苏珊娜配合。

无论如何，当我开始一场戏，在我思考要怎样拍摄之前我都会考虑我想要他怎样表演，然后我观察这些演员，我告诉他们如何做。

为了引导他们，在拍摄过程中我会继续说下去，我说个不停。

因此在后期录音时，清除我的声音就成为一项很繁重的工作！

但是在表演中，这就产生了一些纯粹自发性的瞬间，演员必须放弃所有他之前已经准备好的情绪才能回应我的要求。

我不太知道演员如何反应，他们在心里思量着小把戏：“我要用我的眼睛完成这个拿手好戏，我要拿我的耳环开玩笑！

”不过，会突然有人跟他们说话，然后改变了他们在镜头中所有的表现。

在您的电影或者您的表演中，这是不同的。

您必须指挥团队内部……当然。

在拍摄的过程中我不能给出我的指示。

但是在《幻想之爱》中，我想出了解决的办法来指挥主摄影师的运动，就是在画面外拉动他的羊毛衫，就像是一部纪录片。

因为有些东西不总是能在片场重现：当魔力在那儿，必须要利用它。

您拍了很多镜头吗？

看情况。

我与苏珊娜和安妮长期以来的默契为我们节省了时间。

我保留了《妈咪》中许多第一次拍摄的镜头。

但是对于那些感情丰富的场景必须得多拍几遍。

为什么选择了1:1这种奇怪的正方形画面比例？

真的是正方形，画面似乎把我们拉长了？

画面的确是完美的、由电脑计算好的正方形。

在我拍摄短片《学院男孩》时，我明白了它不是一种强制性的，既受限又朴实无华的画幅比例。

对于人像来说，这是理想的比例，因为观众只能看到人物，画面中除此之外什么也没有。

在电影中间拉开画幅的主意是从写剧本的时候就想到的吗？

在《汤姆的农场旅行》中我们已经对你缩小画面的方式留下很深的印象了……是的，在那些感到呼吸困难的时候。

这次正相反，他们活得很开心，他们的视野也宽广。

这次不同的是，人物直接参与进来推开了画幅的限制。

是电影中的人物改变了语言，他也因此掌握了电影的命运。

第二次画幅拉开也是一样，当他们出发去旅行；然后画幅缩小到画面中只有母亲，当现实再次夺走她的权利时。

为什么您觉得有必要为问题青少年群体虚构出这项法律，这是您在一开始构思阶段就想要表达的吗？

这项法律和黛安的命运联系在一起，它也是剧情当中设置的一枚定时炸弹。

我们会和剧中人物一起开心欢笑，但我们知道未来的某一时刻这位母亲将会履行这条法律，而且，这项法律也为影片提供了政治背景，从而解释了剧作中那些站不住脚的部份。

在现实生活中，拘留所不会将一位已经纵火的年轻人送回家。

为了维护社会安全，他只是被委托给国家看管。

跟往常一样，配乐方面，您列出了一份众星云集的歌单。

这次不同的是，这些歌曲都是剧中人物当时在听的，不再是导演选择的了，这些歌曲都来自男主角父亲在死之前录的一张歌曲合集，这会让观众很感动，因为正是这些歌证明了他在故事当中的存在，推动情节的发展直到最后，当他们在搬家时听那首席琳·迪翁的歌，我们听到那饱满的嗓音……即使到最后的时刻，史蒂夫还在拍手，这段完美的音色继续着电影配乐的风格。

一般来说，您选用一些Noia的原创歌曲，他是谁呢？

一个年轻的秘鲁人，非常有才华，他给《双面劳伦斯》配乐45分钟。

给《妈咪》只配了25分钟，但我们还是都买下来了。

我们并不总是能感受到这些配乐，但我把这些原创音乐放在我的电影中。

而《汤姆的农场旅行》，我想跳过这些配乐，用无声来为心理惊悚片伴奏会更有效，但对于剪辑，配乐的作用占90%！

所以我也明白自己错在哪儿了。

那《妈咪》您剪辑了很多吗？

第一次剪辑完是2小时35分钟，本来还要多二十来分钟，在我看来，这太长了，我本来想要剪掉更多，但那样的话，电影就变样了。

绝不应该强迫影片维持下去，否则影片就会受到严重损害。

一个过于快的场景，有时会让它变得过于长。

您剪掉了一些完整的场景还是一些小的片段？

我去掉了很多场景当中幽默但有点跑题的部份，还去掉了那些啰嗦重复的部份！

尤其是一个在史蒂夫刚被关进拘留中心后，两位女士在咖啡馆的场景。

对演员来说，这个场景是令人十分满意的，对人物结构绝对是有帮助的，但是它削减了我更喜欢的一个镜头的力量，就是最后凯拉和戴安摊牌：这个场景很长，我也很喜欢它；感受到它的不易就好。

让电影即有英语字幕又有法语字幕，这真的是您自己想出来的吗？

是的，为了让观众能更好的理解影片，这是很有必要的，依然是我决定要这么做的。

《汤姆的农场旅行》中有些场景我没有加字幕，但《妈咪》全部都有字幕。

必须要说，在这部电影中，我的这些人物都说若阿尔语（le joual），就像英语中的俚语或者法语中的方言。

这是一种有些魁北克人也同样理解不了的语言！

那么这是一部母亲的拯救与救赎和孩子恣意妄为的家庭伦理片么？

对多兰的天才论保留了一点位置，如果斯蒂夫仅仅是一个多动症+暴力因子病症的孩子，这一切的行为都可以得到善意的理解，无法操控和任意所为是完全两回事的，多兰这一点前后矛盾了，前半部分让观众认为是先天性的，后面戴安与凯拉的对话中确实提到因为父亲去世后导致的行为失控，退一步凯拉的角色似乎太过于牵扯了，一个失语症的独身母亲/女子不是更加符合么？

影片中竟然只是闪回了两个孩子的身影外加丈夫的爱莫无语？？

看过这部mommy之后反而对《单车男孩》里面的西里尔有所释怀，史蒂夫的可怕好像永无止境，你不知道他的下一秒会是多么的疯狂或者是多么的奸诈又或者是多么的善良。

魔鬼与天使结合的孩子，行动是“光纤”思想是“移动”。

看完整部电影我竟然放不下的是那个从未露脸的烧伤面积75%男孩和从未对此显示悔意的斯蒂夫。

《妈咪》这部影片是我第一次涉足多兰的作品。

对于一部典型的加拿大风格的影片却给人一个个不一样的高潮点。

或许是因为故事背景的发生地，又或许是影片本身带给观影者的感受。

关于影片的背景，和导演一样。

故事背景发生在加拿大的魁北克。

这座北美历史最悠久的城市，孕育了许多小制作但却大影响的电影。

或许是因为魁北克是加拿大唯一的法语区，文化的互相交融更能产生一种独特的味道，演员同影片。

关于电影本身。

影片的大篇幅都是以1：1的画面呈现给观影者，这种略有考量的影屏效果不是作为宣传影片的手段，而仅仅是反应影片中人物的情感变化。

第一次开屏定格在儿子滑板的动作中。

影片中的母亲和老师都跟在儿子后面，儿子拼命向前滑着，身后的两人也是兴奋地跟着他呐喊。

我们是否可以认为这是儿子的第一次挣脱。

单从儿子的暴怒症这点来看，冲突的母子关系一直是影片的主线。

在更多体谅母亲的呼声中，我们是否也应该去理解一下影片中的儿子。

儿子不是成年人，或许他渴望能够成为成年人去保护他妈妈，但确实他的心智还是一个孩子。

作为一个孩子他没有正确的发泄渠道，他不能更好的去控制自己的感情。

作为一个成年人，我们一直在压抑自己的各种感受，我们一直都拼命去保护自己身边的人，但总一天我们也会累不是吗？

当我们终于厌倦了和这个虚伪的世界去抗争时，当我们已经向这个世界妥协时，开屏结束，挣脱消失。

换来的只是再次压抑的屏幕和人生。

第二次开屏并不是导演主要的情感宣泄点，而是影片的最后。

当影片中的母亲要将儿子送走时，屏幕的改变还是不能够表达出更深层的含义，人物的台词或许是我们的突破口。

母子关系的更加冲突其实是一个巨大的反转。

原本应该相互依赖相互关心的两人，在最后在母亲的逃避中越发严重。

最后母亲的沉默和儿子的歇斯底里呈现出一种对比，那种依赖却又隔膜的母子关系还是不能维持下去。

第二次开屏结束，随之而来的也是母子关系的结束。

而我实在弄不明白的一点是，母亲究竟是更爱我们还是更不爱我们……

导演、编剧泽维尔·多兰之前拍过一部《我杀了我妈妈》，擅长这类母子相爱相杀的题材。

《我杀了我妈妈》中的少年是一个GAY，《妈咪》中的少年是多动症患者，经常无法自控做出暴力行为。

泽维尔·多兰长着一张偶像剧的面孔，却有一颗不走寻常路的内心，关注的都是少数派人群。

明明可以靠脸蛋混饭吃，却偏偏要靠才华，这次《妈咪》，他甚至都没有参演。

《妈咪》中的妈咪，儿子患病，失去了丈夫，被公司解雇……但被命运如此对待的她，却并没有露出丝毫苦兮兮的面孔——这绝不是催泪的煽情大片。

这个妈咪抽烟喝酒满口飙脏话，性格坚硬，开场不久她就和儿子分享同一支烟……让人同情不起来，当然她也不需要同情。

然而另一方面，她宁愿自己搬去新的地方和儿子一起生活，也不愿将儿子送去拘留中心；为了给儿子请律师，她主动约明显对她有意思的中年律师出来吃饭唱歌，但是那个律师敢冲她儿子吼、甩巴掌，她就立刻甩回律师一巴掌……泽维尔·多兰用了很多细节来表现他们特别的母子关系。

比如他擅长的对骂，甚至对打。

少年买给妈咪的“妈咪”字母项链，前面因为母亲怀疑他偷窃而在争执中散落，后面却一直戴在她的脖子里，直到电影结束。

还有那段厨房中的舞蹈，让人想到王家卫的《春光乍泄》。

泽维尔·多兰的音乐用的一如既往的好，那些流行乐，都镶嵌在它应该出现的地方。

还有画面。

泽维尔·多兰有自己的审美，《我杀了我妈妈》中他喜欢让人物在屏幕右侧出现，每一帧都仿佛是“电脑屏保”。

而《妈咪》，很长时间都是1:1的屏幕，像现在流行的微信朋友圈照片。

然后中间有段，少年在街上玩滑板，玩得开心了，对着银幕打开双手，屏幕也随之打开到正常大小……那一段真是太令人惊艳了。

还有一段惊艳的戏是没有台词的。

在音乐的陪伴下，少年考上一直想去的音乐学校，离开母亲，然后结婚，婚礼上母亲笑着和大家一起打招呼，然后少年当了爸爸，母亲做了奶奶……再然后下一秒，响起少年画外音：“妈咪，绿灯了！

”一切美好戛然而止，原来都只是一场梦而已。

之所以选择多兰的《妈咪》，是因为先看到的两次变幕片段太燃了！

结尾处关于母亲的心理蒙太奇和超现实色彩的运用也出人意料地感人，出色之处实在太过精彩。

(一)画幅大小及比例“画幅比例是为叙事与情感服务的”在《妈咪》中体现得淋漓尽致。

由于影片铺垫了一个单亲妈妈戴安与患有心理与行为疾病的儿子steven之间略为畸形的表达爱的方式与剑拔弩张暗含危机的相处方式，所以前期一直选用1:1的画面比，营造出人物生活的局促与束缚感。

不仅如此，较窄的画面比更利于观众集中注意力在画面中人物的神态与关系走向上(影片本身想要突出的部分)，使戴安与儿子之间的对话情绪显得更加热烈浓厚，让母子对生活状态的挣扎体现得更为具象。

第一次的画幅改变:随着女邻居的调和，戴安与Steven的关系逐渐缓和，Steven在街道上自在地滑着滑板，伴着oasis《wonderwall》振奋人心的旋律，画面随着Steven的双手张开由1:1拉开为4:3，我们的视野瞬间开阔起来。

情节上，戴安与儿子关系缓和，一切前半段的紧张情绪仿佛由画面的拉开告一段落。

此时的画幅与情节承接自然不做作，拉长的画面充斥着扑面而来的少年快乐气息，简直燃爆！

回到1:1:就在几乎是生活迎来好转的时候，戴安突然接到法院传票，她意识到这生活又充满了麻烦，她还是要把儿子送走。

在挣扎与压抑中，画面缩回1:1，继而一连串糟糕的事情发生，酒吧里儿子与律师的冲突、超市中儿子割腕……混乱的麻烦事在1:1的狭小画面中显得更加令人揪心——1:1的画面再次成功地将情绪拽回压抑与不安之中。

第二次画面打开是对高空的俯瞰镜头。

也许由于太过自然，导致我第一遍观看整片时根本没有发现。

最后戴安把儿子送走，各自都有了新的生活阶段，这时大桥上的俯瞰画面拉长也象征了一种对未来的希望。

(二)关于母亲的心理蒙太奇戴安打算送儿子去管教中心，穿插了一段关于戴安幻想对儿子的期望。

在迷幻的色彩与音乐中，戴安想象着儿子快乐平安地成长，和心爱的女孩结婚，找到一份心仪的工作——这是戴安在麻烦的生活中最幸福的幻想，心理蒙太奇的剪辑方式具体刻画出了戴安在生活的麻烦中的失望与难过，更突出了戴安心理的挣扎。

(三)超现实的色彩和主观色调整个影片的色彩饱和度都比较高。

夏日的阳光与卧室的家具颜色……似乎每个元素都彰显着《妈咪》中从头至尾泛滥的情绪化，弥漫着戴安与Steven从头到尾的挣扎与复杂的情绪。

在戴安的想象中，绚丽的主观色调中既隐含戴安对儿子的爱与不舍，又有对现实的失望。

绚丽的色调与回到现实的一瞬间对比，更凸显出生活中麻烦的压抑。

看了不少关于《妈咪》的影评，有许多批评多兰的电影过于情绪化、煽情烂俗。

可是经过层层铺垫，结尾处终于来的平静、Steven的独白“妈妈，你值得更好的孩子”实在感人，大片的情感与色彩，浓烈的配乐仿佛将导演全部的情绪抒发出来，两次画幅的变化又太过天才，虽说个人感觉失去了一些留给观众慢慢体会的余地，我还是很喜欢这部很有灵性的《妈咪》。

真实。

多兰这一回拍出的是每个人都正在切身体会的生活。

《妈咪》，简单的电影名虽然听起来没有处女作《我杀了我妈妈》博人眼球，但其中却流淌着更为真实的温度。

这个要强、倔强的妈咪是每一个母亲的集合体，她对斯蒂夫的爱背后，有世界上最伟大真挚的情感的影子。

你我不一定是斯蒂夫，但一定都像他一样，是一个不够好的孩子，我们会惹妈咪生气，让她们暴躁、失控、紧张、失望，我们总是不小心就伤到她们的心。

我们的妈咪也会固执地忍住眼泪，也会哭，也会抱怨，偶尔幻想如何才是作为一个母亲的终极幸福。

在我看来电影高潮应当是斯蒂夫反抗医护人员的那一段，他反抗着，吼叫着，那一刻妈咪的心就绞在一起，撕裂般疼痛，却又无可奈何。

我毫无悬念地哭了出来。

果然，真实的命运是不会刻意成全爱的。

人死不会复生，破镜不能重圆。

国内的影视剧讲爱的不在少数，尤其是男女情爱，数不胜数。

古装宫斗、仙侠奇幻、都市职场，不管是在什么环境下，总会有帅气专情的男主，美丽善良的女主，痴心守候的男配，善妒刻薄的女配，一个个脸谱化的角色之间为爱纠缠撕心裂肺，渲染着所谓的虐恋情深。

但这些所谓的“虐”，太过刻意，太不真实，丢进生活的深潭里，激不起哪怕一朵水花，更遑论打动人心。

不信你去对比一下，国产爱情剧中的男女主角黯然神伤三千次，也抵不过接近结尾时被妈咪拼命憋住的眼泪。

这才是真实。

非常欣赏电影中对于画面比例的调整，斯蒂夫用手推开屏幕的那一刻仿佛整片天都亮了。

我简直不想承认看着一开始的小屏幕我还以为是片源有问题。

下面是故事梗概概括联系，全是剧透。

主要是训练一下自己看完之后的情节概括能力，学习多兰小天使的情节编排。

没看过的童鞋请默默退出！

3210故事的主人公是单亲妈妈和她患有多动症以及躁郁症（？

貌似）的儿子。

开场是母亲在街上遭遇一场车祸后接到拘留所电话通知她去领儿子回家，原来儿子斯蒂夫在咖啡馆纵火导致另外一个孩子重度烧伤。

看得出来两人的关系很好，儿子爱母亲，母亲也很爱儿子，回家路上母亲遇到猥琐律师大叔搭讪。

搬进新家后，母亲向对面的另一位女士凯拉打了招呼。

一天，儿子去超市带了一大堆东西回家，包括一只Mommy图案的项链。

妈妈认为他小偷小摸的习惯又犯了，劝他把东西还回去。

儿子不听从，强调“这些都是你的”，由此引发一场争执，斯蒂夫弄伤了自己的腿，凯拉带着工具为他包扎了伤口，三人从此结下情谊。

妈妈被炒了鱿鱼，需要找一份新的工作，所以拜托凯拉照顾儿子，凯拉同意了。

斯蒂夫和凯拉共处一室时斯蒂夫突然犯病，拽掉了凯拉的耳环还在动作上轻薄她，凯拉怒不可遏，责骂威胁了斯蒂夫，把斯蒂夫吓得尿了出来，后来斯蒂夫主动向凯拉道歉，两人共同为求职归来的妈妈准备了惊喜餐点。

有了凯拉的帮助，妈妈如愿以偿找到了理想的工作。

然而，妈妈突然收到先前在咖啡馆被烧伤的孩子的家庭的律师函，向他们索要赔偿。

妈妈因为没钱请律师，也不想把儿子送进医院，所以只好找之前的猥琐律师大叔帮忙，三人一起吃了快餐并且去了一家卡拉OK聊天，斯蒂夫看不惯律师的嘴脸，多次挑衅，并且在唱歌时因为小混混的戏弄与其扭打，三人狼狈回家，期间斯蒂夫直白说出律师只不过是想“操他妈妈”，被律师扇了一巴掌，妈妈也扇了律师一巴掌，律师离开。

妈妈在黑暗中说出了自己的痛苦，告诉斯蒂夫他给她带来了多少的麻烦。

斯蒂夫陷入阴郁，终于在母子二人和凯拉一起逛超市时割腕企图自杀。

三人一起开车出行。

妈妈幻想这次的旅途他们非常开心，儿子被治好后顺利考入大学，毕业，找到女友，工作，结婚，让她得以享受身为一个母亲的最大幸福。

可时斯蒂夫并没有好转，妈妈这次带他出来的目的是把他送入疗养院。

斯蒂夫抵死不从，和安保人员扭打过程中被电击，妈妈后悔了，想要毁约却为时已晚。

斯蒂夫在疗养院给妈妈的手机留言，说自己认识到了错误，“你值得一个更好的儿子，而不是像我这样的垃圾”，此刻斯蒂夫心里对自己已经失去了希望。

凯拉在举家搬家之前和妈妈告别，抒发了她对妈妈放弃斯蒂夫的不满，妈妈表示，她对斯蒂夫仍然抱有希望，把他送进医院是最好的做法。

凯拉走后，妈妈一个人拼命忍住了放声大哭的欲望，她看上去永远是那么坚强。

斯蒂夫在脱掉病服的瞬间冲向医院落地窗，脸上带着微笑和对自由的向往。

多兰之前的电影包括短片我都看过，也算是个多兰粉了。

本来企鹅版出来的时候我听说这个版本没有画幅改变，我想着干脆就等蓝光吧，可今天实在是忍不住就直接先一睹为快了。

首先，这部电影在某些地方还是跟范桑特太像了，美少年路人甲，流云还有深紫色调的镜头，当然这也不能说是范桑特的专利，这比《幻想之爱》里直接单拎出一段来模仿《爱达荷》要好得多。

不过，多兰确实从处女作 杀妈 开始就一直有明显的其他电影的影子，虽然他本人只承认对王家卫进行过效仿。

妈咪继承了多兰电影的一个很好的优点——他的审美。

这也是他之前除 杀妈 外的影片最大的看点。

《幻想之爱》中的主角们色彩浓艳的服装和彰显小资气息的室内布景在为影片增色不少的同时也让蛋疼的剧情不是那么的煞风景，那部电影中最让我印象深刻的便是那把手小到连跟手指都伸不进去的茶杯。

而在此之后的《双面劳伦斯》更是可以用风情万种来形容，至今难忘那紫色的风衣。

《汤姆的农场旅行中》多兰更是在片尾演职员名单中给自己打上了"服装设计"的标签。

虽然在影片冷峻的气氛和阴暗的色调使得他的个人审美收敛了不少，但从汤姆的金边拉链大衣中还是可以看到多兰自己的创意。

这次《妈咪》一点也不示弱，虽然少了 劳伦斯 的贵族气息和 幻想之爱 的小资气息，影片的每一个镜头仍然美得无法挑剔，而且相对于 杀妈 的可以强调构图和 劳伦斯 中过量的特写镜头，这部电影的摄影已经显得非常自然。

妈咪的故事我认为是多兰的电影中讲得最好的，并且把握住了"自由"这一主题，虽然说表达得未免也太直白了点。

这次故事讲得好有一个原因就是"MV桥段"的比重降低，并且与剧情协调得很好，像结尾简直就是神来之笔。

像 劳伦斯 就是因为又想讲好一个格局偏大的故事又想让好音乐得以保留，再加上多兰自己并不成熟的剪辑技术，使得影片虽然在我看来依旧精彩，却早已失控。

而多兰的 杀妈 作为处女作也确实是他所有作品中最老实的，前半段几乎是在耐心讲故事，后半段才开始出现大段的"MV桥段"。

当然了，杀妈从一开始就把母子关系恶化的原因道出确实也让剧情看点变低。

这次剧情好的另一个原因就是苏珊娜·克莱蒙这个角色。

她恰到好处的出场，不仅调和了母子二人的关系，而且也让剧情本身和杀妈的相似程度大大减小。

尽管 妈咪 在戛纳电影节收获逆天好评，但这不代表这部电影是没有缺点的。

而其缺点就是我前面说的表达太过直白，并且严重缺乏镜头语言。

多兰把自己想讲的一下子全让演员门用台词说出来了，让观众一点思考余地都没有。

唯一能让观众通过台词外感受到的也只剩下画幅改变了，更何况我看得这个版本又不变画幅。

但这也让我对多兰多了期许，因为他的进步空间还很宽敞，更重要的，他能很快意识到自己影片中的问题并加以改正。

在 妈咪 里我已经看不到刻意到甚至呆板的构图，过多的音乐以及神经病一样的剪辑了。

这次多兰所选的音乐可要比他的前几部作品大众化许多，像绿洲的Wonderwall以及我打雷的Born to Die。

这倒是表现出多兰不装逼的特点。

他确实是没有刻意地去追随内涵深度，也没有去选什么小众到大部分人听都没听过的音乐，现在的他只在乎音乐与剧情的契合度，像Wonderwall就把人物情感烘托到了喜悦的高潮，也使得之后突如其来的转折更加震撼人心。

在影片接近尾声时男主角Steve伴随着Born to Die在精神病院看守的追逐下奔向自由也充满了悲壮感。

不过对于结局我不得不说与《四百击》很相似，两位主角同样被母亲抛弃并被监禁起来，同样在最后享受着暂时的自由。

影片的片名也很有意思，叫"Mommy"。

对 母亲 的称呼可以有很多种，而多兰却恰恰选择了这个单词作为片名。

按照多兰在某访谈的解释，他说"Mommy"更像是小孩子对妈妈的称呼。

而影片中的Steve也确实一直没有长大，16岁的他会在逛超市的时候旁若无人地对自己母亲撒娇，会被Kyla的暴怒吓得尿裤子，会在与家人激烈争吵后跑过去道歉。

如果不是因为他的多动症给他带来的麻烦，也许他真的会像自己妈妈想象的那样被心仪大学录取并且结婚生子吧。

综上所述，多兰的 妈咪 虽然并不能说是大师级作品，但他一直在进步，而且进步空间依旧很大。

这次终于是讲好了故事，彻底没有了5年前的青涩，逐渐成熟了起来，这也是为什么我说现在的多兰既熟悉又陌生。

一曲爱的悲歌——基于对电影《妈咪》一些细节的认识不反对从导演的个人的生活经历和他以往的作品风格来分析这部影片，但我总觉得，电影不可能仅仅是个人生活经历的复制，更不会是以往作品风格的简单重复，否则电影就称不上是艺术，因为“复制”和“重复”是艺术的大忌。

我在看完本片后一直问自己的问题是，如果我是那位母亲，我会怎么做？

是认同这位母亲的做法还是反对，我无法表态，我只想强调我的感受，这是一曲爱的悲歌。

《妈咪》的确保持了一种三角平衡关系，但可不是什么“三角恋”，即使我们似乎隐约看出了男主角斯蒂夫（Steve）有“恋母情结”，但斯蒂夫及其母亲黛安（Diane）与他们邻居凯拉（Kyla）之间并没有任何“恋”的关系。

其实凯拉是基于“移情”才走进他们母子世界的，因为，从凯拉家摆放的相片看，她应当有一个和斯蒂夫差不多大的儿子。

影片虽然没有交待她的儿子去哪儿了，但从她两年前才得失语症似乎可以推断，她失去了这个儿子，而她丈夫的面部表情、他们多次搬家以及她丈夫对女儿的关爱可能也是这一不幸事件的结果。

此外，凯拉一直戴着两个项链的。

当斯蒂夫轻佻地拉下她颈部的一个心形项链时，凯拉表现出异常的愤怒，这似乎也能证明上述观点，她在维护一种尊严以及儿子对她的“爱”。

正是将对儿子的感情“移”到斯蒂夫身上，凯拉才愿意走近斯蒂夫这个有病的少年，他所表现出的一位母亲的耐心，甚至超过了斯蒂夫的亲生母亲黛安。

而她也只有在面对斯蒂夫的时候，她的失语症才有所缓和，她也才能得到在她自己家庭中无法得到的快乐。

之所以说本片是一曲爱的悲歌，是因为所有剧情冲突几乎都围绕“爱”这个主题，而且都以某种悲剧形式收场。

首先，影片结局的悲剧设定是合理的。

这不是因为导演站在了现实的一面，而是因为这样设定才符合逻辑。

虽然说影片三位主角维持了一种三角平衡关系，但这种平衡是极为脆弱的。

即使黛安不将儿子送走，平衡也无法维持，因为凯拉必定是要离开的。

她的丈夫不能容忍自己妻子的这种“移情”，前一次搬家本来就是为了让妻子忘却，当此目的无法达到时，再次搬家就不可避免。

所以，无论凯拉先走还是后走，悲剧结局都会是一样的。

其次，斯蒂夫与母亲三次主要冲突都是因为“爱”得不到理解或正确回应的结果。

第一次是斯蒂夫以“爱”的理由说服别人送他礼物，他转送给母亲时，他的母亲以为是偷来的，这种不理解直接刺激斯蒂夫达到颠狂状态。

第二次他阻止母亲出卖灵魂以换取律师为他纵火事件辩护，结果由于闹走了律师，斯蒂夫被他母亲一顿数落，这导致他一夜未归，继而又怀疑母亲对他的爱而想割腕自杀。

第三次，斯蒂夫接受治疗后，他以正常人的口吻表达对母亲歉意和依恋的电话，却进入了他母亲的语音信箱，这再次刺激斯蒂夫的死意，最后奔向了那道自由之门。

第三，黛安作为一位母亲，她未能正确表达爱和未能细心体会儿子对她的爱，是造成悲剧的非常重要的原因。

对于黛安与其子斯蒂夫之间的相互行为，我们都能以爱的理由来解释，即使黛安最后将儿子送到精神病院，也可以被解释为她想保存希望，避免儿子再次自残。

除了现实的残酷外（她无法对付民事索赔），黛安的确不理解自己的儿子。

在三次主要冲突中，她都可以换个方式来回应儿子的“爱”，但她却选择了直接刺激的方式，而且在冲突中，斯蒂夫好像都没错，她也未反思自己的行为，最后送走孩子倒有点像要逃避，反而找了一个“爱”的理由。

说她对于儿子的“爱’太不够细心，应不算冤枉她。

导致斯蒂夫想死的主要原因虽然可以解释为他开始怀疑母亲对他的爱，事实上，真正原因是他亲吻母亲行为被母亲简单推开了。

或许有人认为这就是所谓的“恋母情结”或不伦之恋，其实这可以认为这是斯蒂夫安全感严重缺失所致。

斯蒂夫以前仅仅是多动，但小偷小摸，具有攻击性，搞破坏的行为是自三年前父亲离世后才开始的，缺少了父爱甚至父亲不够强大都会影响孩子的安全感。

在他仅剩母爱的情形下，他对母亲就极为看重，所以，当母亲可能要吃亏时，他会像男人一样来保护母亲；当母亲不理解他时，他会非常难受。

他极为注重安全感，他认为自己想得到的也当是母亲想得到的，所表现出的亲吻行为只是他想加强母亲的这种感觉，或者让母亲感到，他跟她才是一伙的。

然而，母亲推开了他，他自然认为母亲不需要他，这种不需要又加重了他的不安全感，这就是他感到母亲不爱他的真实理由。

本片开始不久，那个帮教中心的老太跟黛安说：“别把你儿子和你自己想得那么坚强，那是你能干出来的最坏的事，光是爱一个人不代表你能救他，不幸的是，这件事上爱也没用。

”这似乎是本片所要表达的主题。

但我认为，在这种事上，与其说“爱”救不了斯蒂夫，不如说这是不正确的爱的结果，真正的、有耐心的、用心的爱始终是能起作用的。

（作者：石板栽花，转载请保持文章完整 2015-04-26）

妈妈 Diane 儿子Steve 邻居 Kara很多人把片中Steve的俄狄浦斯情结说成是恋母，而我觉得这对母子的关系是一种暧昧与矛盾的综合体。

Diane对Steve主要是一种介于亲情与爱情之间的强烈依赖感。

平时在家生活、经常跟母亲打成一片的人可能会理解，当母亲慢慢变成你的好哥们，甚至是知己，那种情感是很暧昧的。

作为同在一个屋檐下、唯一了解你的人，爱是不言而喻的。

但因为有母亲这个角色在，又不能逾越雷池，形成了一种复杂的情感。

Steve虽然为人开朗有趣，但脾气暴躁，且刚从精神病院出来，没有朋友；母亲也是个特立独行的人，这两个人在感情上互相寄托，愤怒时也没有别的发泄窗口，只能互相伤害；或者Steve去选择诉诸暴力，回来之后还是要挨Diane的骂。

两人之间的互动很有趣，一直是在吵吵闹闹中度过，而且多数时候真的很痛苦。

多兰采用1:1画幅来表现压抑的生活，用闪屏表达不安的心，用曝光过度的大色块表现忧郁，很有实验性。

当Kara出现在两人面前，他们的关系终于得到调和。

kara跟母子私下关系都很好，于是变成了斡旋其中的润滑剂。

随着他们关系的更进一步，屏占比也瞬间恢复到16:9。

片中有两次恢复屏占比，都是Steve最开心的时刻。

最后Diane为了避免Steve心中的“恶魔“继续出现伤害自己，把他送回精神病院。

当医生与Steve发生械斗时，Diane又止不住心疼想冲上前，片中始终贯穿了她这种纠结。

然而医院也医不好Steve，他还是带着对美好时刻的憧憬，冲向窗口。